Als ich alleine meines Weges ging, hörte ich zwei Krähen jammern. Die eine sagte zur anderen: ‚Wo sollen wir heute zu Abend essen?‘ ‚Dort hinter dieser alten Torfmauer müsste ein frisch niedergestreckter Ritter liegen – wie wär‘s damit?‘“ So beginnt – frei übersetzt – das schottische Gedicht „The Twa Corbies“, wonach Brian Fallon und Ian Perkins ihre Band benannt haben. The Horribles Crowes – das passt perfekt auf das Fe­der­vieh, das sich im weiteren Verlauf der Verse ausmalt, wie es sich am toten Edelmann labt. Fallon, hauptberuflich Frontmann bei den Punkrockern The Gaslight Anthem, und Perkins, Fallons ehemaliger Gitarrentechniker, waren fasziniert von den beiden Raben – und davon, dass jeder Mensch eine dunkle Seite hat. Diese stellen sie nun zur Schau: im Rahmen von The Horrible Crowes.

Auf die Idee, zusammen Musik zu machen, kamen die beiden beim Abhängen nach Auftritten von The Gaslight Anthem. „Wir trinken beide keinen Alkohol und nehmen keine Drogen“, erzählt Fallon. „Wir haben auch kein After-Show-Ritual. Ich bin einfach müde nach einem Konzert und will keine Hände schütteln oder mit anderen Bands die Nacht durchsaufen. Das war nie mein Ding.“ Stattdessen verziehen sich Brian und Ian in den Tourbus und spielen sich gegenseitig ihre derzeitigen Lieblingsalben vor. Darunter z.B. Platten von PJ Harvey, Nick Cave, Tom Waits, The National und den Afghan Whigs – allesamt Bands bzw. Künstler, die „wirklich traurige und dunkle Soul-Musik machen“.

Fallon und Perkins tauchten so sehr in diesen Sound ein, dass sie irgendwann beschlossen, selbst solche Songs zu schreiben. Einfach so, ohne irgendwelche Hintergedanken oder einen Plan, daraus eine neue Band werden zu lassen. Als sie nach zwei Wochen bereits sechs Lieder komponiert hatten, war es Zeit, innezuhalten. „Da dachte ich mir: ‚Hmm, vielleicht sollte ich das gegenüber den Jungs mal erwähnen.‘ Sie mochten es, fanden aber, es traf nicht ganz den Vibe von The Gaslight Anthem. Wir haben in der Tat etwas sehr Besonderes mit Gaslight aufgebaut, und an diesem Sound wollen wir nicht zu sehr herumpfuschen.“

Dennoch hatte Fallons Hauptband nichts dagegen, dass sich ihr Sänger und Gitarrist ein bisschen austoben und seine anderen Songs mit Perkins aufnehmen wollte. „Es war schon immer mein Wunsch, ein Album zu machen, auf das ich Streicher-, Orgel-, Klavier-Parts oder was auch immer packen kann“, berichtet der 31-Jährige von seinen Träumen, die er nun verwirklicht hat.

Wild durcheinander geht es bei den Horrible Crowes – auf dem Debüt ELSIE stehen Harmonien im Stile der Girl-Groups aus den Sixties neben digitalen Beats, einer bodenständigen Instrumentierung und Fallons Vocals, mit denen er auch schon mal seine Stimmbänder strapaziert. Er selbst findet: „Radikal ist ein gutes Wort, um die Platte zu beschreiben. Die Horrible Crowes sind definitiv eigen, wir setzen schon auf Songstrukturen. Doch solche Musik hat wohl niemand von mir erwartet. Entweder man wird schwanger, wenn man sich die Platte anhört – oder man will ein Auto klauen.“

