Am 9. September erscheint PATIENT NUMBER 9, das neue Studioalbum von Ozzy Osbourne. Der gleichnamige Titeltrack der Platte wird bereits heute als erster Vorgeschmack ausgekoppelt.
Auf dem Nachfolger zu ORDINARY MAN aus dem Jahr 2020 wirken neben Zakk Wylde auch Jeff Beck, Mike McCready (Pearl Jam), Chad Smith (Red Hot Chili Peppers), der kürzlich verstorbene Taylor Hawkins (Foo Fighters), Robert Trujillo (Metallica), Duff McKagan (Guns N‘ Roses) sowie Tony Iommi von Black Sabbath mit.
Coheed And Cambria besitzen die große Gabe, ihre Hörer vom ersten Ton eines jeden Albums an wie
einen alten Freund in die Arme zu schließen – so auch bei ihrem zehnten Werk VAXIS II. Nach dem bombastischen Intro ›The Embers Of Fire‹ heißt einen ›Beautiful Losers‹ mit aller Herzlichkeit willkommen. Diese komplexe und doch so eingängige Mischung aus Wucht und Melodie können nur Coheed And
Cambria erschaffen, nur Claudio Sanchez kann diese tiefe Inbrunst und gleichzeitig so viel Verletzlichkeit in seinem Gesang transportieren. Die vier Musiker aus Nyack präsentieren sich in kompositorischer Höchstform. Da verzeiht man ihnen auch ein paar musikalische Ausrutscher oder Ungewöhnlichkeiten wie ›A Disappearing Act‹, einer Mischung aus Rammstein-Ballade und Dancehall-Hymne, oder ›Bad Man‹, bei dem das Spiel mit dem Stimmverzerrer ein wenig übertrieben wurde. In seiner Gesamtheit vermag VAXIS II absolut zu überzeugen – zum Glück sind noch drei weitere Akte geplant.
7 von 10 Punkten
Coheed And Cambria
VAXIS II: A WINDOW OF THE WAKING MIND
ROADRUNNER/WARNEr
Er ist wirklich einen langen, langen Weg gegangen. Arthur Brown hat absoluten Kultstatus inne und bleibt
doch trotz seines mehr als weitreichenden Einflusses auf die Rockmusikhistorie irgendwie immer im Underground verwurzelt. An seinem 80. Geburtstag (!) veröffentlicht der God Of Hellfire sein neues Album LONG LONG ROAD, das in enger Kollaboration mit seinem Weggefährten und Multiinstrumentalisten Rik Patten entstanden ist. Eine Platte, mit der der Ausnahmekünstler auf seine Wurzeln mit The Crazy World Of Arthur Brown Bezug nimmt und Blues mit betörenden Rhythmen, Psychedelic und Heavy Rock vermischt. Eröffnet wird mit dem jazzig angehauchten Rocker ›Gas Tanks‹, auf den der kurze, doch eindringliche Spoken-Word-Track ›Coffin Confessions‹ mit dramatisch vorgetragenen Zeilen folgt. Danach das Highlight der Platte für die Autorin – das schwer swingende ›Going Down‹ mit Bläsern, bei dem Arthur Brown wie auch auf dem Coverartwork sein Lieblingselement, das Feuer, aufgreift. Dem mit Mundharmonika und Westernflair versehenen ›I Like Games‹ mit seinem zweideutigen, teils krächzend geraunten Text tropft die nonchalante Coolness aus jeder Pore, dann wieder versprüht Brown im wunderschönen und ungewohnt konventionellen Titeltrack mit Akustikgitarre und emotionalem Text Hoffnungsfunken und verweist auf die Möglichkeit einer guten Zukunft, wenn wir im Hier und Jetzt nur die richtigen Entscheidungen treffen. LONG LONG ROAD ist der
Beweis dafür, dass Arthur Brown sich nicht auf seinem Legendenstatus ausruht, sondern selbigen immer noch mühelos zu verteidigen weiß.
