Der Mann hat Hummeln im Hintern: Gerade war Bryan Adams mit einer gefeierten Ausstellung seiner Fotografien in den Hamburger Deichtorhallen in den Schlagzeilen, zudem hat er soeben einen großformatigen Fotokalender mit Porträts einschlägiger Berühmtheiten von Elle MacPherson bis Lenny Kravitz herausgebracht (für einen guten Zweck natürlich). Nun macht der Kanadier auch als Musiker wieder von sich reden: Sein neues Album BARE BONES präsentiert ihn live ganz ohne Band und Strom, nur im Duo mit dem Pianisten Gary Breit.

Bryan, 13 Jahre nach einem erfolgreichen Unplugged-Album bringst du mit Bare Bones nochmal eine Akustik-CD heraus – warum?
„Unplugged” sind zwar beide Alben – aber damit hören die Gemeinsamkeiten schon auf: Damals hatte ich eine zehnköpfige Band und 26 Streicher auf der Bühne, diesmal waren wir nur zu zweit. Auf allen meinen bisherigen Alben war jedes bisschen Raum mit irgendeinem Sound ausgefüllt – diesmal ging es mir darum, möglichst viel frei zu lassen!

Du bist eigentlich für einen kraftvollen, großen Bandsound bekannt. Wie hast du dich denn auf diese spezielle Tour vorbereitet?
Ich habe mich in dieses neue Format ab 2008 ganz langsam hineingearbeitet, um das richtige Gefühl für diese Art von Show zu entwickeln. Das ist eine ganz andere Gangart, die man da lernen muss, wenn man es vorher gewohnt war, immer eine volle Band im Rücken zu haben.

Du warst mit den Akustik-Konzerten schon seit 2008 unterwegs, aber alle Tracks auf BARE BONES stammen von Shows im Mai und Juni 2010 – musstest du erstmal deinen Mut zusammennehmen, bevor du „nackt”, ohne schützenden Bandsound, aufnehmen konntest?
Eigentlich hatte ich nie den Plan, aus diesen Mit-schnitten eine „große” kommerzielle Ver­öffentlichung zu machen. Das Ganze war eher als eine Art halb-offizielles Souvenir für die eingefleischten Fans gedacht und sollte ursprünglich ausschließlich am Ende der Konzerte verkauft werden. Erst als die Leute bei meiner Plattenfirma das Material hörten und so-fort begeistert waren, haben wir uns entschieden, daraus ein offizielles Livealbum zu machen.

Manche Songs nehmen einen ganz anderen Charakter an, wenn sie plötzlich in Unplugged-Arrangements gespielt werden. Welches waren die größten Überraschungen für dich?
Für die Fans sicher die neuen Versionen der großen Hits – ›(Everything I Do) I Do It For You‹ etwa konnte man ja noch nie in einem anderen Arrangement als in der Originalfassung für den „Robin-Hood”-Soundtrack hören. Für mich selbst war die große Über-raschung, wie gut und schnell die neuen Songs angenommen wurden: ›I Still Miss You…A Little Bit‹ beispielsweise kannte keiner der Konzertbesucher vorher – aber wenn wir in den Shows bei der letzten Strophe angekommen waren, konnten ihn die Leute bereits mitsingen.

Als Alice Cooper die beiden letzten Male durch Deutschland tourte, tat die Horror-Rock-Legende das in weiser Voraussicht stets im exklusiven Band-Paket: Erst paarte sich der mit reichlich Fantasie und Geschäftssinn begabte ame-rikanische Entertainer mit den britischen Hardrock-Veteranen Deep Purple, dann mit deren Ableger Whitesnake. Für die aktuelle Show „Theatre Of Death“ legte sich der mittlerweile 62 Jahre alte Horror-Rock-Pionier ebenfalls Verstärkung zu: Eisbrecher, Münchener Rocker um den Frontmann Alexander Wesselsky (auch bekannt als der „Checker“), sowie die nach der Trennung 2005 von der finnischen Formation Nightwish solo tätige Sopranistin Tarja Turnen.