Passend zu dieser abgründigen Soul-Musik hat Fallon in den Texten sein Herzeleid aus drei gescheiterten Beziehungen in seiner Teenagerzeit verarbeitet. Diesen Schmerz hat der Punk‘n‘Roller bis vor Kurzem noch mit sich herumgetragen. „Während dieser Beziehungen dachte ich stets, ich würde den Rest meines Lebens mit dieser Person verbringen – doch dann sind sie immer abgehauen.“ Überwunden hat der aus New Jersey stammende Musiker sein Trauma bei einer intensiven Session mit seiner derzeitigen Frau: „Ich habe ihr diese Songs vorgespielt, und dabei ist meine Vergangenheit hochgekommen. Es war eine kathartische Erfahrung.“

Nachhören kann man den Seelen-Striptease auf ELSIE. Jetzt, da die Scheibe erschienen ist, ist Fallon aber schon wieder voll auf The Gaslight Anthem eingestellt. „Wir schreiben seit einigen Monaten an Material, das wir hoffentlich zum Jahresende aufnehmen werden. Unsere nächste Platte ist ziemlich wichtig, sie muss reinhauen. Im Gegensatz zu unserem aktuellen Album AMERICAN SLANG wird sie wohl wieder aufregender. Ich will einfach wieder spaßigen Rock‘n‘Roll spielen!“ Womit wir überhaupt kein Problem haben…

Sie war noch nie jemand, der es sich bereitwillig in einer vorgefertigten Schublade bequem machen wollte. Tori Amos hat sich stattdessen ihre ganz eigene geschnitzt, nach und nach feine Verzierungen aus dem groben Block herausgearbeitet. Auf ihrem Album NIGHT OF HUNTERS widmet sie sich nicht nur musikalischen Details, sondern will auch zwischenmenschliche Probleme lösen.

Tori, NIGHTER OF HUNTERS ist ein Song­zyklus in der Manier von Schuberts Win­ter­­reise. Allerdings mit einer modernen Story: Eine Frau, die ihrer ehelichen Tristesse mit einer Affäre entkommen will, hat eine Erleuchtung und rettet nicht nur ihre Be­­ziehung, sondern auch die Welt. Versuchst du dich hier als Eheberaterin?
Warum nicht? Ich habe eine zehnjährige Tochter namens Natashya. Es ist unglaublich, wie viele Freundinnen sie hat, deren Eltern sich scheiden haben lassen. Die meisten Kids verstehen nicht, warum es überhaupt so weit gekommen ist, weshalb Mama und Papa nicht schon vor Jahren etwas gegen ihre Probleme unternommen haben.
Und das ist es, worum es hier geht: Ich will diesen Instinkt auslösen, dass die Leute retten, was zu retten ist. Wobei die Eingebung der Hauptperson dafür steht, aus allzu ver­­trauten Bahnen auszubrechen, sich zu öffnen und mal ganz tief in den emotionalen Bereich einer Beziehung vorzudringen. Sprich: ihn genau zu untersuchen, die Unstimmigkeiten herauszukristallisieren und entsprechend zu reagieren. Sie sollen sich ihnen stellen, daran arbeiten und verändern, was zu verändern ist – statt in Lethargie zu verfallen bzw. irgendwann aufzuwachen und das Gefühl zu haben, sein Leben für jemand anderen geopfert zu haben. Für jemanden, der einem nichts zurückgibt.

Was du in ›Job’s Coffin‹ als eine typisch weib­liche Angewohnheit darstellst…
Ja. Und ehrlich: Ich weiß wirklich nicht, warum wir so reagieren. Also warum wir uns immer so unterordnen und so tun, als wäre Selbstaufgabe und Kompromissbereitschaft ein und dasselbe. Das sind sie nicht. Und wir Frauen müssen endlich aufhören, uns selbst anzulügen.

