„Gut Ding’ will Weile haben“ – so lautet seit Jahren das Credo der Krefelder Riffer Blind Guardian. Ihr neues Album AT THE EDGE OF TIME bekam daher ausreichend Zeit zum Reifen.

Die Idee ist genial – und irgendwie auch folgerichtig: Blind Guardians Beitrag zum PC- und Xbox-Spiel „Sacred 2 – Fallen Angel“, dem Nachfolger des weltweit erfolgreichsten deutschen Action-Rollenspiels aller Zeiten, hat zusammengeführt, was für viele Konsumenten schon immer zusammengehörte. Nämlich Metal und Fantasy, Bilder von Schattenkriegern und deren martialischen Gefechten mit der epischen Musik von Blind Guardian und ihren wortgewaltigen Texten über verwunschene Welten. „Eine fabelhafte Kombination“, findet auch Sänger Hansi Kürsch, „,Sacred‘ gefällt Computerfans ebenso wie den Anhängern von Blind Guardian. Für uns ist bei dieser Gelegenheit zusätzlich auch noch ein tolles Video und ein Quest herausgesprungen – was will man mehr?“

Eine ähnliche Frage stellt sich den Krefelder Bombast-Metallern allerdings auch ganz generell, unabhängig von ihrer spektakulären Zusammenarbeit mit einem der wichtigsten deutschen Spiele-Softwarehersteller, nämlich die: In welche Richtung wollen wir uns zukünftig entwickeln? Nach acht erfolgreichen Studioalben, diversen Tourneen rund um den Globus und geradezu kultischer Fan-Verehrung lässt sich im 26. Jahr des Bestehens darauf nur mit gezielter Planung eine Antwort finden. Zumal im traditionellen Metal die Variationsmöglichkeiten nur gering sind, will man sein angestammtes Pu-blikum nicht leichtfertig verschrecken. Seit 1988, seit der Veröffentlichung ihres Debütalbums BATTALIONS OF FEAR, hat die Band die Grenzen ihres Genres ausgelotet. Nie über das erträgliche Maß hinaus, aber immer mit dem Blick auf neue Herausforderungen und die Vermeidung von kreativem Stillstand. „Zu Beginn waren wir eine Melodic-Speed Metal-Band, die einige Thrash-Einflüsse zuließ, dann kam der Einfluss von Queen hinzu, anschließend folgten unüberhörbare Folk-Verweise, dann wurden wir episch und komplex, um mit unserem letzten Album A TWIST IN THE MYTH bewusst zurückzurudern und die Arrangements schlanker anzulegen“, analysiert Kürsch die bisherigen Veröffentlichungen. „Nach solch einer Laufbahn fragt man sich natürlich schon, was man als nächstes entdecken könnte.“

Eine besondere Herausforderung für Blind Guardian, die als Vollprofis die Augen vor einem sich dramatisch verändernden Musikmarkt nicht verschließen können. CD-Verkäufe sind generell rückläufig, die Fans im Zeitalter von Downloads und kostenlosen Internetmöglichkeiten anspruchsvoller denn je. Das Projekt AT THE EDGE OF TIME – so der Titel des neunten Studioalbums – forderte zu Beginn der Arbeiten im Frühjahr 2009 also vollste Aufmerksamkeit aller Beteiligten. „Die Käufer honorieren es, wenn man sich wirklich Mühe gibt – speziell im Metal-Sektor“, weiß Kürsch. „In unserem Bereich gibt es ja zum Glück noch eine Fanbindung, die im Pop-Sektor fast völlig verschwunden ist. Das neue Album wird in unterschiedlichen Editionen veröffentlicht, dazu kommen diverse Internet-Contents und viele Extra-Featu-res. Ein möglichst direkter Kontakt zu unseren Anhängern war Blind Guardian schon immer ein besonders großes Anliegen.“

Soweit zur Marketingstrategie – kann AT THE EDGE OF TIME aber auch musikalisch überzeugen? Die Frage ist schnell beantwortet: Ja, und zwar ohne Einschränkung! Blind Guardian sind clever genug, ihre typischen Merkmale immer nur sukzessive zu verändern. Am Hymnencharakter ihrer Songs, einem der herausragenden Markenzeichen von Blind Guardian, wird nicht gerüttelt. Frontmann Kürsch, der in früheren Jahren Sänger und Bassist in Personalunion war, hat sich des Ballastes eines Instruments entledigt und konzentriert sich auf Satzgesang, auf die eingängigen Sing-a-long-Refrains und auf bombastische Chor-Arrangements mit unverhohlenem Klassik-Flair.

Das funktionierte auf den drei letzten Studiowerken NIGHTFALL IN MIDDLE-EARTH (1998), A NIGHT AT THE OPERA (2002) und A TWIST IN THE MYTH (2006) prächtig, davon lebt auch das neue Opus. Hinzu kommen Querverweise auf die eigene Vergangenheit (ein Stück wie ›Tanelorn – Into The Void‹ hätte sicher auch in die Frühphase der Band gepasst) und die allzu gerne verwendeten mittelalterlichen Zusätze, hier vor allem im Track ›Curse My Name‹ zu entdecken. Kürsch: „Speziell zu diesen mittelalterlichen Einflüssen passt natürlich perfekt unsere Entscheidung, wieder stärker als auf A NIGHT AT THE OPERA oder A TWIST IN THE MYTH auch akustische Gitarren einzusetzen.“

Ein weiterer spannender Aspekt der neuen Scheibe ist die Zusammenarbeit mit dem Prager Sinfonieorchester – übrigens schon jetzt fest gebucht für das geplante Guardian-Orchesterprojekt in 2011 – mit einigen Facetten, die sogar die Blind Guardian-Musiker überrascht haben. „Natürlich wurde alles nach unseren Vorgaben notiert und umgesetzt, aber wir waren in diesem Fall auf Matthias Ulmer angewiesen, einem wirklich begnadeten Keyboarder und Pianisten, der die Scores fürs Orchester erstellt hat.“ Gleich zweimal waren Blind Guardian persönlich in Prag dabei, als sowohl der Computerspiel-Soundtrack „Sacred“ als auch die Albumnummer ›Wheel Of Time‹ veredelt wurden. „Natürlich wussten wir in etwa, was das Orchester spielen würde, aber jedes Detail, jede Streichpassage, jede Horn-Sektion kannten auch wir nicht. So etwas muss man ja vertrauensvoll dem Dirigenten überlassen.“

Seit dem 30. Juli steht AT THE EDGE OF TIME in den Plattenläden, ab Ende September befindet sich die Band auf großer Europatournee. Die Fans erwartet erneut eine in jeder Hinsicht stimmungsvolle Metal-Show, bei der Blind Guardian ein mit drei oder vier brandneuen Tracks angereichertes Best Of-Programm spielen wollen.