Der Support-Zinnober scheint offensichtlich notwendig zu sein. Denn wie diverse Kollegen im etwa gleichen fortgeschrittenen Zielgruppenalter verzeichnet der Meister „grauenhafter“ Inszenierungen einen chronischen Rückgang bei den Zuschauerzahlen – da hilft es auch nicht, dass sich der noch immer topagile Veteran bei seinen aktuellen Fahrten in der gruseligen Geisterbahn statt wie gewohnt einmal gleich viermal möglichst spektakulär killen lässt. Ein ähnlich beängstigendes Tem-po legt Mr. Cooper auch in seiner gegenwärtigen Veröffentlichungspolitik vor: Sage und schreibe vier Projekte plant er in den kommenden Jahren, nachdem ja gerade erst die DVD THEATRE OF DEATH erschienen ist.

So gut wie abgeschlossen zu sein scheint das lange angekündigte Album THE NIGHT SHIFT, dessen Veröffentlichung jetzt für Frühjahr/Sommer 2011 ins Auge genommen wird. Was es mit diesem Konzeptwerk auf sich hat, verriet der Fürst der Finsternis auch schon in groben Zügen: Er begibt sich in die Rolle eines undurchsichtigen Radio-Moderators und -DJs, der nur im Dunkel der Nacht in Erscheinung tritt. In bislang zehn Songs liefert er den passenden Soundtrack der albtraumhaften Nacht-Radio-Show – jeder Song symbolisiert eine andere fiktionale Band. Ein Metier, in dem sich Alice Cooper bekanntlich bestens auskennt: Alben-Klassiker wie LOVE IT TO DEATH, KILLER, SCHOOL’S OUT oder BILLION DOLLAR BABIES klangen ja auch schon wie ein Mix aus Broadway Musical, Glam Rock, Top 5-Pop und James Bond-Soundtrack.

Ebenfalls schon in Arbeit befindet sich – nach immerhin 35 Jahren Pause – die Fortsetzung von Coopers erstem Solowerk WELCOME TO MY NIGHTMARE. An den Studioreglern sitzt abermals der kanadische Produzent Bob Ezrin, der 1970 aus der konfusen Underground-Formation mit Wohnsitz Los Angeles, die bei Frank Zappas Label Straight unter Vertrag stand, binnen weniger Jahre ein Multimillionen-Unternehmen zauberte. Schließlich behauptet Alice Cooper ja heute noch: „Bob Ezrin nahm für die Band in etwa die gleiche Rolle ein wie ein George Martin bei den Beatles.“ Möglicherweise wird es auch eine Fortsetzung von ALONG CAME A SPIDER geben, Coopers viel gepriesenem Album von 2008 über einen Halunken und Serienkiller.

Eine echte Überraschung für Cooper-Enthusiasten der frühen Stunde hält der privat auf Glaube und Golf fixierte Horror-Rock-Mime auch parat: Nach 36 Jahren kommt es definitiv zur Reunion der Ur-Formation. Seit einigen Monaten schon arbeitet Alice mit Gitarrist Michael Bruce, Bassist Dennis Dunaway und Schlagzeuger Neal Smith an einem gemeinsamen Projekt – wohl auch im Gedenken an Sologitarrist Glen Buxton, der Klassiker wie ›I’m Eighteen‹, ›School’s Out‹, ›Elected‹ und ›Generation Landslide‹ co-komponierte und 1997 im Alter von 49 Jahren an einer Lungenentzündung verstorben war. Mehrere Songs sollen schon fertig eingespielt sein. An WELCOME TO MY NIGHTMARE II soll sich das Ur-Trio ebenfalls beteiligen.

Für den amerikanischen Gitarristen David Feinstein, der sich gerne mit dem Begriff „Rock“ zwischen Vor- und Nachnamen schmückt, ist der Tod des unvergleichlichen Sängers Ronnie James Dio im Mai 2010 auch eine private Tragödie.