Und du, hast du den Schlüssel zur perfekten Partnerschaft gefunden – oder therapierst du dich hier auch ein Stück weit selbst?
Nun, hier sind sicherlich etliche Erfahrungen eingeflossen, die mein Mann und ich in den vergangenen 16 Jahren gemacht haben. Im Positiven wie im Negativen. Jedenfalls sind wir immer noch zusammen, und wir haben – das hoffe ich – auch nicht vor, uns in absehbarer Zeit zu trennen. Und das, obwohl wir zusammen arbeiten, zusammen leben und versuchen, gemeinsam Eltern zu sein. Was nicht immer leicht ist, weil man bei Letzterem ja immer vernünftig zu sein hat. Nach dem Motto: In diesem Alter können wir uns keine Ausrutscher und keine Verantwortungslosigkeit mehr erlauben. Was ich sehr bedauerlich finde. (lacht) Und deshalb kann ich die Figuren auf dem neuen Album – also sowohl den Mann wie auch die Frau – gut verstehen. Es geht hier zwar nicht um mich und meine Ehe, aber ein bisschen was davon ist auf jeden Fall im Spiel.

Du hast inzwischen über 30 Jahre in den Fängen der Musikindustrie verbracht und gehst, um mal ganz uncharmant zu sein, stramm auf die 50 zu. Hast du Angst davor?
Ja, gebt mir meinen Stock. (lacht) Helft Großmutter auf die Beine. Aber seien wir ehrlich: Was soll ich dagegen tun? Wenn es eine Sache im Leben gibt, vor der man nicht weglaufen kann, dann ist es die Zeit.

Wie hat sich die Branche denn verändert?
Veränderungen passieren – ob man will oder nicht. Und einige davon sind positiv, andere nicht. Diese schrecklichen 360-Grad-Deals z.B., die überall eingeführt werden. Dadurch werden die Plattenfirmen auch an den Live- und Merchandise-Einnahmen beteiligt. Ich wüsste nicht, wie man das rechtfertigen könnte. Das halte ich für genauso schlimm wie diese ganzen Reality-TV-Shows, in denen Künstler regelrecht verheizt werden. Und einige dieser Verträge, die da gerade auf beiden Seiten des Atlantiks eingeführt werden, sind in höchstem Maße unmoralisch, geradezu diabolisch. Weshalb ich mich glücklich schätze, dass ich so etwas nie unterschreiben musste. Aber ich weiß eben auch nicht, wie die Leute, die so etwas anbieten, das vor sich selbst vertreten können. Sicher, mir ist klar, dass es vielen Labels schlecht geht, weil kaum noch Geld mit Albumverkäufen verdient werden kann und Piraterie ein riesiges Problem darstellt. Nur: Das ist nicht die Art, wie man dagegen vorgehen sollte – sondern eine echte Schande. Ich kenne so viele junge Musiker, die in diese Falle getappt sind, weil sie überhaupt nicht wussten, was sie da unterschreiben. Oder – was noch viel schlimmer ist – sich gesagt haben: „Ich habe ja keine andere Wahl.“ Und das darf einfach nicht sein. Es muss andere Optionen geben.

Du selbst bist jetzt bei Deutsche Grammo­phon gelandet, einem reinen Klassik-Label. Ist das ein angenehmeres Arbeiten?
Nun, es ist zumindest angenehm, hier mit einem Team von Leuten zu arbeiten, die Ahnung von Musik haben. Bei den meisten Labels kennen die Leute nur die Künstler, mit denen sie aktuell arbeiten oder die sie persönlich mögen, aber eben auch nicht mehr. Da gibt es nur wenig All­­gemeinwissen, und es wird auch nicht über den berühmten Tellerrand geschaut. Wenn du es zum Beispiel mit einem Heavy Metal-Label zu tun hast, kannst du zu 99,9 Prozent davon aus­­gehen, dass die Mitarbeiter dort für nichts an­­deres offen sind oder sich mit nichts anderem auskennen. Was einfach schade ist. Bei meinem Klassik-Label habe ich die Erfahrung gemacht, dass die Angestellten den eigenen Katalog ken­­nen, die Komponisten, aber auch musik­­histo­­risch bewandert sind. Das ist unglaublich er­­frischend.