„Ganz klar: Ohne unsere Klassiker ›Valhalla‹, ›The Bard’s Song‹ oder ›Mirror Mirror‹ kommt kein Blind Guardian-Konzert aus. Gleichzeitig wollen wir aber natürlich auch die neue Scheibe vorstellen, die sich zum Glück kompositorisch ohne größeren Aufwand spielen lässt“, gibt Hansi Kürsch schon einmal einen Ausblick auf das, was die Fans erfreuen dürfte. Klar scheint schon jetzt: Die beiden besten Tracks des neuen Albums, also ›Sacred Worlds‹ und ›Wheel Of Time‹, werden auf jeden Fall dabei sein.

Spektakuläres Comeback nach anfänglicher Fehlzündung: Auch ohne Originalsänger Udo Dirkschneider machen ACCEPT auf ihrer neuen Scheibe BLOOD OF THE NATIONS eine mehr als passable Figur auf dem Riff-Parkett.

Eigentlich unterlaufen Gaby Hoffmann keine Fehler. Die gewiefte Accept-Managerin und Ehefrau von Gitarrist Wolf Hoffmann kennt nahezu alle Tricks und Schliche, ist darüber hinaus mit vielen wichtigen Entscheidungs­trägern der Szene befreundet und überlässt generell nichts dem Zufall. Im Fall des Comebacks von Deutschlands zweitwichtigster Metal-Band der Achtziger – nach den Scorpions, versteht sich – jedoch schienen manche ihrer sonst so pfiffigen Geistesblitze zu verpuffen. Die Idee etwa, eine erste Jam-Session der Band mit ihrem neuen Sänger Mark Tornillo ins Internet zu stellen und damit die Fans schon einmal auf den vermeintlich großen Coup heiß zu machen, verfehlte vollends ihre Wirkung. Schlimmer noch: Die Öffentlichkeit fühlte sich in ihrer Einschätzung bestätigt, Accept würden ohne Originalsänger Udo Dirkschneider nicht funktionieren. Viele wollten die forschen Pläne der Managerin am liebsten schon wieder begraben, noch bevor sie überhaupt konkrete Formen annehmen konnten. „Wir waren eben total begeistert und wollten den Leuten etwas Gutes tun, ohne daran zu denken, dass die Reaktionen vielleicht negativ ausfallen könnten“, gesteht Originalbassist Peter Baltes, ergänzt von Wolf Hoffmann: „Die Aufnahmen waren roh und völlig un-bearbeitet, einfach live draufgegrützt. Wir fanden das den Umständen entsprechend schon ziemlich gut, aber natürlich vergleicht man hier Äpfel mit Birnen.“

Vor allem an Hoffnungsträger Tornillo schieden sich zunächst die Geister. Dabei war gerade er der Hauptgrund für Accepts Begeisterung. Denn Originalsänger Dirkschneider hatte im Frühjahr 2009 nach jahrelangem Gezerre einer Rückkehr zu Accept die endgültige Absage erteilt. Vier Jahre zuvor war er noch gemeinsam mit der Band auf Tournee gezogen, doch Unstimmigkeiten über die Verteilung der Gelder sowie über die Regelung der Namensrechte führten zum endgültigen Bruch. Wolf Hoffmann vermeidet bewusst eine mediale Schlammschlacht: „Sagen wir mal so: Wir konnten uns nie einigen. Damit war für uns erst einmal der Ofen aus. Wir hatten keinen Sänger – und zunächst war auch kein Ersatzmann in Sicht.“

Der Zufall bescherte Accept dann aber doch noch einen Nachfolger für Dirk­schneider. Während eines Besuchs Hoffmanns bei Freund Baltes in Pennsylvania wurden im Studio eines Bekannten ein paar Accept-Klassiker gejammt – der guten alten Zeit wegen. Dabei kam zufällig das Gespräch auf den ehemaligen TT Quick-Sänger Tornillo, der ganz in der Nähe des Studios zu Hause ist. „Mark kam ins Studio, zog sein Hemd aus und fing an zu singen“, erinnert sich Baltes, „nach einer Minute schauten Wolf und ich uns an und dachten: ,Mit dem könnte es etwas werden‘. Wir hatten eigentlich gar nicht gezielt gesucht, sondern wollten nur jammen, doch plötzlich war da jemand, der unser Material singen konnte.“ Hoffmann fügt hinzu: „Wir sagten uns: ,Wir wären doch blöde, wenn wir diese Gelegenheit nicht beim Schopf packen würden.‘“

Gesagt, getan. Innerhalb weniger Monate komponierten Accept ein Dutzend neuer Stücke und riefen die alte Gang zusammen (sprich: Schlag-zeuger Stefan Schwarzmann und Gitarrist Herman Frank), um unter Hochdruck an einer neuen Scheibe zu arbeiten. Gleichzeitig bereitete Mana-gerin Gaby Hoffmann hinter den Kulissen die ver-traglichen Modalitäten vor, musste aber feststellen, dass ein fast schon vergessener Fehler, der weit in die Vergangenheit zurück­reicht, die Verhandlungsgrundlage extrem schwierig machte. 1989 nämlich hatten Accept schon einmal versucht, ohne Dirkschneider die Band am Laufen zu halten. Ein Desaster, denn der damalige Ersatzfrontmann David Reece entpuppte sich als Glamourboy mit in-akzeptablen Star­allüren: „Da kam ein Typ aus Kalifornien angeflogen und posaunte laut heraus: „I’m the greatest, so let’s do it!“, erinnert sich Baltes mit Grauen. Allerdings versuchten Accept seinerzeit, ihr bis dato teutonisch-stoisches Schwermetall mit Hilfe des neuen Sängers auf den amerikanischen Mainstream-Markt zuzuschneiden. Ein Unterfangen, das zum Scheitern verurteilt war und schlussendlich in einem wüsten Handgemenge zwischen den Musikern endete.