Dio und Feinstein sind Cousins und spielten einige Jahre sogar in der gleichen Band: The Electric Elves, die später in Elf umbenannt und unmittelbar nach Feinsteins Ausstieg im Jahr 1973 vom Deep Purple-Abtrünnigen Ritchie Blackmore quasi annektiert wurden. Während sich aus Elf fast übergangslos die Erstbesetzung von Ritchie Blackmore‘s Rainbow entwickelte (lediglich Gitarrist Steve Edwards bekam kein Engagement) und Dio dank legendärer Alben wie RAINBOW RISING (’76) und LONG LIVE ROCK‘N‘ ROLL (’78) zu Weltruhm gelangte, konnte Feinstein mit den von ihm formierten The Rods nur mittelmäßige Erfolge verbuchen.

Die Wege der beiden Verwandten sollten sich im Laufe der Jahre zwar dann und wann kreuzen, doch künstlerisch zueinander fanden sie nur noch ein einziges Mal: im Herbst 2008. „Wir hatten so oft über eine Zusammenarbeit gesprochen, sogar über eine Reunion von Elf“, erklärt Feinstein, „aber wir lebten fast 5.000 Kilometer voneinander entfernt, außerdem hatte Ronnie einen vollgepackten Terminkalender. Doch vor zwei Jahren war er für ein paar Wochen zu Hause, rief mich an und sagte: ‚Wenn du willst, kann ich auf einem oder zwei deiner Songs singen!‘“

Feinstein war natürlich total aus dem Häuschen und komponierte umgehend geeignetes Material. Am Tag vor den geplanten Aufnahmen hatte er den perfekten Track geschrieben: ›Metal Will Never Die‹. Ein maßgeschneiderter Song für Dio, der aus der Nummer eine Hymne machte. „Als ich das Lied schrieb, wusste ich sofort, dass der Song perfekt für ihn sein würde. Ronnie lieferte eine Weltklasse-Performance ab und gab dem Stück genau das, was es brauchte.“

Zu hören ist ›Metal Will Never Die‹ auf BITTEN BY THE BEAST, Feinsteins neuem Soloalbum. Der erfindet auf dem Album das Rock-Rad zwar nicht neu, unterhält den Hörer aber mit einigen kurzweiligen Tracks. Stilistisch sind die neun Stücke in den Achtzigern verwurzelt, und wer weiß: Vielleicht verhilft die posthume Dio-Veröffentlichung der Scheibe ja zu größerer Bedeutung.

Übrigens wurde bei erwähnter Studiosession noch ein weiterer Track von Dio eingesungen. Doch den hält Feinstein vorsorglich zurück, genau wissend, dass man einen solchen Trumpf nicht mit einem einzigen Schuss verpulvern darf. Also wird man auf das kommende Werk der reformierten The Rods warten müssen, bis auch das zweite Geheimnis gelüftet wird. „Rods-Produktionen sind immer sehr zeitraubend, weshalb mein Soloalbum ja auch vorgezogen wurde. Aber alle Fans können sich schon jetzt freuen: Dank des zweiten Tracks mit Ronnie ist unsere Motivation natürlich größer denn je.“

Mit ihrem neuen Album THE WIND THAT SHAKES THE BARLEY geht die Hohepriesterin des Celtic Folk zurück an die Wurzeln einer lebenslangen Faszination.

Sie ist in hohem Maße für eine der bedeutendsten popmusikalischen Entwicklungen der letzten zwei Jahrzehnte mitverantwortlich – nur dass so-wohl diese Entwicklungen als auch McKennitts entscheidende Anstöße dazu nie hinreichend in den großen Publikumsmedien thematisiert wurden: In den Folk-, den New-Age- und auch in den Pop-Abteilungen von Plattenläden und Online-Stores finden sich heute unzählige Releases, die auf die eine oder andere Weise das reiche Erbe der keltischen Folklore musikalisch nutzen – und die Kanadierin McKennitt hat diesen Boom mit den Platten, die sie seit 1985 auf ihrem eigenen Label „Quinlan Road“ veröffentlicht, und mit gefeierten Tourneen maßgeblich mit ausgelöst.