Willst du in Zukunft mal das Management deiner Tochter übernehmen, die ja auch musikalische Ambitionen hat?
(lacht) Sie hat schon mit Neun erkannt, dass sie eine Bluessängerin ist. Sie sagte zu mir: „Mama, ich habe den Blues entdeckt, und er steckt ganz tief in mir.“ Worauf ich nur antworten konnte: „Schatz, ich habe keine Ahnung, wo das herkommt, aber das ist etwas, was du hegen und pflegen musst.“ Denn sie hat definitiv das gewisse Etwas. Deshalb hat sie im vergangenen Jahr auch an der Sylvia Young Performing Arts School vorgesprochen und ist wegen ihres schauspielerischen Talents angenommen worden. Ich denke, das ist die Richtung, in die sie später gehen wird. Aber: Sie wird nie einen 360-Grad-Deal unterschreiben.

Statt am 17. Juni einen geplanten Gig mit Mountain in Biloxi, Mississippi, zu spielen, musste Bandgründer Leslie West ins Krankenhaus eingeliefert werden. Dort amputierten die Ärzte dem 65-Jährigen wegen einer akuten Infektion in einer Not-OP den rechten Unterschenkel. Nun befindet sich der Rocker auf Reha – und hat gerade sein zehntes Soloalbum UNUSUAL SUSPECTS veröffentlicht, das mit einer imposanten Starbesetzung aufwartet.

Leslie, die Infektion und ihre drastischen Folgen haben dich sicherlich aus der Bahn geworfen. Daher die wichtigste Frage zuerst: Wie geht es dir, macht deine Genesung Fortschritte?
Offen gestanden geht es mir psychisch wie körperlich mal so, mal so. Vor ein paar Tagen bin ich beim Aufstehen blöd gestürzt und voll auf die Fresse gefallen – was einfach daran lag, dass mein Körper noch nicht richtig verstanden hat, dass ich keinen Unterschenkel mehr habe. Und wenn ich mich nicht konzentriere, mache ich unwillkürlich Bewegungen, als wäre da unten noch ein Fuß. Aber ich will nicht jammern: Die Ärzte machen mir Hoffnung, dass ich relativ schnell lernen werde, mit einer Prothese ziemlich normal zu gehen. Momentan benutze ich einen elektrischen Rollstuhl, um den Alltag zu bewältigen.

Hast du schon eine Ahnung, wann du wieder auf die Bühne kannst?
Für Mitte Oktober sind die Nachhol-Termine der „Three Guitar Heroes Tour“ mit Michael Schenker und Uli Jon Roth angesetzt (geplant sind insgesamt 13 US-Gigs, Anm.d.Red.). Und die werde ich spielen, ob im Sitzen oder Stehen!

Wirst du auch Stücke deines neuen Soloalbums präsentieren?
Garantiert! Bei dieser Tour wird jeder von uns erst ein eigenes Set von etwa 40 Minuten Länge aufführen, bevor wir schließlich einige Stücke zusammen spielen. Und in meinem Teil werde ich neben ein paar Mountain-Klassikern auf jeden Fall Songs des neuen Albums performen. Manche der Lieder haben ihre Bühnenpremiere sowieso schon hinter sich, denn ich habe die ersten Stücke von UNUSUAL SUSPECTS schon vor sechs Jahren geschrieben.

Auf dem Album kannst du eine ganze Reihe illustrer Gitarristen-Kollegen begrüßen: Joe Bonamassa, Billy Gibbons, Zakk Wylde, Steve Lukather und Slash. Hat sich das eher zufällig ergeben oder war das von Anfang an Teil des Konzepts?
Diese Begegnungen mit anderen Gitarristen waren sozusagen die Ursprungsidee. Allerdings hatten sich die Leute bei meinem Label das Ganze zunächst etwas anders vorgestellt: Sie wollten zum Beispiel, dass ich mit Buddy Guy spiele. Hmm, eher ein „Usual Suspect“ als ein „Unusual Suspect“, so oft wie er mittlerweile auf irgendwelchen Alben gastiert. Nichts gegen Buddy Guy – aber ich kenne ihn nicht mal persönlich, und er zählt auch nicht gerade zu meinen größten Einflüssen. Ich wollte lieber mit Menschen arbeiten, mit denen ich wirklich befreundet bin und denen ich mich auch stilistisch nahe fühle. Und so ist es dann gottlob auch gekommen! Wenigstens ist mir dieser Mist mit meinem Bein erst passiert, als alles schon im Kasten war – sonst gäbe es das Album womöglich gar nicht.