Die heutigen Nachwehen dieses Fehlgriffs: „Es gibt auch jetzt wieder Leute, die sagen: ,Das wird nie funktionieren, wie man damals mit David Reece schon gesehen hat‘“, weiß Hoffmann nur zu gut, „aber nur weil man einmal auf die Schnauze gefallen ist, heißt das ja nicht, dass das im zweiten Anlauf wieder genauso sein wird.“
Mit Mark Tornillo kann der Sängerwechsel klappen, wie die ersten Tests zeigen. Stimmlich zwischen Dirkschneider und den beiden AC/DC-Sängern Bon Scott und Brian Johnson angesiedelt, passt er zu Accept wie die berühmte Faust aufs Auge. Tornillo ist musikalisch wie optisch ein grundehrlicher Metal-Handwerker und damit die perfekte Galionsfigur einer Band, die ihren Stahl hart schmiedet, anstatt ihn mit Gold zu verzieren. Dadurch wurde das Thema auch für Plattenfirmen interessant – die A&R-Verantwortlichen meldeten sich bei Accept. Zwar lief diesbezüglich zunächst ebenfalls nicht alles wie am Schnürchen, weswegen Gaby Hoffmann ihrer Band im Mai 2010 eine kurze Club-Tour verordnete, bei der die Label-Leute überzeugt werden sollten. Und letztendlich schaffte es die Managerin, das neue Accept-Album BLOOD OF THE NATIONS bei einem der weltweit wichtigsten Metal-Label unterzubringen und ihren Schützlingen damit einen angemessenen Start ins erneute Rennen um die Gunst der Fans zu verschaffen.

Alles in allem also beileibe kein einfacher Neustart für die deutsche Metal-Legende, die zunächst sogar intern Überzeugungsarbeit leisten musste, um alle Mitglieder auf Kurs zu bringen. Am Beispiel ihres Schlagzeugers Stefan Schwarzmann wird diese Hinwendung zum Guten aber wohl am deutlichsten: „Um ganz ehrlich zu sein: Ich musste kurz nachdenken, als Gaby mich fragte, ob ich mitmachen möchte“, gesteht er, „ich bin einfach zu lange dabei, um mich in jedes Abenteuer zu stürzen. Doch es ist toll, wie die Zuschauer und die Presse auf Mark reagieren. Auch wenn er Udo ersetzt, hat er eine gewisse Eigenständigkeit. Aber für mich ist dies sowieso keine Accept-Reunion, für mich ist es ein neues Kapitel.“

Am 10. September veröffentlicht Robert Plant sein neues Soloalbum: Es trägt den Titel BAND OF JOY. Damit beschreitet der ehemalige Led Zeppelin-Frontmann nicht nur neue musikalische Wege, sondern erinnert auch an seinen verstorbenen Freund John Bonham, dessen Todestag sich am 25. September zum 30. Mal jährt. Im CLASSIC ROCK-Interview verrät Plant daher nicht nur Details zur aktuellen Platte, sondern gibt auch preis, warum er sich dazu entschlossen hat, mit BAND OF JOY den Namen seines Prä-Zeppelin-Projekts mit Bonham wiederaufleben zu lassen. Denn, so viel sei schon jetzt verraten, in Sachen Attitüde schließt sich hier der Kreis…

Robert, du bringst dieser Tage dein Soloalbum BAND OF JOY auf den Markt und gehst auch auf Tour – leider nur in Großbritannien. Dennoch sind wir neugierig: Was erwartet die Fans dort?
Für mich hat das Ganze viel von Lep Zeppelin während der III-Ära. Damals konnten wir zwischen Akustikstücken und richtig harten Songs hin- und herspringen und haben dennoch nie den Faden verloren. Das ist heute wieder so. Ich will keine Mittelalter-Aufführung machen, sondern eine Show, die von einem düsteren Flair lebt und zudem ein gewisses Maß an Härte beinhaltet. Sie soll mysteriös, gigantisch und tiefgründig zugleich sein – eine Aufführung, die bei den Menschen Gänsehaut hervorruft.

Auch drei Jahrzehnte nach dem Tod von John Bonham und der anschließenden Auflösung der Band sind Led Zeppelin einer der bedeutendsten Rock-Acts der Welt. Die 2007er-Reunion mit Jason Bonham an den Drums ist als eines der glanzvollsten Riff-Ereignisse in die Geschichte eingegangen, und die Gerüchte um eine etwaige Welttournee haben für euphorische Aufruhr in den Musikforen gesorgt. Doch die drei verbliebenen Musiker lassen, vor allem auf Betreiben von Sänger Robert Plant, das Ganze nun doch auf sich beruhen, um das Erbe von John Bonham nicht zu beschädigen. Eine weise Entscheidung, die davon zeugt, wie viel Respekt sie vor ihrem verstorbenen Freund haben und wie sehr sie sein Talent noch heute schätzen. Einen Tribut der besonderen Art gibt es aber dennoch: Robert Plant hat seinem aktuellen Soloalbum den Titel BAND OF JOY gegeben – und erinnert damit an das gemeinsame Prä-Zep-Projekt mit John Bonham, das denselben Namen trug. Welche Neuigkeiten es sonst noch aus dem Led Zeppelin-Camp gibt, was Bonham an seinen letzten Tagen getan hat und wieso Plant das Erbe des Drummers auf seiner neuen Platte wiederaufleben lässt, lest ihr auf den folgenden Seiten.

Vor 30 Jahren haben wir eine der größten Rockbands aller Zeiten an den Alkohol verloren. In den frühen Morgen­stunden des 25. September 1980 erstickt John Bonham nach einer durchzechten Wodka-Nacht an seinem Erbrochenen. Der tragische Tod des britischen Drummers bedeutet zugleich auch das Aus für Led Zeppelin.

Doch Bonhams Erbe wirkt bis heute nach. Noch immer ist John Bonham das große Idol zahlloser Schlagzeuger – selbst wenn diese viel zu jung sind, um die Led Zep-Ikone noch live in Aktion bewundert haben zu können. Und auch in der eigenen Familie wird der Verstorbene geehrt: Insbesondere Jason Bonham wird nicht müde, wenn es darum geht, das Werk sein Vaters ins Hier und Jetzt zu retten. Ähnlich wie Dweezil Zappa, der jüngst mit Papas Songs auf Tour gegangen ist, will auch Bonham Junior mit einer Tribute-Truppe um die Welt reisen. Und er betont immerfort, wie wichtig und ergreifend es für ihn war, mit den verbliebenen Band-Mitgliedern Jimmy Page, John Paul Jones und Robert Plant die Bühne und die Songs seines Vaters teilen zu dürfen.