Von ungefähr kommt das alles nicht – wer sich mit McKennitts Alben beschäftigt und mit ihr spricht, dem fällt schnell auf, dass die Sängerin, Harfenistin und Komponistin ein tiefes und umfangreiches Wissen über die keltische Kultur in ihre Arbeit investiert. Wie viel von einer Gelehrten steckt eigentlich in ihr? „Ich verfüge, von ein paar Semestern Tiermedizin mal abgesehen, über keinen klassischen akademischen Hintergrund, etwa im Sinne eines Musik- oder Geschichtsstudiums. Als Teenager habe ich schlicht eine große Faszination für die keltische Musik und damit bald auch die keltische Geschichte und Kultur entwickelt – und meine persönliche Neugier trieb mich dann immer weiter. Aber das geht alles auf eher informellen Wegen vor sich.“
Seit ihre Karriere ins Rollen kam, kann McKennitt auf privilegierte Weise ihrer Faszination frönen. „So in etwa seit 1994 habe ich durch meine Musik die Möglichkeit, zu all diesen Orten zu reisen, die mit der keltischen Geschichte irgendwie verbunden sind, und da nun vieles aus erster Hand zu erfahren, vieles unmittelbar zu erleben, was mich interessiert – und das sind oft ganz andere Dinge als die, nach denen Historiker oder Archäologen suchen würden: etwa wie das Licht an einem bestimmten Ort ist, wie die Winde dort gehen, die Luft dort riecht, was für eine Esskultur die Menschen dort haben. Für mich als Künstlerin sind diese sinnlichen Aspekte ganz wichtige Informationen, die mir helfen, mich in ein altes Lied hineinzufühlen, ein persönliches Verhältnis dazu zu entwickeln, eine spannende Emotion in meiner Performance aufzubauen.“ Ganz ohne akademische Unterstützung muss die Neugierige aber doch nicht auskommen: „Ich stehe in regem Austausch mit einem Archäologen der Universität von Arizona, der mir immer wieder wertvolle Hinweise gibt.“

Was aber hat seinerzeit diese Faszination in der jungen Loreena ausgelöst, die immerhin so stark war, dass sie ein Leben lang angehalten hat? „Na ja, ich bin rotblond, mein Vater ist ein Viehhändler mit schottischen Vorfahren, die Familie meiner Mutter kommt aus Irland – irgendwann während der Schulzeit wird man eben neugierig, beginnt sich Fragen nach den eigenen Wurzeln zu stellen. Und als ich schließlich mit den ersten alten irischen Liedern in Berührung kam, gab es kein Halten mehr…“

Seitdem befindet sich Loreena McKennitt auf einem künstlerischen Trip, der auch geografisch an Orte führt, die weniger Informierte zunächst nicht mit dem keltischen Erbe in Verbindung bringen würden: Reisen durch die Mongolei und die Türkei resultierten in dem fernöstlich geprägten Werk AN ANCIENT MUSE (2006). Für die Alben NIGHTS FROM THE ALHAMBRA (2007) und A MEDITERRANEAN ODYSSEY (2009) machte sie sich mit den keltischen Spuren im Mittelmeerraum vertraut.

