Psychedelisch-komplexer Geniestreich.

Weltlich, und doch andersweltlich. Nach drei eher spacigen Weltraumopern sind die Black Space Riders wieder auf der Erde gelandet. Nicht innere Umstände waren es, die sie den Orbit ihrer psychedelischen Stoner-Rock-Odyssee verlassen ließen. Vielmehr sind die äußeren Umstände auf diesem Planeten dafür verantwortlich, dass die deutsche Ausnahmeband ihre Inspiration aus den dunklen Zuständen der Gegenwart schöpft. Ohne ihre träumerische, psychedelische und im weiten Nichts zerfasernde Grundstimmung aufzugeben, ohne sich einen Deut weniger versunken zu präsentieren, greift REFUGEEUM doch die Flüchtlingssituation in dieser Welt auf, verspricht im cleveren Albumtitel aber zugleich eine Zuflucht für selbige wie auch für sich. Deutlich komplexer, theatralischer, abwechslungsreicher und bedrückender als auf D:REI sind die langen Songs, jeder für sich ein Vorstoß in diese neue Welt. Noch immer schöpfen die Black Space Riders mit vollen Händen aus ihrem satten und beneidenswerten Groove, aus ihrem präsenten Bass, ihren dröhnenden, wuchtigen Riff-Gebirgen. Mehr denn je sind sie jedoch nur das Fundament, auf dem manche Stücke ruhen und sich mal melancholisch, mal verletzlich, mal bissig geben. So ist es mittlerweile unmöglich, ihrer Musik einen angemessenen Namen zu geben. Space Rock, Progressive Stoner, Psychedelic Rock, Alternative-Rock-Oper? Es ist einfach viel mehr als das.

Es ist nicht leicht, erwachsen zu werden.

Als die irischen Jungspunde 2013 ihr Debüt SNAPSHOT vorlegten, wunderten sich vor allem die snobistischen Londoner Musikgazetten über den stark ausgeprägten Retrograd: In den Mittneunzigern geboren sein, aber auf einen rauen R&B-Sound setzen, als wollten sich die schlaksigen Kerle um Sänger Ross Farrelly mit windschnittigen Moptops, Original Wayfarer Ray-Ban, Karoanzügen und frech imitierter Bo-Diddley-Mundharmonika im Jahr 1964 zwischen Them, The Yardbirds, The Pretty Things, The Downliners Sect und The Rolling Stones einreihen. Jung, mürrisch, aufmüpfig und herrlich rüde. Da hyperventilierte selbst US-Talk-Show-Veteran David Letterman mit mehrmaligem „Yeah, Yeah“, nachdem die Jungs durch ›What A Shame‹ gehetzt waren. Doch auch Rüpel und Flegel werden erwachsen. Vom atemlosen Sixties-Geblöke bleibt auf schwierigem zweiten Anlauf LITTLE VICTORIES nicht viel übrig: ›Get Into It‹ fordern The Strypes zum Einstand mit Nachdruck, erinnern dabei aber mehr an Kasabian und Arctic Monkeys, als an sich selbst. Fortsetzung findet dieser ungewohnt neue rote Faden, an dem das Quartett samt Produzenten und Manager sicherlich monatelang rumgebastelt haben dürften in ›A Good Night’s Sleep And A Cab Fare Home‹, ›Eighty-Four‹ und ›Now She’s Gone‹. An alte R&B-Zeiten erinnert ›Status Update‹, ein Rocker ganz im Stile von Bo Diddley inklusive infektiöser Blues-Mundharmonika. Kurios tönt die Stilsuche auf ›Cruel Brunette‹, wo The Jam auf Joe Jackson treffen. ›I Need To Be Your Only One‹ funktioniert gar im Blues-Boogie-Takt. Für ›(I Wanna Be Your) Everyday‹ befinden sich doch tatsächlich psychedelisiertes Piano, Mellotron und Wah-Wah-Effekte im Einsatz. Bei der schwierigen Sache mit dem Erwachsenwerden könnte mit ›Scumbag City‹ gar eine echte Hymne herausspringen.

Neue Wut aus Seattle.

Seattle, Sub Pop, Strange Wilds. Was wie eine Headline klingt, ist die DNA dieses Newcomer-Trios aus Olympia, Washington. Wer melancholisch gut temperierte Düster-Thematik mag, liegt hier leider völlig falsch. Der Opener ›Pronoia‹ ist der wütende Einstieg in ein Album, das sich alle Ecken und Kanten aus der Underground-Rockgeschichte zusammengeklaut hat. Das klingt jetzt negativer, als es in Wirklichkeit ist, denn die drei Burschen Steven, Sean und Allen (Nachnamen sind nicht wichtig) harmonieren auf charmante Art und Weise. Der Kollege am Mikro ist angepisst wie einst ein gewisser Herr Rotten, Drums und Bass lassen genug Platz für Atmosphäre Marke frühe Nirvana. Das einzige Problem: Hier regiert Attitüde vor Qualität. Die Songs sind unterschiedlich und folgen keinem richtigem Konzept. Auf der Facebook-Seite findet sich unter Stil auch folgende Beschreibung: Punk, Grunge, Rock, World. Ein wenig überambitioniert. Wer sich allerdings in amerikanischem Wortschatz bilden möchte, muss die Texte lesen. Titel wie ›Egophilia‹, ›Oneirophobe‹ und ›Pareidolia‹ animieren jedenfalls zum Nachschlagen.

Besser geht instrumentaler Gitarrenrock nicht.

Wer das Phänomen kennt, dass instrumentale Gitarrenalben schnell langweilig werden, weiß die wahre Leistung von Joe Satriani besonders zu würdigen. Denn der 59-Jährige schafft es mit SHOCKWAVE SUPERNOVA zum 15. (!) Mal und erneut mit weit mehr als ein Dutzend neuer Stücke, die Zuhörer von der ersten bis zur letzten Minute zu fesseln. Woran dies liegt? Satriani weiß es selbst nicht so genau, könnte bei einer genaueren Analyse seiner Kompositionen jedoch schnell die Wahrheit herausfinden. Denn egomanisches Skalengedudel sucht man bei ihm ebenso vergeblich wie einen reinen Technik-Showdown oder selbstverliebte Eigendarstellung. Nein, Satriani schreibt richtige Lieder, zwar ohne Gesang, dafür aber mit einer Leadgitarre, die dieses vermeintliche Manko mühelos ausgleicht. Wenn er in ›Crazy Joe‹ seine eigene Experimentierlust aufs Korn nimmt, sich in ›San Francisco Blue‹ vom früheren Hippie-Flair des legendären Stadtteils Haight-Ashbury inspirieren lässt oder in ›If There Is No Heaven‹ sanfte Melancholie in wundervolle Noten wandelt, immer trifft er den richtigen Ton, die richtige Stimmung. Ein Phänomen, das man nicht erklären sondern gehört haben muss. Für SHOCKWAVE SUPERNOVA gilt das gleiche wie für seine 14 Vorgänger: Eine bessere musikalische Untermalung zur behaglichen Lebensbewältigung findet man kaum.