8 von 10 Punkten
Arthur Brown
LONG LONG ROAD
PROPHECY PRODUCTIONS/MAGNETIC EYE RECORDS/SOULFOOD
Anfang des Jahrtausends verkörperte Grant-Lee Phillips in der Fernsehserie „Gilmore Girls“ den Stadt-Troubadour, der an der Ecke stehend für ein paar Cent seine Lieder zu Gehör brachte und gleichzeitig das Geschehen in der Stadt kommentierte. Eine echte Paraderolle für den früheren Frontmann der großartigen Grant Lee Buffalo, schließlich ist der inzwischen 58-jährige Amerikaner seit mehr als 30 Jahren der Inbegriff des altmodischen fahrenden Musikers, der in die Stadt kommt, um sein Publikum mit ulkigen Geschichten und ungemein lebendigen Songs im Dunstkreis von Folk, Country und Americana zu faszinieren.
Durch die Pandemie genau dieser Chance beraubt, widmete er sich daheim in Nashville der Frage, wie er auf sich allein gestellt das Meiste nur aus Stimme und Gitarre machen konnte – und stieß dabei auf Songs mit einem neuen Fokus. „Wenn ich zu Hause bin und nur für mich spiele, blende ich die Gedanken an die Performance aus“, erklärt er. „Ohne das Gefühl, Publikum im Raum zu haben, ist das für mich eher ein nach innen gerichteter Prozess, der in gewisser Hinsicht meinem wahren Ich stärker entspricht.“ Auch wenn Phillips am Ende eine Reihe alter Weggefährten wie Drummer Jay Bellerose und Bassistin Jennifer Condos einlud, die Songs aus der Ferne dezent auszuschmücken, ging es ihm dieses Mal dennoch besonders um den Kern der Sache. „Wenn man Platten produziert, muss man sich vor zu viel Raff inesse hüten“, ist er überzeugt. „Sie hat ihren Platz, aber bisweilen verlierst du genau das aus den Augen, was den besonderen Reiz ausgemacht hat. Mir gefällt der
Prozess des Erkundens. Ich mag es, Fehler zu machen, und schätze die Erkenntnisse, die daraus resultieren.“
Dem entgegen steht einmal mehr die elegante Eloquenz, mit der Phillips seine Gedanken zum Lauf der Dinge in Worte fasst und den Dingen auf den Grund geht. Die Angriffe auf das US-Kapitol im Januar 2021 haben ebenso tiefe Spuren in den Texten der neuen Lieder hinterlassen wie der Brand von Notre Dame und die fragwürdige US-Einwanderungspolitik. Ein Patentrezept, um die immer weiter auseinanderdriftende Welt zu kitten, hat auch Phillips nicht, trotzdem möchte er die Stimme der Hoffnung sein. „Natürlich leben wir in ver-
störenden Zeiten, aber ich bin überzeugt davon, dass uns das am Ende zu besseren Menschen machen wird. Wir haben es selbst in der Hand. Darauf spielt auch der Titel ALL THAT YOU CAN DREAM an: Wenn wir uns die Veränderung erträumen können, wenn wir unsere Aufmerksamkeit darauf konzentrieren können, dann haben wir eine Chance, all den Herausforderungen zu begegnen.“
Unerwartet fügen die Rolling Stones ihrer aktuellen „Sixty“-Tournee durch Europa noch einen Konzerttermin hinzu. Am Mittwoch, den 3. August, spielen die Legenden in der Berliner Waldbühne.
Besonders daran ist vor allem, dass in die Location nur etwa 20.000 Menschen passen, also nur ein Bruchteil dessen, was ansonsten an Tickets auf der restlichen Stadion-Tour verkauft werden. Ab 29. Juni um 12 Uhr startet der Vorverkauf, zunächst exklusiv über Eventim.
Kanadas Mainstream-Rock startete nicht erst mit Bryan Adams. Sänger, Gitarrist und Komponist Myles Goodwyn rang mit seiner Formation April Wine bereits seit 1971 zäh um internationale Anerkennung.