Mit ihrem neuen Album THE WIND THAT SHAKES THE BARLEY geht Loreena jetzt stilistisch zurück an die irischen Wurzeln ihrer lebenslangen Passion: Man hört darauf bekannte Klassiker des Irish Folk wie ›Down By The Sally Gardens‹, ›The Star Of The Country Down‹ und ›The Parting Glass‹, aber auch weniger bekannte traditionelle Lieder wie ›The Death Of Queen Jane‹ und ›As I Roved Out‹. Zwei Instrumentalstücke sind ebenfalls auf dem Album enthalten, eines davon ist ein Loreena-McKennitt-Original namens ›The Emigration Tunes‹. Dieses Stück bezieht sich auf die irisch-kanadische Geschichte während der Hungersnot 1840. Die Weltmusik-Tendenzen der Vorgängeralben schränkte die Künstlerin diesmal zu Gunsten eines wieder stärker auf den Folk konzentrierten Sounds ein. „Seit einigen Jahren haben mich immer wieder Leute danach gefragt, wann ich denn mal wieder etwas im Stil meiner ersten, musikalisch traditionelleren Alben aufnehmen würde. Ich hab das einige Zeit vor mir her geschoben, aber im vergangenen Jahr hatte ich dann plötzlich das Gefühl, dass die Umstände passten und die Zeit dafür gekommen war. Und dann ging alles sehr schnell, innerhalb von wenigen Tagen, nachdem ich mich endlich zu dem Projekt durchgerungen hatte, begannen wir auch schon mit den Sessions.“

Für die Aufnahmen suchte sich die Hohepriesterin des Keltenfolk einen ganz besonderen Ort aus: den Sharon Temple, ein handwerkliches Holzgebäude nördlich von Toronto, aus dem Jahr 1832. Mit vollem Namen heißt das Gebäude „The Temple Of The Children Of Peace“, und es ist das Herzstück eines historischen Kulturerbes von insgesamt neun alten Gebäuden, die in einem Park liegen. „Ich kannte den Tempel schon von einigen Sommerkonzerten her, seine Größe, Form und das Licht dort sind einfach wundervoll…“ Allerdings dürfe man nun nicht annehmen, dass sie den Tempel etwa ausgesucht habe, um sich für die traditionellen Songs „in Stimmung“ zu bringen – das nämlich geht die Wissbegierige dann doch wieder gelehrsamer an: „Um einen Song wie etwa das Titelstück ›The Wind That Shakes The Barley‹ richtig zu interpretieren, muss man seinen Zeithintergrund verstehen. Das Lied stammt aus dem 19. Jahrhundert, erzählt aber vom Aufstand der United Irishmen gegen die britische Krone im Jahr 1798, also einer politisch ziemlich unruhigen Epoche. Darüber habe ich mich vor den Aufnahmen schlau gemacht.“

Bei allem Interesse für geschichtliche Hintergründe – gänzlich traditionell wollte McKennitt die Songs dann doch nicht interpretieren: „Ich wollte ihnen gerecht werden, den Absichten der Komponisten treu bleiben – aber deswegen sollte trotzdem nicht alles total konventionell klingen, auch wenn wir traditionelle Instrumente verwenden. Ich habe schon den Ehrgeiz, immer etwas Eigenes in meine Darbietungen einzubringen.“

Nach knapp 40 Jahren im Geschäft kann die britische Rock-Institution auf einige bewährte Schemata im Arbeitsprozess zurückgreifen. Dennoch lassen Magnum auf dem neuen Album THE VISITATION auch ihr Herz sprechen.

Das Wort „Pause“ kennt Tony Clarkin vermutlich nur vom Hörensagen. Leben ist für den umtriebigen Gitarristen der britischen Rockgruppe Magnum gleichbedeutend mit Arbeit. Und davon hat der Mann weit mehr als genug: Er schreibt nicht nur sämtliche Stücke der Band im Alleingang, er betreut die Scheiben auch als Toningenieur und kümmert sich um sämtliche Studio-Belange, die im Laufe einer Produktion anfallen. „Angefangen habe ich mit den neuen Songs bereits unmittelbar nach unserer letzten Veröffentlichung vor zwei Jahren“, erklärt er die An-fänge von THE VISITATION, dem aktuellen Werk seiner Band. „Im Grunde genommen komponiere ich ununterbrochen. Kaum ist ein Album fertig, starte ich auch schon mit dem Sammeln neuer Ideen. So arbeite ich bereits seit den frühen Siebzigern. Für mich ist das die beste Methode, das Optimum aus mir herauszuholen.“