Wie liefen diese Begegnungen eigentlich ab?
Das Schönste dabei: Wir haben nicht einfach irgendwelche Sounddateien hin- und hergemailt und sie dann mit ProTools zusammengebastelt, so wie das heute bei sogenannten „Kollaborationen“ oft der Fall ist. Wir standen uns von Angesicht zu Angesicht im Studio gegenüber. Eine tolle, und speziell im Fall von Zakk Wylde auch sehr lustige Erfahrung! Der Typ ist wirklich super drauf, unglaublich humorvoll und ganz und gar unkompliziert. Er kam ohne Entourage, ohne irgendwelche Groupies oder Manager im Schlepptau, sondern nur mit seinem Gitarrenkoffer unterm Arm ins Studio und legte los. Der Einzige, den ich anfangs nicht auf dem Zettel hatte, war Steve Lukather. Er schaute einfach mal so bei den Aufnahmen vorbei, als wir gerade an dieser Nummer arbeiteten. Ich wusste, dass er diesen akustischen Boogie-Part besser hinkriegen würde als ich, und er ließ sich nicht lange bitten – auch total unkompliziert. Und so fügten sich die Dinge nach und nach zusammen, und zwar viel besser, als ich es mir je hätte träumen lassen.

Nun bist du ja schließlich selbst eine veritable Gitarrenlegende – und auch ein Song auf dem Album trägt den Titel ›Legend‹, wobei der als einziger Track eher vom Piano geprägt wird…
Ich habe kein so aufgeblasenes Ego, dass ich mit meiner Gitarre ständig vornestehen und das Instrument jeden Song dominieren muss. Und zu diesem Lied muss man wissen, dass mein Songwriting-Partner Joseph Pizza die Grundidee dieses Lieds schon vor 30 Jahren hatte – für die Aufnahmen musste ich seinen Text allerdings ändern. Ich hatte keine Lust, über mich selbst als Legende zu singen. Deswegen heißt es jetzt: „Don’t call me legend, I just came here to play“ – das entspricht eher meiner Philosophie.

Mit Joe Bonamassa spielst du den alten Blues-Klassiker ›Third Degree‹ – welche Zukunft hat diese Stilrichtung überhaupt noch?
Diese Nummer einzuspielen, war ein Wunsch von Joe, weil er die Version liebt, die wir seinerzeit auf dem Debüt von West, Bruce & Laing veröffentlicht haben. Mit dem Blues – und vor allem dem Bluesrock an sich – ist das so eine Sache: Meiner Meinung nach hat er eine Art „eingebaute Publikumsgarantie“. Denn egal, ob du gerade einen Hit hast oder nicht – wenn dir der Ruf vorauseilt, dass du guten Bluesrock spielst, werden die Leute immer in deine Konzerte kommen. In Europa sogar noch mehr als in den Staaten. Aber ob sich im Blues stilistisch noch viel Neues entwickeln wird, vermag ich nicht zu sagen, trotz so toller jüngerer Typen wie eben Joe oder auch Derek Trucks. Ich für meinen Teil werde mich jedenfalls immer als Bluesgitarrist verstehen.

