Dröhn Baby Dröhn: Zweiakkordmagie in desolater Zeitlupenmonotonie.

Rugby, Warwickshire: Englische Provinz, die in Margaret Thatchers Privatisierungs- und Reform-erklauen zu Anfang der 80er Jahre Heranwachsenden nichts zu bieten hat außer einem geschlossenen Jugendzentrum und der Öde permanenten Nichtstuns. Mit der musikalischen Entsprechung, in zerdehnter Zeitlupe zelebrierter Langeweile, versucht sich das multiinstrumentale Duo Peter Kember und Jason Pierce vom Rest damaliger Britenbands abzuheben, die allesamt in New Romantic und Elektro Pop schwelgen. Aufgewachsen mit einer täglichen Diät aus MC5, 13th Floor Elevators, The Stooges, The Velvet Underground und Suicide, erfolgt der Urknall von Spacemen 3 im Jahr 1986 mit dem trefflich betitelten Debüt SOUND OF CONFUSION. Desolate Leere, schiere Verzweiflung und pure Teenage Angst treffen auf die Monotonie übersteuerter Instrumente und teilnahmsloser Vokalbeiträge. Im Eifer des Gefechts mischen sich selbstgezüchtete Abgrundhymnen wie ›Losing Touch With My Mind‹ und ›O.D. Catastrophe‹ mit den eigenwillig inszenierten Interpretationen ›Little Doll‹ von den Stooges, ›Mary Anne‹ von Juicy Lucy und ›Rollercoaster‹ von Roky Ericksons 13 Floor Elevators. Noch konsequenter gebärdet sich ein Jahr später der Nachfolger THE PERFECT PRESRIPTON mit lediglich einer Coverversion: ›Transparent Radiation (Flashback)‹ von Red Krayolas gerne mal übersehenem 67er-Meilenstein PARABLE OF ARABLE LAND. Kember, Pierce und Co. inszenieren einen akustischen Drogentrip vom dynamischen Auftakt ›Take Me To The Other Side‹ bis hin zum Hilferuf ›Call The Doctor‹. Schwermetallisches Dröhnen wechselt mit akustisch Besinnlichem und der Erkenntnis: ›Things’ll Never Be The Same‹. Zwischendurch tönt es in ›Soul 1‹ nach den Rolling Stones um STICKY FINGERS herum. Am Ende lautet die Botschaft dann aber doch ›That’s Just Fine‹.

Pearl Jams Wurzeln: Was hätte sein können, wenn…!

Manchmal enden Dinge tragisch, bevor sie richtig begonnen haben. Was wohl mit der 1988 aus der Taufe gehobenen Formation aus Seattle passiert wäre, wenn Frontmann Andrew Wood sich nicht zwei Jahre später eine tödliche Dosis Heroin verabreicht hätte? Schlicht müßig eine Antwort zu finden. Gitarrist Stone Gossard und Bassist Jeff Ament jedenfalls ziehen 1990 gemeinsam mit Sänger Eddie Vedder und zwei weiteren Mitstreitern in der Nachfolgeformation Pearl Jam das große Los. Hinterlassen haben Mother Love Bone die EP SHINE und die LP APPLE – beide vereinen sich auf dem Doppelalbum MOTHER LOVE BONE. Als erste Band aus der Seattle-Szene, die wenig später dank Nirvana und Soundgarden zum Rock-Mekka der Stunde ausgerufen wird, landet das Quintett einen Major-Vertrag. Mit deutlich von Led Zeppelin inspiriertem Stil, Talent für kompakte Kompositionen und Woods signifikanter Stimme gelingt ein explosiver Cocktail aus dynamischen Rockern und besinnlichen Balladen, der auch mit dem Abstand von mehr als zwei Dekaden jene Qualität aufweist, die sich jede Band beim Debütalbum wünscht: Zeitlosigkeit. Mag auch das Eröffnungsstück ›This Is Shangrila‹ wie ein Outtake von Guns’ N Roses’ APPETITE FOR DESTRUCTION tönen, der Rest leistet Überzeugungsarbeit. Verschleppt raffiniert funktionieren ›Stardog Champion‹ und ›Gentle Groove‹, vor Kraft strotzen ›Heartshine‹, ›Holly Roller‹, ›Captain Hi-Top‹ und ›Capricorn Sister‹. Verspielt (halb)akustisch loten ›Bone China‹, ›Stargazer‹ und ›Crown Of Thorns‹ weitere Facetten von Mother Love Bone aus. ›Man Of Golden Words‹ schließlich, einmal mehr eine eindrucksvoll melancholische Akustikballade am seelischen Abgrund, dient mit Woods Zeile „Seems I’ve been living in the temple of the dog“ 1991 als Namensgeber für ein ebenfalls beeindruckendes gleichnamiges Projekt aus Teilen von Soundgarden (Chris Cornell, Matt Cameron) und den gerade gegründeten Pearl Jam (Jeff Ament, Stone Gossard, Mike McCready, Eddie Vedder).