Perfekter mehrstimmiger Gesang und zeitweilig drei sich duellierende Gitarren in Kombination mit melodischem Hard Rock nahmen das stromlinienförmige Konzept von Boston vorweg, was vor allem in Kanada und den USA gut funktionierte. In Europa blieben April Wine auch nach dem innovativen Vorstoß FIRST GLANCE (1978) der ewige Geheimtipp
An folgenden Terminen kommt Blues-Rock-Gitarrero George Thorogood zusammen mit seiner Band The Destroyers nach Deutschland. Als Support wird Eamonn McCormack mit von der Partie sein:
18.07.22 – Neu-Isenburg, Hugenottenhalle
21.07.22 – Dortmund, Westfalenhalle 2
02.08.22 – Berlin, Columbiahalle
Pro Stadt verlost CLASSIC ROCK 2×2 Tickets und garantiert euch so einen wunderbaren Blues-Rock-Abend for free!
(Teilnahmeschluss ist der 01.07.2022)
Willkommen zu unserem Countdown der besten „Unplugged“-Alben – jener (größtenteils) akustischen Juwelen, die den Regler eben nicht bis 11 aufdrehen und genau deshalb so genial sind.
Okay, hier und da finden sich noch Spuren von Elektrizität. Niemand wird behaupten, dass GN‘R LIES keine eingestöpselte Seite hatte oder Page und Plant auf UNLEDDED komplett auf Verstärker verzichteten. Doch ihr akustischer Kern machte diese Werke zu dem, was sie sind. Mit ihrem Willen, ihre ruhigere Seite zu zeigen, bewiesen die hier versammelten Künstler, dass man keine Wand aus Marshall-Amps braucht, um erstklassige Rockplatten abzuliefern.
Und ja, einige von ihnen machten mehr als ein tolles solches Album (Neil Young und Bob Dylan, wir blicken in eure Richtung…), aber wir wollten soviele Stimmen wie möglich feiern, also haben wir die Auswahl auf eine Veröffentlichung pro Act begrenzt. Und jetzt heißt es: mucksmäuschenstill sein und die leise Revolution genießen!
Das Älterwerden brachte eine andere Seite in J Mascis hervor. Der erste Gitarrenheld der Slacker-Generation kehrte dem verzerrten Lärm von Dinosaur jr. den Rücken und brachte ein Soloalbum hervor, das akustische Gitarren und subtile, aber vielsagende Ausschmückungen kunstvoll übereinander schichtete.
Mithilfe einiger gleichgesinnter Kumpels – Kurt Vile, Ben Bridwell von Band Of Horses, Kevin Drew von Broken Social Scene, Pall Jenkins von Black Heart Procession und Geigerin Sophie Trudeau von Godspeed You! Black Emperor – fabrizierte er eine reduzierte Songsammlung, die andeutete, dass er im Herzen vielleicht schon immer ein sensibler Balladenautor war. Sein warmes, dösiges Genuschel erweist sich als idealer Kontrast zum lebhaften Fingerpicking seiner Gitarrenmelodien, vor allem auf dem Titelstück, dem Trudeau wunderbare Texturen verleiht. Der idyllische Folk auf ›Make It Right‹ wird von Flöte, Lap-Steelguitar und Viles Slide-Gitarre gefärbt, die plätschernden Harmonien von ›Not Enough‹ erinnern an Moby Grape in ihrem wehklagenden Zenit, ›Where Are You‹ klingt wie die Beatles in der ›Here Comes The Sun‹-Ära.
An anderer Stelle wie bei ›Listen To Me‹ und ›Very Nervous And Love‹ beruft sich Mascis auf den sanften Troubadour-Geist des frühen Neil Young. Wer hätte gedacht, dass Amerikas führender Lärmkönig so einen überzeugenden Folkie abgeben würde?
Rob Hughes
Schlüsselsong: ›Several Shades Of Why‹
„I‘ve been a-waiting for you, and you‘ve been a-waiting for me“ (Ich habe auf dich gewartet und du hast auf mich gewartet), singen Joy Williams und John Paul White zu den bewegenden Streichern auf ›Forget Me Not‹. Und es war wahr: Zwei Stimmen schienen selten so dazu bestimmt, zusammen zu erklingen. Die beiden entdeckten ihre Telepathie 2008 bei einem Songwriting-Workshop in Nashville, und drei Jahre später bündelte sich diese einzigartige Chemie in einer Sammlung intimer Songs, die alle berührten, die sie hörten.