Umso härter muss ihn die Absage von Robert Plant getroffen haben, der sich – gefeierte Reunion hin oder her – standhaft dagegen wehrt, mit Led Zeppelin auf ausgedehnte Welttournee zu gehen. „Das wäre doch nichts Neues mehr“, so Plant in einem Interview mit dem britischen Magazin „Mojo“. „Wir haben das ein Mal durchgezogen. Und ja: Es war der beste Led Zeppelin-Gig seit 1975. Aber natürlich standen da nicht Led Zeppelin auf der Bühne. Das sollte man nicht vergessen.“ Daher konzentriert sich Plant nun lieber auf seine Solokarriere und reaktiviert mit dem Album BAND OF JOY sein gleichnamiges Prä-Zep-Projekt. Mitte September erscheint das Album (siehe auch Rezension auf Seite 84), parallel dazu tourt er – gerade war Plant für ein Dutzend Gigs im Süden der USA unterwegs, im Oktober wird er einige Shows in Großbritannien geben.

Und während Robert Plant damit auf seine ureigene Weise seinem ­Freund und Weggefährten John Bonham gedenkt – schließlich war der damals als Drummer von Band Of Joy aktiv -, versucht Jason Bonham nach wie vor, die Led Zeppelin-Maschine am Laufen zu halten. Vor wenigen Wochen hat er in einem Interview verkündet, dass er, Jimmy Page und John Paul Jones „sehr nahe dran waren, ohne Plant weiterzumachen und auf Tour zu gehen“. Die gemeinsamen Proben hätten das Trio eng zusammengeschweißt, so der 44-Jährige weiter. „Sogar noch mehr, als das jetzt bei Black Country Communion der Fall ist.“ Eine Aussage, die Page und Jones ehrt, seinen Supergroup-Kollegen Glenn Hughes, Joe Bonamassa und Derek Sherinian aber gar nicht schmecken dürfte.

Fakt ist aber, dass – zumindest im Moment – wohl ohnehin niemand von der Originalbesetzung Zeit für eine Reunion hätte. Plant plant Live-Soloaktivitäten, Jones rockt mit Them Crooked Vultures, und Page muss die Schlappe vor Gericht verdauen, wo er jüngst einen Streit um die Rechte an ›Dazed And Confused‹ verloren hat.

Fakt ist jedoch auch, dass die Frage, ob die Band wieder zusammenkommen wird, noch immer die Gemüter bewegt – und das, obwohl in den vergangenen 30 Jahren nur wenig Neues passiert ist. Das macht deutlich, wie hoch die Leistung von Led Zeppelin einzuschätzen ist. Dies ist vor allem John Bonham zu verdanken. So werden seine Band- und Musikerkollegen bis heute nicht müde, die Qualitäten des verstorbenen Trommlers zu prei­sen. Jimmy Page ist der Ansicht, dass „es seit Johns Tod keinen einflussreicheren Drummer mehr gab.“ Bonhams Bruder Mick betont, dass John nur ein Ziel hatte, nämlich „die anderen Schlagzeuger schnellstmöglich von der Bühne zu fegen!“ Für jüngere Musiker, die den Led Zep-Kesselpeitscher nie selbst live sehen konnten, ist es vor allem der spezielle Sound, den Bonham prägte, der sie nachhaltig beeindruckt und beeinflusst hat. „Es ist sehr wichtig, dynamisch zu spielen“, betont beispielsweise Foo Fighter Dave Grohl. „John Bonham hat das perfektioniert. Er ist niemand gewesen, der ständig auf sein Kit eingeprügeln musste. Doch wenn er richtig loslegte, dann brach das Inferno los. Genau darum geht es: Man muss den richtigen Moment abpassen, in denen sich das Gasgeben lohnt. Wer das berücksichtigt, hat es viel leichter, denn dann gibt es genug Raum für Variation.“

Eine Einschätzung, die auch Grohls aktueller Them Crooked Vultures-Partner John Paul Jones teilt. Und mehr noch: Er betont auch, dass Bonham diese Fähigkeit nicht erst im Laufe der Zeppelin-Jahre entwickelt hat, sondern bereits besaß, als er ihn zum ersten Mal traf. Bei der Debütprobe zeigte Bonham laut Jones schon „das Talent, selbstbewusst aufzutreten, zugleich aber nie überheblich zu sein. Er wusste stets, was er tat – und er konnte sich auf den Punkt konzentrieren. Außerdem hörte er auf die Texte. Das ist etwas, das jeder gute Drummer tut.“

Was besonders Robert Plant gefreut haben dürfte, der in Bonham den perfekten Partner für seine musikalischen (und natürlich auch alle anderen) Schandtaten gefunden hatte. Das war bei Led Zeppelin der Fall, aber auch schon in der Zeit davor. Die beiden wussten intuitiv, dass sie eine gemeinsame Vision teilten – und wollten diese auch unbedingt in die Tat umsetzen. Geld und Ruhm spielten dabei eine untergeordnete Rolle, wie Plant heute betont: „John und ich waren die treibende Kraft hinter Band Of Joy, aber wir wurden von Musikern unterstützt, denen es ähnlich wichtig war wie uns, unabhängig zu sein und kompromisslos unser Ding durchzuziehen. Niemand von uns hatte Interesse daran, US-Bands wie den Tremeloes oder den Dreamers nachzueifern. Wir hatten nichts zu verlieren – oder zumindest dachte ich, dass das so wäre. Daher nahmen wir uns andere Vorbilder als die anderen Acts, die damals anfingen. Wir wollten so klingen wie die britischen Psychedelic-Bands, nicht wie die damals angesagten amerikanischen Gruppen.“

Eine Einstellung, die Bonham und Plant weit gebracht hat. Denn in Kombination mit der gefühlvollen Kraft von John Paul Jones und dem kompositorischen Genie von Jimmy Page ist es den Musikern gelungen, mit Led Zeppelin zu Weltruhm zu gelangen. Dabei wollten sie im Grunde nur eines: sich nicht einschränken lassen, sondern ihren eigenen Weg verfolgen.

Und das ist etwas, das sich alle verbliebenen Bandmitglieder bis heute erhalten haben. John Paul Jones geht mit Them Crooked Vultures jugendliche Wege, und Robert Plant versucht mit Band Of Joy, den Geist der Anfangstage wieder aufleben zu lassen. Dass dies gerade jetzt passiert, da sich der Todestag seines Freunds John zum 30. Mal jährt, ist sicherlich kein Zufall. Und so spricht Plant im Interview auf den folgenden Seiten auch nicht nur über sein aktuelles Werk und dessen Wurzeln, sondern auch über den Einfluss von John Bonham auf sein heutiges Schaffen.