Von Moderato – Allegro bis Vivace – Presto: Jon Lords Meilenstein in Studioneuauflage.

Rockgeschichte schreiben Deep Purple am 24. September 1969: Als erste Band weltweit kombiniert das britische Quintett mit Jon Lords dreiteiliger Suite CONCERTO FOR GROUP AND ORCHESTRA zeitgenössischen Rock mit großem Orchester. Für Lord, 2012 im Alter von 71 Jahren einem Krebsleiden erlegen, erfüllt sich kurz vor seinem Tod noch ein sehnlicher Wunsch: Sein CONCERTO FOR GROUP AND ORCHESTRA in einer Studioversion zu realisieren. Wenige Tage, bevor Lord das Zeitliche segnet, gibt er noch sein ausdrückliches Okay für das in den Abbey Road Studios gefertigte Final Master. Für sein Epitaph engagiert Lord, der abermals die Tasteninstrumente übernimmt, The Royal Liverpool Philharmonic Orchestra mit Dirigent Paul Mann. Für jedes der drei Movements zeichnet sich ein jeweils anderer Gitarrensolist verantwortlich: Darin Vasilev (1st Movement, Moderato – Allegro), Joe Bonamassa (2nd Movement, Andante) sowie Steve Morse (3rd Movement, Vivace – Presto) – sich auf einen der Virtuosen zu beschränken, wäre möglicherweise besser gewesen. Es muss ja nicht unbedingt Ritchie Blackmore sein, wie es sich viele Altfans in den Meckerforen des Internets so sehnlichst wünschen. Anstatt abermals auf den versierten Ian Gillan als Vokalisten zurückzugreifen, ergänzen sich der Eiserne Jungferich Bruce Dickinson und der Waliser Steve Balsamo mit der Polin Kasia Łaska – auch hier wäre die Konzentration auf einen Sänger wünschenswert gewesen. Als Rhythmusgespann fungieren Schlagzeuger Brett Morgan und Bassist Guy Pratt. Interessieren dürften sich für die in Teilen auch mit aktuellen Kompositionen aufgepeppte Neuauflage all jene, die schon bei der Urversion frenetisch jubelten. Doch einen erneuten Crossover-Boom wie 1969 wird das Konzert für Gruppe und Orchester wohl nicht mehr auslösen.

Londons Wunderkinder, kurz vor dem internationalen Karrieredurchbruch.

