Experimentelle nächtliche Exkursionen: Der zweite Frühling der falschen Brüder, der keiner wurde.

Als sich das US-Trio The Walker Brothers 1975 nach acht Jahren Kreativpause unvorhergesehen reformierte, zählte die Fan-Hysterie der Beat-Ära längst zur Vergangenheit. Als kleinster gemeinsamer Nenner erneuter Weggemeinschaft lässt sich sicherlich auch der geringe Tonträgerabsatz der Solointerpreten Scott, John und Gary Walker ausmachen. Erfolg beschieden war nach der Trennung 1967 ohnehin nur Scott Walker, der produktive zehn Alben, darunter auch die Meilensteine SCOTT 1, 2, 3 und 4, lieferte und zeitweise gar eine eigene Show im britischen Fernsehen moderierte. In verändertem Konzept wagten die Walker Brothers einen Neuanfang mit drei Alben: NO REGRETS beschwor Country-Pop, auf LINES dominierten Mainstream-Pop-Balladen. Aus dem Rahmen fällt das finale dritte Werk NITE FLIGHTS 1978 zum Höhepunkt der Disco-Ära. In straffer Produktion, die Gitarre, Bass, Schlagzeug und Saxofon damaligen Neuerrungenschaften wie Synthesizer und Sequenzer gegenüberstellt, gelingt ein bemerkenswert eigenwilliger Lied-Zyklus. Ein Songreigen, der sich weder New noch Old School verpflichtet fühlt, die zehn Tracks sind auf Soul, Disco, Funk und Experiment geeicht. Scott Walker eröffnet mit vier Songs, darunter ›Shutout‹, ›Fat Mama Kick‹ und dem Titelstück – immerhin das erste selbstkomponierte Material seit ‚TIL THE BAND COMES IN von 1970. Mit der elegischen Eigenbrötlerei ›The Electrician‹ erlaubt sich Scott Walker gar, die karge Aura seiner 84er-Produktion CLIMATE OF HUNTER vorweg zu nehmen – eine akribische Studie über die Ursprünge von Todessehnsucht, Völkermord und Faschismus. Gary Walkers Disco-Oden ›Den Haague‹ und ›Death Of Romance‹ umspielt ebenso ein gewisser Charme wie John Walkers zwischen Hard-Rock (›Rhythms Of Vision‹) und Soul-Funk (›Disciples Of Death‹) angelegte Visionen. Längst als zumindest kleiner Meilenstein apostrophiert, fristete das Werk trotz Kritikerwohlwollen seinerzeit ein echtes Ladenhüterdasein.

Bloß keine Witze über Fische: Gitarrenvirtuose Walter Trout hat den Blues.

Entgegen sämtlicher Trends und Booms, lebt der Gitarrist, Vokalist und Komponist aus New Jersey seinen Jugendtraum: Sich jenem Genre zu widmen, ohne das der Rock’n’Roll schlicht nicht entwicklungsfähig gewesen wäre – Blues. Seit 1969 aktiv, verdingte sich der fingerflinke Sechssaitenzauberer Walter Trout von Anbeginn in illustrer Runde. Erbauliche Lehr- und Wanderjahre mit Prüfung zum Meister absolviert er in den Begleitformationen der Legenden Percy Mayfield, Joe Tex und John Lee Hooker. Hernach heuert Trout erst bei Canned Heat, dann bei John Mayall’s Bluesbreakers an, bevor er sich 1989 unabhängig macht. Im Zuge einer kompletten Retrospektive seiner Soloaktivitäten erscheinen monatlich Vinyl-Neuauflagen aus seiner umfangreichen Diskografie. Den Auftakt bestreitet das Doppelalbum LIVE: NO MORE FISH JOKES 25TH ANNIVERSARY EDITION, ein Konzertmitschnitt aus dem Jahr 1992. Ein rundes Dutzend Songs, aufgezeichnet beim Skanderborg Festival (10. August 1991) vom dänischen Rundfunk. Ergänzt um Material im niederländischen De Hanenhof. Ein fulminanter Turbostart gelingt im Song-Dreierpack: Robert Johnsons ein wenig anders als gewohnt intepretierter Standard ›Dust My Broom‹ folgt der melancholische Zeitlupen-Blues in Moll, ›If You Just Try‹. Beim mörderischen Rockreißer ›False Alarm‹ fahren Keyboarder Danny „Mongo“ Abrams, Bassist Jimmy Trap und Schlagzeuger Frank Cotinola unter Anleitung des in Bestform befindlichen Chefs ebenso die Krallen aus wie in ›Life In The Jungle‹, ›Victor The Cajun‹ und ›Prisoner Of A Dream‹. Verschnaufpausen liefern Bob Dylans ›Girl From The North Country‹ und das akustische Kurzintermezzo ›Earrings On The Table‹. Bei ›Motivation Of Love‹, ›Playing With Gloves On‹ und ›The Love That We Once Knew‹ bedient anstatt Cotinola Bernie Pershey die Trommelstöcke. Noch einmal voll auf die Zwölf haut das fidele Quartett zum Finale: ›Going Down‹, eine unkaputtbare Rock-Blues-Animation aus der Feder von Don Nix, enthält definitiv keine Witze über Fische.