Clarkins tadelloser Arbeitsethos in Verbindung mit der signifikanten Stimme von Sänger Bob Catley machten aus Magnum in den Achtzigern eine der beliebtesten und erfolgreichsten Artrock-Bands Englands. Einige Jahre lang durfte die Gruppe sogar die Höhenluft von Superstars schnuppern. Vor allem mit dem Opus A STORYTELLER’S NIGHT schuf die Gruppe 1985 einen Klassiker und landete mit dem nur ein Jahr später folgenden VIGILANTE einen weiteren Topseller. „VIGILANTE war wirklich ein fabelhaftes Album, sicherlich der Höhepunkt unserer Karriere“, findet Clarkin noch heute.

Dem Höhenflug folgte eine Phase, die Magnum wieder ins Reich der Normalsterblichen zurückholte. Die Verkaufszahlen ihrer nachfolgenden Veröffentlichungen relativierten sich auf ein branchenübliches Maß, der Boom der goldenen Jahre war vorüber. Nach einem auch als solches proklamierten Abschiedsalbum und einer aufwändigen Farewell-Tournee, bei der die Livescheibe THE LAST DANCE aufgezeichnet wurde, war Mitte 1997 vorüber-gehend Schluss.

Schluss? Nun ja, so ganz konnten und wollten Clarkin und Catley nicht auf ihre künstlerischen Visionen verzichten. Im Sommer 1997 erschien unter dem Projektnamen Hard Rain ein Debütalbum, das die stilistischen Direktiven Magnums fortführte, allerdings bei weitem nicht so griffig wie das Original klang und bei den Fans eher zwiespältige Reaktionen hervorrief. Speziell der Projektcharakter des Ganzen und der fehlende Biss der Produktion schmälerten den Hörgenuss – ein Manko, das auch dem anschließenden Zweitwerk WHEN THE GOOD TIMES COME (1999) anhaftete.

Im Herbst 2001 verdichteten sich deshalb Gerüchte, dass mit dem Ge-spann Clarkin/Catley und ihrem Original-Keyboarder Mark Stanway der Nukleus von Magnum an einer Comeback-Scheibe arbeiten wolle. Das Ergebnis, BREATH OF LIFE (2002), veranlasste Clarkin damals zu einer stili-stischen Bestandsaufnahme von Vergangenheit und Gegenwart. „Hard Rain war sicherlich poppiger, nicht ganz so tiefschürfend wie Magnum“, äußerte er sich selbstkritisch. „Die Songs auf BREATH OF LIFE dagegen sind heavier und intensiver, zudem fühle ich mich deutlich mehr in sie eingebunden.“

Mittlerweile sind weitere acht Jahre ins Land gegangen, die Erde hat sich unaufhörlich gedreht, und der Zeitgeist fordert heute andere Themen, andere Sounds, andere Botschaften. Magnum tragen dem auf THE VISITATION gebührend Rechnung: „Wenn man sich die gesamte Karriere meiner Band anschaut, dann gab es in den meisten Fällen Texte, die sich mit zeitgemäßen Themen und aktuellen Problemen beschäftigten“, konstatiert Clarkin, „nur dass die Dramatik der Vorfälle zugenommen hat und damit auch die Erfordernis, diese schonungslos anzusprechen.“
Der Gitarrist spricht von einem Song wie ›Mother’s Nature Final Dance‹, das sich um Umweltsünden, um die verhängnisvolle Mischung aus Verantwortungslosigkeit, Geldgier und gewissenloser Risikobereitschaft dreht. „Schau doch nur, was da vor kurzem in Ungarn passiert ist, dieser stinkend-rote Giftschlamm, der eine gesamte Ortschaft verseucht hat“, schimpft er, „oder aber die Ölpest im Golf von Mexiko. Man darf über die langfristigen Folgen besser nicht nachdenken, denn sonst wird man vollkommen irre.“