Gemessen an heutigen Standards mit mehrjährigen Intervallen zwischen zwei Albumproduktionen, werkeln sich Interpreten und Bands vor Dekaden mit Leichtigkeit durch recht enge Veröffentlichungspläne. Nur wenige Monate liegen zwischen Fleetwood Macs selbstbetiteltem Debüt im Februar 1968, dem Nachfolger MR. WONDERFUL im September und dem Nummer-eins-Hit ›Albatross‹ im November gleichen Jahres. Als nach wie vor eingefleischte Bluespuristen erwählt das zu drei Vierteln aus ehemaligen Mitgliedern von John Mayall’s Blues-breakers hervorgegangene Londoner Quartett abermals Unverfälschtes vom Mississippidelta als Basis der zwölf Songs. Mit dem Unterschied, dass Schlagzeuger Mick Fleetwood, Bassist John McVie sowie Peter Green und Jeremy Spencer an Gitarren und Mikrofon sämtliche Titel als Studiokonzert einspielen. Außerdem kommen erstmals eine Blech-bläsersektion sowie Christine Perfect am Piano und Duster Bennet an der Mundharmonika zum Einsatz. Mögen Eigenkompositionen wie der Chicago-Blues ›Stop Mess Around‹, der lässige Shuffle ›Rollin’ Man‹ und der tieftraurige Moll Blues ›Love That Burns‹ auch stark von amerikanischen Ikonen der Vergangenheit inspiriert sein – Fleetwood Macs schiere Virtuosität und elektrisierende Intensität zieht selbst Skeptiker in Bann. Fleetwood Macs künstlerische Turboentwicklung und gestiegenes Selbstwertgefühl spiegelt sich auf MR. WONDERFUL wider: Bis auf Robert Johnsons ›Dust My Broom‹, Elmore James’ ›Coming Home‹ und Buster Browns ›Doctor Brown‹ findet sich nur Selbstgestricktes. Besonders der finale Country-Blues ›Tryin’ So Hard To Forget‹ sowie der flotte ›Lazy Poker Blues‹ leisten Überzeugungsarbeit. Und wer bitteschön stört sich heutzutage noch an der Tatsache, dass Jeremy Spencer gleich vier der Titel mit recht identischen Slide-Gitarren-Intros ausstattete?

Wie Jeff Beck und Co. Led Zeppelin den Weg weisen.

Knietief im Blues-Rock steckt Jeff Beck im Sommer 1968. Hinter sich gelassen hat der hitzköpfige Gitarrenvirtuose die Yardbirds sowie ein kurzes Intermezzo als Popsolist. Geblieben ist Mentor und Produzent Mickie Most, der die Zeichen der Zeit erkennt: Eine amtliche Band muss her für seinen Schützling. Vokalist Rod Stewart, Bassist Ron Wood und Micky Waller am Schlagzeug passen wie die Faust aufs Auge. Anstatt wie bisher auf Psychedelic Pop, setzen Beck und Most auf eine Mischung aus elektrifiziertem Blues, Rock und Folk. TRUTH trumpft im August 1968 mit in etwa der gleichen Mixtur auf, die Monate später Ex-Kollege Jimmy Page seinem von New Yardbirds auf Led Zeppelin umgetauften Flaggschiff verordnet: Bluesoriginale steuern Willi Dixon und Muddy Waters (›You Shook Me‹) sowie Howlin’ Wolf (›I Ain’t Superstitious‹) bei. Drei weitere bearbeitet das Komponistenteam Jeffrey Rod, Pseudonym von Beck und Stewart, so intensiv, bis sie mühelos als Eigenkomposition durchgehen: B.B. Kings ›Rock Me Baby‹ verwandelt sich in ›Rock My Plimsoul‹, aus ›Gambler’s Blues‹ schlüpft ›Blues Deluxe‹. Bei Buddy Guys ›Let Me Love You‹ bleibt sogar der Titel identisch. Mit im Angebot befinden sich auch noch Bonnie Dobsons ›Morning Dew‹, Jerome Kerns Musicalklassiker ›’Ol Man River‹, das Traditional ›Greensleaves‹ sowie der im Tempo auf Zeitlupe gedrosselte Yardbirds-Hit ›Shapes Of Things‹. Nicht zu vergessen, das schon Monate vorher mit Jimmy Page, John Paul Jones und Keith Moon aufgezeichnete Instrumental ›Beck’s Bolero‹. Auf nahezu gleichem Qualitätslevel zieht im Juni 1969 BECK-OLA mit Tony Newman am Schlagzeug und Nicky Hopkins am Piano nach. Im Arrangement bis zur Unkenntlichkeit umgearbeitet, stammen ›All Shook Up‹ und ›Jailhouse Rock‹ aus Elvis Presleys Repertoire. Im fast achtminütigen Gitarrenfeuerwerk ›Rice Pudding‹ nimmt Beck schon mal ein wenig seine Fusion-Jazz-Phase vorweg. Mit den knackigen Gruppenkompositionen ›Spanish Boots‹, ›The Hangman’s Knee‹ und ›Plynth (Water Down The Drain)‹ geben die kurz nach Erscheinen ausgeschiedenen Spezies Rod Stewart und Ron Wood schon mal einen Ausblick auf ihr nächstes Projekt Faces.