Dieser Balztanz der ineinander verschlungenen Vocals von White und Williams ließ Momente erstrahlen wie das umwerfende ›To Whom It May Concern‹ und die zum Scheitern verurteilte Romanze vom ›C‘est la mort‹ („You can sink to the bottom of the sea, just don‘t go without me“ – Du kannst auf den Meeresgrund sinken, nur geh nicht ohne mich). Doch nie schickten einem The Civil Wars mehr Gänsehaut über den Rücken als auf dem treffenden alt.Country-Meisterwerk ›Poison & Wine‹ („Oh, I don‘t love you, but I always will“ – Oh, ich liebe dich nicht, aber das werde ich immer). Es konnte kaum einen reduzierteren Song geben, doch ein Marshall-Verstärker-Turm hätte seine emotionale Wucht nur gemindert.
Der aufmerksamkeitsträchtige Einsatz von ‹Poison & Wine‹ in der US-Dramaserie „Grey‘s Anatomy“ machte die Band dann schließlich zum Mainstream-Act und setzte eine Glückssträhne in Gang, die in vier Grammys gipfelte (aber andererseits vielleicht ihr Ende 2014 beschleunigte).
Nur sehr selten hat ein so leises Album so viel Lärm gemacht.
Henry Yates
Schlüsselsong: ›Poison & Wine‹
Joe Bonamassa ist normalerweise ein Künstler, nach dem man die Uhr stellen kann, doch sein erstes „Unplugged“-Album trat mit einem beinahe willkommenen Gefühl potenziellen Misslingens auf den Plan – was auch dem Blueser selbst nicht entging: „Es konnte entweder wirklich gut laufen oder wir steckten hier total in der Scheiße“, erinnerte er sich daran, wie er 2012 die Bühne betrat. „Die akustische Gitarre ist für mich wirklich wie Kryptonit.“
Zunächst hatte er geplant, auf Nummer Sicher zu gehen – „nur ich auf einem Stuhl, mutterseelenallein, der Geschichten über die Songs erzählt…“ –, bis Produzent Kevin Shirley ihn zu einem mutigeren Unterfangen animierte. Eine Elitetruppe aus ungewöhnlichen Instrumentalisten (Glockenspiel, Akkordeon, irische Geige) wurde eilig zusammengestellt, und nach dreitägigen Proben häutete sich der Gitarrist in der österreichischen Hauptstadt auf die erstaunlichste Art und Weise. Ihrer gigantischen Gitarrensoli beraubt, flogen seine Songs nur so, während ›Dust Bowl‹ und ›Driving Towards The Daylight‹ sich als ungewöhnlich treffsicher erwiesen. Seine ewig unterschätzte Stimme fand sich zudem ganz im Mittelpunkt, voller Menschlichkeit und Charakter.
…VIENNA war also nicht das Desaster, das Bonamassa befürchtet hatte. Stattdessen ist es sogar eines der Juwelen in seinem Katalog. „Ehrlich gesagt war es die erfüllendste musikalische Erfahrung meines Lebens. Niemand wollte, dass es aufhört.“
Henry Yates
Schlüsselsong: ›Dust Bowl‹
R.E.M. waren die einzige Band, die zweimal bei „MTV Unplugged“ auftrat, und diese beiden Darbietungen im Abstand von zehn Jahren voneinander zeigten sie in sehr unterschiedlichen Phasen ihrer Karriere. 1991, nachdem sie ein Jahrzehnt lang stetig größer geworden waren, standen sie mit dem siebten Album OUT OF TIME an der Schwelle zum Durchbruch. Der erste Teil dieser Performance bestand folglich aus Stücken daraus und beinhaltet das mandolinengetriebene ›Half A World Away‹ und den Welthit ›Losing My Religion‹.
Doch die wirklich denkwürdigen Momente lagen anderswo, wenn die minimalistische Umgebung das sämige Timbre von Michael Stipes bemerkenswerter Stimme perfekt mit der inhärenten Anmut von ›Perfect Circle‹, ›World Leader Pretend‹ und ›Fall On Me‹ harmonieren ließ.