Tony McPhee hat mit den Groundhogs Rockgeschichte geschrieben und gilt als einer der Urväter des Grunge. Jetzt ist er nach zahlreichen Schicksalsschlägen zurück.

Der 16. Juni 2009 ist ein warmer Sommertag, der Himmel leuchtet in strahlendem Blau. Tony McPhee kniet in seinem Garten und rupft das Unkraut aus dem Beet. Die Rock’n’Roll-Welt? Lichtjahre entfernt.

Doch McPhee hat sie maßgeblich geprägt. Mit den Groundhogs, die in den frühen Sechzigern John Lee Hooker als Backing Band unterstützt haben, bevor sie in den Siebzigern mit Alben wie THANK CHRIST FOR THE BOMB, SPLIT oder WHO WILL SAVE THE WORLD? THE MIGHTY GROUNDHOGS selbst zu Ruhm und Ehren gekommen sind. Zu ihren Fans zählen illustre Rocker, so zum Beispiel der Produzent Jack Endino, der u.a. Soundgarden und Nirvana zu Platinauszeichnungen verholfen hat: „Platten wie THANK CHRIST FOR THE BOMB oder SPLIT waren die Basis für die Entwicklung des Grunge“, so Endino. Und Julian Cope setzt noch einen obendrauf: „Die Art und Weise, in der die Groundhogs den Blues weiterentwickelt haben, war ähnlich revolutionär wie das Schaffen von MC5, den Stooges oder das der Krautrock-Bewegung.“

Doch das ist Tony McPhee egal. Ihn interessiert nicht, was Mark Lanegan über ihn denkt oder welche Huldigungen Mark Arm von Mudhoney über ihn verfasst – er beschäftigt sich lieber mit seiner Harke. Als er sein Tagwerk geschafft hat, geht er zurück zum Haus. Gerade als er durch die Tür geschlurft ist, durchfährt ihn plötzlich er ein brennender Schmerz, der so stark ist, dass er sofort an Ort und Stelle zusammenbricht. Er will seiner Lebensgefährtin Joanna Deacon zurufen, dass sie Hilfe holen soll. Doch er schafft es nicht, seine Gesichtsmuskeln sind wie gelähmt.

„Anfangs dachte ich noch, dass sich Tony einen bösen Scherz mit mir erlaubt“, erinnert sich Deacon. „Denn er wälzte sich auf dem Boden herum und gab dabei nur unkoordinierte Grunzlaute von sich.“ Doch rasch wird ihr klar, dass McPhee einen Schlaganfall erlitten hat und im Zuge dessen auch sein Sprachzentrum gestört ist.
So schockierend dies in diesem Moment auch ist – für Tony McPhee ist die Situation nicht neu. Bereits im Jahr 1993 erleidet er seinen ersten (und schlimmsten) Infarkt – lange Zeit kann er nicht mehr Gitarre spielen, was ihn mental stark belastet. 2001 kommt eine erneute Attacke, bei der vor allem eine Körperhälfte in Mitleidenschaft gezogen wird, Lähmungserscheinungen sind die Folge. Eine Reihe weiterer Krisen folgen, doch sie sind nicht mehr so heftig wie die beiden ersten.

Der Anfall im Sommer 2009 ist der bis dato letzte – und er kommt zu einer besonders ungünstigen Zeit. Denn die Groundhogs sind gerade im Studio. Unter der Ägide von Über-Fan Endino nehmen sie eine neue Platte auf, denn McPhee ist gesundheitlich so weit auf der Höhe, dass er die Songs mit seinem düsteren, markanten Vibrato veredeln kann.

Der Infarkt wirft das Projekt zurück – doch McPhee ist stark. Er schafft es, sich erneut zu berappeln. Nicht binnen Tagen oder Wochen, aber doch mit einer steten Tendenz nach oben. „Der Sprachverlust war zum Glück nicht permanent“, kann McPhee ein Jahr später stolz verkünden, und seine Partnerin Joanne ergänzt: „Der Genesungsprozess verläuft nicht geradlinig – es geht mal bergauf, dann aber auch wieder etwas bergab. Eine bizarre Sache, die viel Geduld erfordert.“

Geduld, die sich auszahlt. Denn McPhee kann wieder auf der Bühne setzen und seinen wilden, ungezügelten Blues spielen. Er liebt es sichtlich – selbst wenn das Ganze nicht ohne Einschränkungen möglich ist, wie Joanne berichtet: „Erstaunlicherweise kann er sich seither besser konzentrieren. Doch auf einem Auge ist er nun blind – und zwar ausgerechnet auf demjenigen, mit dem er immer das Griffbrett beobachtet hat. Daher muss er den Kopf nun mehr zur Seite drehen.“

Doch das funktioniert inzwischen so gut, dass McPhee auf Tour gehen kann. Joanna übernimmt dann den Großteil der Gesangsparts, so dass das Paar immer zusammen ist. Während der freien Tage übt sich Tony im Sprechen – und arbeitet weiter an den Songs.

„Das Album ist stilistisch ziemlich vielschichtig“, berichtet Joanna für ihren Lebensgefährten. „Einige Stücke erinnern an die alten, erfolgreichen Groundhogs-Platten und nehmen dieses Flair wieder auf. Aber es gibt auch Songs, die komplett anderes klingen. Ich werde etliche Vocals beisteuern. Und live würden wir im Duett singen.“
Durchweg Neuigkeiten also, die optimistisch stimmen. Die Kraft, die viele Rückschläge wegzustecken, bezieht Tony McPhee nach eigener Aussage aus zwei Quellen: „Freunde und Fans“. Und Joanna ergänzt: „Wir haben viele Freunde. Tony wird also quasi zur Kommunikation gezwungen, da er mit ihnen reden und sich austauschen möchte. Außerdem ist Musik für ihn ein wichtiger Therapie-Eckpfeiler. Bei uns im Ort gibt es so genannten ,open mic‘-Abende, bei denen Musiker zum Jammen zusammenkommen. Einen Tag, nachdem er aus dem Krankenhaus entlassen worden ist, wollte Tony schon wieder dorthin, um live zu spielen. Das Erlebnis, auf einer Bühne zu stehen und zu performen, ist für ihn das Wichtigste im Leben.“

Er ist der Prototyp des Stehaufmännchens: Seit seiner Kindheit muss sich der Albino aus Texas mit Vorurteilen und Anfeindungen herumschlagen. Nun hat Johnny Winter seine Erinnerungen in einem Buch zusammengefasst.