Wie ein Schmetterling im Wind:
Santanas schwierige Phase.

Zähe Unverwüstlichkeit zeichnet Carlos Santana auch im 47. Karrierejahr aus: Im Gespann mit Unikum Wyclef Jean, Arenen-DJ Avicii und Brasilien-Star Alexandre Pires präsentiert der 66 Jahre alte Latino-Rock-Pionier nach sensationellem Comeback-Coup mit SUPERNATURAL (’99) und SHAMAN (’02) die offizielle Fifa-Hymne der Fußball-Weltmeisterschaft 2014 in Rio de Janeiro: ›Dar um jeito (We Will Find A Way)‹. Gewiss ein Selbstläufer in weltweiter Euphorie ums runde Leder. Doch der gebürtige Mexikaner, der die multiethnische Combo Santana 1967 im damaligen Hippie-Mekka San Francisco aus der Taufe hob, weiß auch um lange Durststrecken. Steckten Santana nach glorreichem Start mit selbstbetiteltem Debüt (’69) und den famosen Nachfolgern ABRAXAS und III doch spätestens in den frühen 70ern in der Krise. Carlos Santana wendet sich den spirituellen Lehren des bengalischen Mystikers Sri Chinmoy zu – die bis dato bewährte Stilmixtur aus Latino-Drive, Urban-Blues und Rock wich einer gewagt esoterischen Struktur aus Meditation, Jazz, Funk und Fusion. Sphärisches zwischen Nirvana und Nirgendwo. Künstlerisch hochwertig zwar, aber kaum geeignet, ein Massenpublikum zu begeistern. Nach den entrückten Werken CARAVANSERAI (’72) und WELCOME (’73) sowie den noch schwierigeren Solo-Kollaborationen LOVE DEVOTION SURRENDER (’73) und ILLUMINATIONS (’74) demonstrierte das in ein bläuliches Metallic-Cover verpackte BORBOLETTA ein wesentlich vitaleres Konzept. Vor allem der frisch eingestiegene Vokalist und Pianist Leon Patillo sorgte mit selbstkomponiertem Ohrwurm ›Mirage‹ für einen Kaufanreiz. Relativ Hitverdächtiges gelang auch mit ›Life Is Anew‹, ›Give And Take‹ und ›One With The Sun‹. Wesentlich luftiger als auf den Vorgängern gerieten instrumentale Kabinettstückchen wie ›Aspirations‹, ›Cantos De Los Flores‹ und ›Promise Of A Fisherman‹. Zurück zu seinen Wurzeln kehrte Carlos Santana ein Jahr später mit dem wieder vermehrt auf Latino-Rhythmusstrukturen angelegten AMIGOS – ein Trend, der sich 1977 auch auf FESTIVAL mit den eingängigen Single-Auskopplungen ›Revelations‹ und ›Let The Children Play‹ fortsetzte. Perkussives mittelamerikanisches Feuerwerk zündet trefflich in ›Carnaval‹, ›Jugando‹, ›Verão Vermelho‹ und ›Let The Music Set You Free‹. Allerdings findet sich mit dem kitschig-balladesken ›The River‹ auch ein absoluter Tiefpunkt.

Kleinod aus den Anfangstagen.

1974 veröffentlichten die Kandier ihr selbstbetiteltes Debüt und einziges Album im Original-Lineup Geddy Lee, Alex Lifeson und John Rutsey (noch im selben Jahr verließ er die Band und wurde durch Neil Peart ersetzt, der bis heute bei Rush trommelt). Die erste Auflage (3500 Stück) der über das bandeigene Label Moon Records vertriebene Platte waren schnell vergriffen. Jetzt können Fans eine liebevoll gestaltete Neuauflage in Händen halten. In den legendären Abbey Road Studios wurden die originalen Stereo-Masterbänder unter Verwendung des einzigartigen Direct Metal Mastering Prozesses (DMM) auf Kupferplatten gebannt. Und das hört man! Der in dieser Zeit noch sehr an Led Zeppelin und The Who angelehnte Sound der 200g Vinyl ist warm, voll und einfach bombastisch. Kein Knacksen, kein Rauschen, keine Lautstärkenunterschiede. Auch die Aufmachung und der Bonus-Inhalt der Box ist sehr liebevoll. Neben einem Foto der originalen Tonrolle enthält es eine Reproduktion des ersten Rush Promo-Posters, drei Lithographien von Lee, Lifeson und Rutsey und ein Rush Family-Tree Poster. Und für unterwegs eine kostenlose Downloadkarte.