Was hat dich dazu bewogen, den Beatles-Song ›I Feel Fine‹ mit auf das neue Album zu nehmen?
Ich spiel das Stück schon seit Jahren bei meinen Gigs als Gitarrensolo, weil ich diesen Riff so mag. Und während der UNUSUAL SUSPECTS-Sessions saß ich in einer Pause da und spielte ein bisschen mit diesem Thema rum. Mein Produzent Fabrizio Gross hörte das – und war sofort Feuer und Flamme. Doch es steckt auch noch eine ganz alte Geschichte hinter dem Song: Ich wuchs im selben New Yorker Apartmenthaus wie Waddy Wachtel auf, wir waren schon als Teenager befreundet. Waddy lernte auf der Gitarre immer alles viel schneller als ich und zeigte mir dann alles. Er brachte mir auch ›I Feel Fine‹ bei. (lacht wehmütig) Wenn man so will, war Waddy mein erster richtiger Gitarrenlehrer – obwohl er zwei Jahre jünger war.

Werkschauen begegnet man gerne mit Skepsis: „Damit wollen nur die Plattenfirmen-Leute Geld machen”, wird gerne vorgeschoben. Ob die Fans der Proto-Punk-Ikone Patti Smith also so richtig auf OUTSIDE SOCIETY abfahren werden, ist frag­lich – zumal 2002 mit LAND bereits eine ähnliche Compilation veröffentlicht wur­de. Allerdings: Patti Smith höchstpersönlich hat die Tracks für den Sampler ausgesucht – von jedem ihrer zehn Studioalben ist mindestens ein Song auf OUTSIDE SOCIETY vertreten. Neu gemastert worden sind die Stücke obendrein. Und: Die 64-Jährige hat zu jedem Lied einen kleinen Text geschrieben. So berichtet Smith darüber, wie der „Boss” ihr ›Because The Night‹ überlassen hat: „Bruce Springsteen hat mir ein großes Geschenk damit gemacht, indem er mir erlaubte, seiner wunderschönen Hymne Verse zu leihen. Meinen Beitrag habe ich damals für meinen zukünftigen Ehemann Fred ,Sonic’ Smith geschrieben. Obwohl wir ›Because The Night‹ mehrere Hundert Mal live gespielt haben, ist es dank der starken Reaktionen beim Publikum immer eine frische und aufregende Erfahrung, diesen Song zu singen.”

Einfach immer weiter, immer weiter machen Fußballer, wenn es mal nicht so läuft im Spiel, auf dem Trainingsplatz oder in der Karriere. Einfach mal was anderes gemacht hat Eric Earley. Das Hirn hinter Blitzen Trapper hat vor acht Jahren das College abgebrochen, war zwischenzeitlich obdachlos und entschied sich am Ende für die Musik: In einem alten Telegrafengebäude nahm der Songwriter aus Portland, Oregon, das Debüt seiner Band auf. Danach hat er einfach immer weitergemacht – und so sind die Indie-Country-Classic-Rocker mittlerweile bei Studio­album Nummer sechs angekommen.

Auf AMERICAN GOLDWING besinnt sich Earley noch stärker auf seine musikalischen Wurzeln als sonst: Zwar wird auch der Röhrenverstärker aufgedreht, aber im Vordergrund steht Folk à la John Denver und Bob Dylan, während hier und da auch mal der Bluegrass eines Doc Watson durchschimmert. Benannt hat Earley AMERICAN GOLDWING nach der „Honda Goldwing“: einem Motorrad, das sein Schwager einst besaß. Als Kind kletterte Eric einmal darauf, machte Geräusche, als rausche er auf einer einsamen Landstraße daher, und brachte die Maschine dabei zum Umfallen. „AMERICAN GOLDWING zu schreiben hat sich in etwa so angefühlt wie damals, als ich unter diesem riesigen Motorrad eingeklemmt war“, erklärt Earley. „Ich wollte diese unausweichliche Vergangenheit vieler Amerikaner rüberbringen: diese Gefühle, wie es ist, in einer kleinen Stadt gefangen zu sein. Viele Menschen machen einfach das, wovon ich in ›Taking It Easy Too Long‹ singe: sie bleiben zu lange in ihrem einsamen Dorf. Damit will ich den Mythos der amerikanischen Kleinstadt zerstören.“