Es ist ein kalter Montagabend in Southampton. Johnny Winter lässt sich davon aber nicht beeindrucken. Er spielt trotzdem. Die heutige Show ist nur eine von vielen. Die Tour führt ihn vom Süden Englands bis ins sonnige Sao Paulo. Die Art und Weise, wie Winter sich auf der Bühne bewegt, ähnelt der verdienter Bluesrock-Veteranen. Mit dem Unterschied, dass Johnny quasi der Negativabzug zu den farbigen Musikern ist.

Doch sein Aussehen, das ihm in seiner Kindheit viel schmerzhaften Spott (und mehr) eingebracht hat, ist im Laufe der Zeit zu seinem Markenzeichen und auch seinem Kapital geworden. Er hat es weit gebracht: vom Kleinstadt-Kid zum Rockstar, der eine Liaison mit Janis hatte und mit Jimi jammen durfte. Reich geworden ist der dadurch zwar nicht, aber er hat sich den Respekt seines Publikums erspielt. Mit harter Arbeit, unzähligen Auftritten und viel, viel Leidenschaft für die Sache.

Dabei musste er stets kämpfen. Wegen seines genetischen Defekt, der ihn zum Albino und damit zum Außenseiter machte. Und natürlich auch mit den typischen Rockstar-Hürden: Alkohol- und Drogensucht, private Tragödien, geldgierige Manager – das volle Programm. Doch er hat überlebt.

Und sein Leben jetzt in einem Buch öffentlich gemacht. Mit Hilfe der Songwriterin und Radioproduzentin Mary Lou Sullivan hat Winter RAISIN’ CAIN geschrieben, eine Biografie der besonderen Art – sie ist kein Schnellschuss, sondern ein Produkt reiflicher Überlegung.

„Ich habe Johnny 1984 kennen gelernt“, erinnert sich Sullivan an ihre erste Begegnung mit dem Musiker. „Damals schrieb ich für die Wochenzeitung ,Hartford Avenue‘ über Musikthemen. Wir führten ein Interview, und ich war begeistert von seiner Ehrlichkeit und seiner Fähigkeit, Geschichten zu erzählen. Außerdem verfügt er über einen herrlichen Humor und wird regelrecht philosophisch, wenn er über sein Leben berichtet.“ Und auch die lustige Art von Winter ist der Journalistin im Gedächtnis geblieben. So hat sich der Musiker ein Kissen vor den Mund gehalten und reingeschrien, um zu demonstrieren, wie sein Teenie-Gesangstraining aussah. Sullivan war sofort fasziniert von Winter und seiner Karriere mit all ihren unerwarteten Irrungen und Wirrungen. „Seine Geschichte ist genau der Stoff, aus dem wirklich große Literatur entsteht. Daher fragte ich ihn sofort, ob ich ihm beim Schreiben einer Biografie helfen könne. Doch er und sein Manager haben sich erst im vergangenen für ein Ja entschieden. Also über zwei Jahrzehnte später.“

Es dauerte ein weiteres Jahr, bevor Sullivan sich gut genug vorbereitet fühlte für ein Interview mit dem Gitarristen. Sie hatte in unzähligen Ge-sprächen mit Winters Mutter, seinem Bruder, zahlreichen Freunden und Musikerkollegen Fragen zusammengetragen. Insgesamt 400 Stück. Jeden Samstagabend trafen sich die beiden zum Interview, und Winter bewies, dass er sich in all den Jahren keinen Deut geändert hatte – noch immer sprach er frei von der Leber weg und sparte kein Thema aus – selbst die heiklen nicht. Auf Basis dieser Mitschnitte konnte Mary Lou Sullivan ein Buch schreiben, das die Geschichte eines echten Rockers so detailliert nachzeichnet wie kaum ein anderes. RAISIN’ CAIN entführt den Leser in die verrauchten texanischen Bars, hängt einem einen Woodstock-Backstagepass um und gibt uns schließlich Zugang zum hippen New Yorker Club „The Scene“. Und Winter? Er schluckt und wirft ein, er wütet und wird bepöbelt. Wo ein Exzess ums Eck lugt, ist er ganz sicher dabei – dabei wandelt er stets auf dem schmalen Grat zwischen Rockgott und Total-Freak.

Über die Emotionalität der Biografie ist Winter selbst überrascht – obwohl er als Hauptdarsteller doch eigentlich am besten wissen müsste, wie stark Gefühle sein Leben beeinflusst haben. „Die herausragenden Erlebnisse noch einmal wiederaufleben zu lassen war großartig“, freut er sich. „Doch die schrecklichen Dinge ein zweites Mal zu erleben, war grausam für mich. Doch egal wie schmerzhaft diese Dinge mir selbst auch vorkommen mögen – ich bin froh, dass Mary Lou sie aufgeschrieben hat. Ich bin nun mal nicht der Typ Mensch, der sein Leben im Nachhinein schönfärbt. Wen man nicht ehrlich zu sich selbst ist, bekommen die Leser ein falsches, verzerrtes Bild von einem. Und das ist nicht der Sinn einer Biografie.“

Zudem hat RAISIN’ CAIN auf für Winter selbst einige positive Nebeneffekte mit sich gebracht. Er kann darin nämlich eine Begegnungen rekapitulieren, an die er sich so gar nicht mehr erinnert hätte, wie er selbst sagt: „Ich habe zum Beispiel komplett vergessen, dass mir Salvador Dali ein Mikro in den Arsch stecken wollte. Was für eine lächerliche Aktion!“

Johnny kam 1944 in Beaumont, Texas, zur Welt. Sein vollständiger Name lautet John Dawson Winter III. Sein Vater, ein Weißer, dient damals beim Militär und befehligt ein Battalion farbiger Männer. Bis zu seiner Rückkehr aus dem Krieg weiß er nicht, dass sein Sohn ein Albino ist. 1946 schließt er Johnny das erste Mal in seine Arme – der Junge ist damals zwei Jahre alt. Auch der jüngere Bruder Edgar, der 1946 zur Welt kommt, ist von der genetischen Mutation betroffen – die beiden sind die ersten im Familienstammbaum, bei denen Albinismus auftritt. Das Gen ist rezessiv, was bedeutet, dass es im Fall einer Elternschaft der Geschwister mit einer 25-prozentigen Wahrscheinlichkeit an die nächste Generation weitergegeben wird.