2001 hatte Schlagzeuger Bill Berry R.E.M. verlassen und sie waren etablierte Superstars. Bei ihrem zweiten „Unplugged“-Album wurde das Kerntrio um Scott McCaughey, Ken Stringfellow und Joey Waronker ergänzt. Das Ergebnis war eine satter klingende Aufnahme, die jedoch keineswegs weniger beeindruckend war. Ein seltsamer Sprenkler aus Dylans ›Like A Rolling Stone‹ schlich sich in den Text zu ›Country Feedback‹, während einige der neueren Stücke – ›All The Way To Reno‹, ›At My Most Beautiful‹ – einen unverrückbaren Beweis dafür lieferten, dass die Band nichts von ihrer emotionalen Schlagkraft eingebüßt hatte.
Diese Kollektion aus 33 Songs ist ein gefundenes Fressen für Fans uns zeigt R.E.M. so roh und ungefiltert wie sonst keines ihrer Werke.
Rob Hughes
Schlüsselsong: ›Fall On Me‹
Der unglaubliche Erfolg dieser Platte überraschte wirklich jeden – inklusive der Band selbst. Nach fünf Jahrzehnten, in denen sie Zwölftakt-Riffs in donnernder Lautstärke am laufenden Band produzierten, waren Status Quo zur lebenden Legende des Headbanging geworden. Wer aber etwas tiefer in die Materie eintauchte, entdeckte die Vielfalt in ihrem Katalog.
AQUOSTIC (dessen witziges Coverfoto übrigens kein Geringerer als Bryan Adams schoss) brachte diese unbekanntere Seite an die Oberfläche. Wohlbekannte Arrangements erstrahlten in neuem Glanz und mit Gastmusikern inklusive eines Akkordeonspielers, einer Background-Sängerin und sechs Streichern wurde die melodische Seite der Briten regelrecht abgefeiert. Nur zehn Monate vor Erscheinen des Albums sagte Francis Rossi: „Quo unplugged? Der Gedanke lässt mir den Arsch zucken. Das wäre ungefähr 20 Minuten lang gut“. Rick Parfitt hatte mehr für die Idee übrig, hasste aber den Titel. „Das beschwört irgendwie etwas Phallisches in meinem Kopf herauf, wie ein Schwanz, der in die Luft ragt. A Quo stick [ein Quo-Stock].“
Doch das Ergebnis sprach für sich, und nach der letztjährigen „The Last Night Of The Electrics“-Tour wird es von nun an nur noch aquostisch weitergehen.
Dave Ling
Schlüsselsong: ›Don‘t Drive My Car‹
Nach dem elektrisierenden Hardrock ihres Debüts APPETITE FOR DESTRUCTION bezeichnete man die junge Band aus Los Angeles schon als „die neuen Aerosmith“. Doch was sie 1988 ein Jahr später nachschoben, war so brillant wie unerwartet: vier akustische Tracks auf GN‘R LIES, die nicht an Aerosmith, sondern an die größte Rock‘n‘Roll-Band von allen erinnerten: die Rolling Stones.
GN‘R Lies war kein normales Album. Die erste Hälfte war eine Wiederveröffentlichung ihrer ersten EP LIVE ?!*@ LIKE A SUICIDE von 1986 – berühmt geworden als gefakete „Live“-Aufnahme aus einem Studio. Doch das akustische Material der Platte strotzte nur so vor Ehrlichkeit, im positiven wie im negativen Sinne. In der wunderschönen Ballade ›Patience‹, einem weltweiten Hit, und dem Faux-Country ›Used To Love Her‹ mit dem schwarzhumorigen Text hörte man Echos der Stones.
Dazu kam eine tolle, entschlackte Version von ›You‘re Crazy‹ von APPETITE. Und zum Abschluss gab es schließlich den kontroversesten Songs, den Guns N‘ Roses je aufnahmen: ›One In A Million‹, wo Axl Rose sich hämisch über „ni*****“ und „faggots“ ausließ. Das war damals schockierend und ist es bis heute. Und die unbequeme Wahrheit ist, dass Axl mehr von seiner Seele in dieses Stück steckte als in jedes andere.
Paul Elliott
Schlüsselsong: ›One In A Million‹
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