Eine Botschaft, eine Moral oder gar eine politisch-motivierte Kritik haben die Texte allerdings nicht, erklärt Clarkin. „so etwas maßen wir uns nicht an, wir beschreiben nur Zustände und überlassen die daraus resultierenden Konsequenzen der Meinung unserer Zuhörer.“

Dabei: Vielleicht wäre es ja durchaus wünschenswert, wenn Magnum noch klarer Position beziehen und musikalisch wie textlich mehr Reibungspunkte liefern würde. Doch streiten mag die Band ebenso wenig wie polarisieren. Ihre Musik hat etwas Friedfertiges, Versöhnliches, sie zeichnet sich durch Wohlklang aus und dadurch, dass sie den Zuhörer einlädt. Deshalb also der neue Albumtitel THE VISITATION, der übersetzt sowohl Besuch als auch Erscheinung bedeuten kann. „Ich finde es absolut positiv, wenn einem im Schlaf Menschen heimsuchen, die von uns gegangen sind, denn es bedeutet, dass sie trotz ihres Todes noch immer in Kontakt zu unserer Seele stehen“, übt sich Clarkin als Traumdeuter. „Manche sprechen dann von Geistern und fürchten sich vor ihnen. Ich aber finde, dass Erscheinungen im Traum die betreffenden Menschen in unserer Erinnerung lebendig halten, und das wünschen wir uns doch alle nach unserem Tod, oder etwa nicht?“

Genau dieses Anliegen verfolgt der Magnum-Boss auch mit seiner Musik: Sie soll kurzlebige Trends und Moden überdauern, soll auch dann noch frisch und vital klingen, wenn die niveaulosen Lieder hipper „Wellenreiter“ bereits lange verblüht sind. „Wir machen keine Musik für eine bestimmte Phase der Rockgeschichte, wir kreieren voller Stolz Magnum-Songs, die keinem konkreten Kalkül entsprungen sind, sondern einfach unsere Fans glücklich machen sollen.“

THE VISITATION wird dieses Kriterium erfüllen, da können sich Clarkin und seine Bandmitglieder sicher sein. Vielleicht sind ihre Kompositionen nicht mehr ganz so verträumt wie vor 25 Jahren, und vielleicht orientieren sich Magnum doch ein klein wenig stärker an heutigen Hörgewohnheiten, als es die Macher selbst wahrhaben wollen. Fakt bleibt jedoch: THE VISITATION ist so typisch Magnum, wie es ein Album nur sein kann. Und man entdeckt darauf jene kompositorischen Widerhaken, die Clarkin seinen Songs bewusst implantiert hat. „Glücklich bin ich dann, wenn Fans auch nach mehrmaligem Hören immer noch fasziniert sind. Denn in dem Fall weiß ich, dass unsere Musik unter die Haut geht.“

Die amerikanische Singer/Songwriter-Legende hört die Lebensuhr ticken: Kurz vor seinem 70. Geburtstag ist Neil Diamond so ehrgeizig wie nie. Aber auch extrem schrullig, wie CLASSIC ROCK im Interview herausfindet.

Wer 128 Millionen Alben verkauft hat und seit fünf Dekaden im Geschäft ist, kann sich einiges erlauben. Etwa CLASSIC ROCK nach LA fliegen zu lassen, obwohl er am nächsten Morgen nach London aufbricht. Oder den Ort für dieses Gespräch mehrfach zu verlegen – von Santa Monica via Malibu nach Hollywood. Dort besitzt er seit 35 Jahren die „Archangel Studios“ mit Sitz in einem zweistöckigen Gebäude an der Third Street, das einem Museum gleicht und Memorabilia aus allen Schaffensphasen vereint: Cordhosen und wallendes Haar bis Glitzeranzug und lichter Scheitel.