Während Johnnys und Edgars Eltern zu ihren Kindern stehen, besonders der Vater fördert die beiden durch intensiven Musikunterricht, haben sie in ihrer Jugend nur wenige Freunde. In der Schule werden sie gehänselt, und auch die Lehrer tun nichts, um die Brüder zu integrieren. Daher ziehen sie sich, so gut es geht, aus der Öffentlichkeit zurück und konzentrieren sich auf die Musik.

Johnny liebt Merle Travis, Chet Atkins und Blues-Ikonen wie Howlin’ Wolf, Muddy Waters, Elmore James, Little Water und Jimmy Reed. Er sammelt all seine Energie, um ihnen nachzueifern. Die unzähligen Stunden, in denen er das Griffbrett seiner Gitarre hinauf- und herunterjagt, zahlen sich schließlich aus: Er nimmt an Nachwuchswettbewerben teil – und siegt.

In Sullivans Biografie erinnert sich Winter an einen seiner ersten Auftritte vor Publikum. Bei einer Schulveranstaltung soll er ›Johnny B. Goode‹ aufführen. Als er die Bühne betritt, reagieren die Menschen mit Spott, denn speziell ganz im Süden der USA gibt es zum damaligen Zeitpunkt so gut wie keine Albinos – die Winters erregen überall Aufsehen. Johnny ist selbstverständlich tief verletzt durch die Reaktionen der Leute. Doch er denkt sich: „Was soll’s? Ich werde ihnen jetzt einfach beweisen, dass ich es trotzdem drauf habe.“ Und genau das tut er dann auch: Winter legt los und überzeugt sein Publikum durch sein Talent. „Am Ende haben alle bereut, dass sie mich ausgelacht haben.“
Da Winter nicht nur optisch auffällt, sondern aufgrund der fehlenden Pigmente auch sehr schlecht sehen kann, sind seine Möglichkeiten, in einer texanischen Kleinstadt Karriere zu machen, nur sehr begrenzt. Selbst nachdem er es 1959 geschafft hat, mit der Single ›School Day Blues‹ auf Platz acht der lokalen Charts zu landen, weigert sich Produzent Bill Hall, ein Album mit Winter aufzunehmen, weil er nicht daran glaubt, dass eine Band mit einem Albino als Frontmann Erfolg haben könnte.

Dabei ist gerade die Tatsache, dass Johnny Winter ein Albino ist, maßgeblich für sein Talent als Blueser. Denn durch seinen Außenseiterstatus kann er nachvollziehen, welch immense Rolle jene Musik für das Selbstbewusstsein der von den Weißen unterdrückten Farbigen spielt. Dennoch er-fährt er auch in dieser Szene zunächst keinen Zuspruch – im Gegenteil: Puristische Kritiker werfen ihm vor, dass er als Weißer kein Recht habe, Blues zu spielen. Winter, der aufgrund der emotionalen Verletzungen in seiner Kindheit extrem sensibel für Vorwürfe ist, nimmt sich die Angriffe sehr zu Herzen. Doch statt sich zurückzuziehen, wandelt er die negative Energie in positive um und übt noch intensiver, um sein Spiel zu perfektionieren.

Das zahlt sich aus. 1968 bezeichnet Mike Bloomfield Johnny im Magazin „Rolling Stone“ als „den besten weißen Blues-Gitarristen, den er je gehört habe“. Im Zuge dessen kann Winter einen hoch dotierten Plattenvertrag an Land ziehen. Doch er hat mit denselben Problemen zu kämpfen wie viele andere Musiker: Mit dem Erfolg kommen die Neider und die geldgierigen Haie. Ehemalige Manager und Produzenten machen ihre Ansprüche geltend, es werden alte Aufnahmen auf den Markt geworfen, um möglichst schnell möglichst viel Reibach mit dem „weißen Wundergitarristen“ zu machen. So erscheint fast zeitgleich mit seinem Debütalbum eine Platte namens THE PROGRESSIVE BLUES EXPERIMENT, auf der frühe Mitschnitte zusammengefasst sind – etliche Fans sind verwirrt und kaufen diese Scheibe und nicht wie eigentlich geplant das offizielle Erstwerk Winters.

Obwohl er auf der Höhe seines Erfolgs ist, kann Winter sein Glück nicht genießen. Denn niemand kümmert sich um das, was ihn als Person ausmacht und bewegt. Er wird entweder als „Gott“ verehrt oder als „Versager“ abgestempelt. Sein langjähriger Weggefährte, der verstorbene Drummer Uncle John Turner, erinnert sich in RAISIN’ CAIN, dass „Johnny immer irgendwie unbeteiligt war. Er betrachtete eine Situation stets von außen, nie von innen. Er wirkte isoliert. Daher stammten auch all seine wirklichen Freunde aus Texas. Sie kannten ihn von früher und wussten, wie er wirklich war. Sie schätzten ihn als Person und nicht allein sein Talent.“
Doch trotz diese Unnahbarkeit, die aus seiner Verletzlichkeit resultiert, ist Johnny Winter in seinen ruhmreichen Jahren alles anderes als ein Unschuldslamm. Er nutzt die Gelegenheiten, die sich ihm bieten. Wie seine legendären Bluesvorbilder nimmt er mit, was geht. Das geht nicht immer ohne Reibereien vonstatten. So jagt ihn einmal ein gehörnter Ehemann durchs halbe Land, stellt ihn schließlich und hält ihm eine Knarre an die Stirn – doch er drückt nicht ab, sondern bricht unter Tränen zusammen und tritt daraufhin geknickt den Rückzug an. Winter dreht daraufhin noch mehr auf: Zu den Weibergeschichten gesellen sich Drogenexzesse. LSD, Mescalin, Pilze, Heroin – der Speiseplan des Gitarristen ist abwechslungsreich…

Die Menschen, mit denen er sich umgibt, leben ebenfalls auf der Überholspur. Und nicht alle halten das hohe Tempo so durch wie Winter. Die Straße ist gepflastert mit Schildern, auf denen die Worte „Selbstmord“, „Überdosis“ oder „Zusammenbruch“ prangen. Zudem bereichern sich jede Menge Leute auf Winters Kosten: Johnnys früherer Manager Roy Ames beispielsweise dealt mit Kinderpornos und lebt zudem von der Veröffentlichung alter Bootlegs. Sein Nachfolger Terry Slatus verabreicht seinem Schützling über Jahre einen derart starken Medikamentencocktail, dass der Musiker gar nicht die Chance hat zu erkennen, um welche immensen Summen er von seinem gierigen Manager gerade betrogen wird.