Onkel Lou und die Jazz-Legende: eine nicht ganz komplette Radioaufzeichnung.

Über Dekaden ließ sich der Konzertmitschnitt WINTER AT THE ROXY: THE 1976 L.A. BROADCAST nur unter der Hand als Bootleg erstehen. Schon bei illegalem Ersterscheinen unter noch anderem Titel verblüffte die ausgezeichnete Tonqualität – kein Wunder: zeichnete doch der Sender KMET FM Radio für die Aufnahme verantwortlich. Da erstaunt es einigermaßen, dass ausgerechnet die offizielle Version, zuerst in CD- und nun auch im Doppel-Vinyl-Format, wohl von einer nicht ganz so astreinen Quelle stammt. Zudem fehlen gleich mehrere Tracks des denkwürdigen Ereignisses, als sich immerhin Jazz-Legende Don Cherry zu Onkel Lou und seiner Combo auf die Bühne des Roxy Theatre in Los Angeles gesellt. Doch auch die verbliebenen acht Songs illustrieren, dass Reed sich in Tagesbestform befindet. Das Set präsentiert sich auf atonalen Jazz und Fingerschnipp-Funk getrimmt, als wolle Mr. Reed demonstrieren, dass er keine Lust verspürt sich permanent selbst zu wiederholen. Seinem lebenslang einzigen Charthit ›Walk On The Wild Side‹ versagt er die verrucht rotplüschige Bar-Jazz-Version von TRANS-FORMER, imitiert stattdessen Lenny Bruce, wenn er den ohnehin schon anzüglichen Text mit verbalen Attacken und lüstern-lasziven Klatschgeschichten aus dem Hinterzimmer von Max’s Kansas City speist. Auf satte elf Minuten breitet sich die Gossen-Saga um Protagonisten der Warhol’schen Factory aus. Auch der in seiner Aussage nicht minder forsche Velvet-Underground-Klassiker ›I’m Waiting For The Man‹ zerdehnt sich afroamerikanisch funky auf runde 13 Minuten. Knapp darunter datiert das herrlich hypnotisch schwebende ›Kicks‹ mit zwölf Minuten. ›I Believe In Love‹ und ›You Wear It So Well‹ mangelt es hingegen ein wenig an Tiefgang. Beide stammen aus ROCK AND ROLL HEART – eines von Reeds schwächeren Werken der 70er Jahre. Versöhnlich stimmt hingegen das schwelgerisch zelebrierte Finale mit ›Coney Island Baby‹ im Zeitlupentempo.

Aktuelles Werk auf großer Scheibe, streng limitiert, perfekt für Sammler!

Letztes Jahr zeigten Motörhead der Musikwelt mit ihrem 21. Album AFTERSHOCK wo der Hammer hängt. Durch das Auf und Ab mit Lemmys Gesundheit dachten viele, das neue Werk könnte schwächeln oder – viele Unkenrufe prophezeiten es – gar nicht erst erscheinen. Doch diese Zweifler straften die alten Herren Lügen. AFTERSHOCK bebt – wie der Name schon sagt – und lässt so manche Veröffentlichung jüngerer Künstler richtig alt aussehen. Kracher wie ›Heartbreaker‹, ›Coup De Grace‹, ›End Of Time‹ oder ›Going To Mexico‹ werden nur hin und wieder durch bluesige Gänsehautballaden wie ›Lost Woman Blues‹ (zugegeben auch eines der Highlights) und ›Dust In Glass‹ unterbrochen, so dass der werte Hörer ein wenig Luft schnappen kann. Die Legenden präsentieren insgesamt 14 kraftvolle Statements puren Rock’n’Rolls und beweisen damit erneut, dass sie zurecht zu den Legenden der Rockmusik zählen.
Anlässlich des alljährlichen Record Store Day wurde es nun exklusiv als streng limitierte (es gibt nur 4500 Stück davon; jedes Produkt ist auf der Rückseite des Gatefolds liebevoll handschriftlich nummeriert) Picture Vinyl gespresst. Ein wahres Muss für jeden Fan – und das ist nicht nur so dahergesagt. Die Schallplatte selbst strahlt einem beinahe das jetzt schon fast kultige Cover entgegen. Die Vinyl Gatefold 180 Gramm hat einen warmen und reinen Sound, noch viel besser als auf der CD selbst. Außerdem gibt es einen Beileger mit allen Texten von AFTERSHOCK und einen RSD Aufkleber. Eine wirklich schöne Sonderpressung, die sicher jede Motörhead-Sammlung um ein außergewöhnliches Stück erweitert.