Dort taucht er an einem frühen Dienstagmorgen im Jogginganzug und mit Baseballkappe auf, knabbert Sonnenblumenkerne zu Mineralwasser von den Fidschi-Inseln und gibt sich ungewohnt wortkarg. Fast so, als hätte er Schwierigkeiten, das zu beschreiben, was er da gerade als DREAMS vorlegt. Das 28. Album seiner Karriere besteht nämlich aus 14 Coverversionen von so unterschiedlichen Künstlern wie Bill Withers, Leon Russell, Gilbert O’Sullivan, The Beatles, den Eagles, Leonard Cohen, Harry Nilsson oder Randy Newman. „Meine Lieblingsstücke aus den Sechzigern und Siebzigern – der Zeit, in der ich groß geworden bin. Und ich wollte ihnen etwas Neues abgewinnen, indem ich sie anders arrangiere habe und auf meine Weise sin-ge“, so der hölzerne Rechtfertigungsversuch für Neuinterpretationen von ›Hallelujah‹ (Cohen), ›Blackbird‹ oder ›Yesterday‹, die eigentlich gar keiner Überarbeitung bedürfen, weil sie „Klassiker“ der Musikgeschichte sind. Aber die Diamond so spartanisch und sphärisch rü-berbringt, dass sie neidlose Anerkennung verdienen. Einfach, weil er es schafft, ihnen seinen ureigenen Stempel aufzudrücken. Was gerade im Falle der Beatles (›Blackbird‹ in einer Cajun-Version) eine echte Meisterleistung ist – und auf tiefem Respekt basiert. „Ohne die Beatles hätte ich es nie so weit gebracht. Sie waren es, die dafür sorgten, dass ein Songwriter auch seine eigenen Stücke singen kann – und nicht nur Zulieferer für andere ist. Was aus heutiger Sicht banal klingt, aber damals hat es das gesamte Musikgeschäft auf den Kopf gestellt. Es war eine Revolution – und ich war ein Teil davon.“

Weshalb er 50 Jahre später, frisch nominiert für die Rock’n’Roll Hall Of Fame, schon mal nostalgisch sein darf. Nur, dass es bei ihm nichts Schwelgerisches hat, sondern auf akuter Torschlusspanik basiert: „Ich höre die Uhr ticken. Deshalb versuche ich jetzt, möglichst viele neue Sachen auszuprobieren. Und solche, die ich mir schon immer vorgenommen habe.“ Wozu ein Strandhaus in Malibu, aber auch DREAMS und weitere Kollaborationen mit Star-Produzent Rick Rubin (12 SONGS, HOME BEFORE DARK) zählen. „Wir haben uns schon getroffen, um darüber zu reden. Aber: Vorher gönne ich ihm und mir erst mal eine Pause. Denn dieser Seelenstriptease, das tief-in-der-eigenen-Psyche-Kramen, ist unglaublich anstrengend und macht keinen Spaß. Deshalb bin ich auf DREAMS auch nur der Sänger – was ich sehr genieße.“

Zumal das auch viel gesünder ist als die anderen Dinge, die er bis vor kurzem zum Selbstamüsement unternommen hat: Harley fahren, Zigarre rauchen, Florett fechten und Whiskey trinken. Mit fast 70 und bei so viel spätem Ehrgeiz natürlich absolutes „No-Go“. Aber: „Die Leute meinen immer, ich wäre ein Softie – dabei habe ich mehr Rock’n’Roll in mir als manch anderer“, so der Mann, der ›Red Red Wine‹ und ›Girl You’ll Be A Woman Soon‹ geschrieben hat. Und der zum Ende des Interviews noch ganz mutig von Wasser zu schwarzem Kaffee wechselt beziehungsweise sich als Palin-Supporter und US-Patriot outet. Kleine Schwächen eines großen Musikers.