Im Grunde ist es nur Johnny Winters Zähigkeit und seinem in frühester Kindheit erworbenen Durchhaltevermögen zu verdanken, dass er heute noch am Leben ist. Das sieht auch Biografin Sullivan so: „Die Unterstützung durch seine Familie, seine bedingungslose Liebe zur Musik, sein Wunsch, als Musiker auf der Bühne zu stehen, sein Glaube an seine eigenen Fähigkeiten und an eine höhere Macht, mit deren Hilfe er jedes noch so tiefe Tal durchschreiten könne – das sind die Faktoren, die dazu beigetragen haben, dass uns Johnny Winter erhalten geblieben ist. Am wichtigsten war jedoch seine Entscheidung, die großen Stadien und damit auch den ausufernden Lebensstil hinter sich zu lassen und sich stattdessen wieder auf das zu konzentrieren, was ihm von Anfang an am meisten am Herzen lag: die Musik. Sie ist und bleibt Johnnys Rettungsanker.“

Rob Halford, Sänger der britischen Heavy Metal-Legende Judas Priest, philosphiert mit CLASSIC ROCK über das Leben, den Tod und seine Homosexualität.

Für viele Fans ist Rob Halfords einzigartige Stimme – und insbesondere sein markantes, hohes Kreischen – der Prototyp des klassischen Heavy Metal-Organs. Der Frontmann von Judas Priest ist ein Pionier: Mit seiner Band hat er herausragende Alben wie BRITISH STEEL oder SCREAMING FOR VENGEANCE herausgebracht – ohne diese Scheiben würde harte Musik heute wohl anders klingen. Auch optisch hat Rob Halford eine Vorreiterrolle eingenommen: Sein Outfit, das im Grunde nur aus viiiiiel Leder und noch viel mehr Nieten besteht, gilt seit Jahrzehn-t­en als Kult. Zudem ist Halford nicht nur ein talentierter, sondern auch ein mutiger Mann. Er gehört zu den wenigen Heavy Metal-Musikern, die sich of-fen zu ihrer Homosexualität bekannt haben. Das ist in einer Szene, die in dieser Hinsicht noch immer als notorisch intolerant gilt, ein erhebliches Wagnis für die Karriere.

Doch Halford schert sich nicht um Konventionen. So hat er nach seinem (vorübergehenden) Ausstieg bei Priest im Jahr 1991 viel Zeit damit verbracht, neue musikalische Terrains zu erkun-den, unter anderem mit Fight, Two und seiner Solo-Band Halford. Doch nach diesen Experimenten ist er wieder in den Schoß von Priest zurückgekehrt – und bis heute überaus glücklich mit dieser Entscheidung.

Rob, in diesem Jahr hast du nach langen Jahren endlich einen Grammy mit Judas Priest gewonnen. Hat die Auszeichnung für dich eine besondere Bedeutung?
Ja, denn Anerkennung, sei es nun von den Fans, den Medienpartner oder den eigenen Kumpels, ist etwas, das man nicht für selbst-verständlich nehmen sollte. Und speziell für eine Band wie Judas Priest, die ja in einem Genre aktiv ist, in dem es nicht leicht ist, auch die Massen zu erreichen, bedeutet ein Grammy sehr viel. Schließlich ist der Award ja gleichbedeutend mit einer Oscar-Auszeichnung. Es gibt zwar immer wieder Leute, die nur deshalb zu solch einer Show gehen, um sich hemmungslos zuzuschütten, aber ich gehöre ganz sicher nicht zu dieser Spezies. Ich finde, man sollte der Jury mit Respekt begegnen.

Seit deinem Coming Out bei MTV sind inzwischen über zwölf Jahre vergangen. Was hat sich seitdem für dich verändert?
Ich bin wesentlich entspannter als früher. Früher habe ich mich ständig beobachtet gefühlt und wollte mich vor neugierigen Blicken verstecken. Das ist nicht mehr so, denn ich bin viel stärker geworden. Das hat auch damit zu tun, dass meine Homosexualität von den Fans nicht abgelehnt worden ist. Sie haben mir vielmehr Kraft gegeben. Und ich weiß auch, dass ich nicht der einzige Schwule in der Metal-Szene bin. Etliche Leute, die diesen Artikel lesen, sind ebenfalls homosexuell, da gibt es gar keinen Zweifel.

K.K. Downing hat einmal in einem Interview gesagt, dass er bereits seit 1971 wusste, dass du schwul bist. Wie schwierig war es für dich, das über so lange Zeit geheim zu halten?
Nun, in der Band wusste jeder Bescheid. Meine Familie und mein Freundeskreis ebenfalls. Doch damals war die Zeit noch nicht reif, das Ganze öffentlich zu machen. In den Siebzigern und Achtzigern gab es in der Bevölkerung kein Bewusstsein für solche Dinge. Zum Glück hat sich das inzwischen geändert.

Glaubst du an Gott – oder zumindest an eine höhere Macht?
Je älter man wird, desto mehr religiöse Theorien ergeben plötzlich Sinn. Ein gutes Beispiel dafür ist die Welle der Hilfsbe-reitschaft, die über die Menschen von Haiti hereingeschwappt ist, nachdem sie durch das Erdbeben alles verloren hatten. Oder auch das Mitgefühl, mit dem die Welt Amerika nach dem 11. September begegnet ist. Ich bin der Meinung, dass das nicht nur etwas mit Menschlichkeit zu tun hat, sondern auch eine tiefere Bedeutung dahintersteht. In welcher Form die Leute das ausdrücken, also ob sie nun einen Baum umarmen oder die Bibel lesen, ist dabei völlig egal. Wichtig ist nur, dass sie dem Anderen, dem Fremden offen gegen-über stehen.

Und wie sieht’s mit Reinkarnation aus?
Klar. Ich komme als Ratte im Laufrad zurück. Das wäre wirklich eine seeeeeeehr metallische Aktion…

Empfindest du die frühen Neunziger, als du mit Fight und Two relativ erfolglos mit anderen Stilrichtungen experimentiert hast, heute als eine schlimme Phase in deinem Leben?
Nein, eigentlich nicht. Jeder Musiker komponiert im Laufe der Zeit etwas, das die Leute lieben, aber eben auch Songs, die niemand mag. Das gehört dazu. Außerdem bin ich nicht der Meinung, dass Stücke, die kaum ein Fan hört, per se schlechter sind als welche, die zu Mainstream-Hits werden. Und für mich persönlich kann ich nur sagen: Es war wichtig, diese Erfahrung zu machen. Ich bin jedenfalls froh, dass es diese Zeit in meinem Leben gab.