Nachdem Accept mit BLOOD OF THE NATIONS der große Wurf gelang und das erfolgreichste Album in der Bandhistorie abgeliefert wurde, sind die Erwartungen zum Nachfolger STALINGRAD entsprechend hoch. Heavy Metal-Urgestein Wolf Hoffmann gewährt Classic Rock einen Einblick in den Schlachtplan.

Die Herren aus Solingen befinden sich seit dem besagten Vorgängeropus auf einem wahren Höhenflug. Abschiedsgedanken vom Musikgeschäft, wie es die Kollegen von den Scorpions zelebrieren, sind ihnen vollkommen fremd: „Seit dem einschlagenden Erfolg von BLOOD OF THE NATIONS erleben wir unseren zweiten Frühling, warum sollten wir also gerade jetzt das Handtuch werfen? Natürlich ist dies alles mit Stress verbunden. Die zwei Jahre auf Tour, bei der wir den kompletten Erdball beackert haben, sind nicht spurlos an uns vorbeigegangen, aber dank der Reaktionen unserer alten und vor allem neuen Fans nehmen wir diese Strapazen gern in Kauf. Der Hunger nach diesen Erlebnissen ist noch lange nicht gestillt, und deshalb sitzen wir bald wieder im Bus, um STALINGRAD auch live zu präsentieren.“

Eine kleine Kampfansage an die Konkurrenz, die mittels einer erneut brillanten Scheibe felsenfest untermauert wird. Schon allein der Titel ist martialisch und lässt Großes vermuten, wobei man als Konsument schnell in die Irre geleitet wird und dieses Werk als Konzeptalbum ansehen kann. Dazu Wolf: „Anfangs hatten wir die Idee, die Songs komplett unter das Banner des Russlandfeldzugs zu stellen, was wir aber relativ schnell wieder verwarfen. Es gibt Stücke, die sich mit der Kriegsthematik beschäftigen. Im Ganzen betrachtet überwiegen jedoch die für Heavy Metal typischen Klischees. In den, nennen wir es mal militärisch geprägten Liedern, zeigen wir auf unsere eigene Weise, welche Schrecken beziehungsweise welches Leid Auseinandersetzungen mit Waffengewalt für die Menschen bedeuten. Eine Verherrlichung von solchen Ereignissen liegt uns absolut fern – selbst der Titelsong ist keine historische Berichterstattung, sondern eine rein fiktive Geschichte von zwei verfeindeten Soldaten, die sich letztendlich die Hand reichen anstatt sich gegenseitig zu töten.“

Eine Antikriegsbotschaft, die Accept seit jeher verbreiten, auch wenn in der Vergangenheit Missverständnisse auftraten: In Frankreich kam die Gruppe Anfang der 80er aufgrund des ›Fast As A Shark‹-Intros zu dem lächerlichen Ruf einer Band mit nationalsozialistischem Hintergrund. In der Hoffnung, dass die Ketzer von damals mittlerweile des Lesens mächtig sind, beschließen wir dieses dunkle Kapitel der Accept-Geschichte – zurück zu STALINGRAD.

Getreu dem Motto „Never change a winning team“ holte man sich erneut wieder Andy Sneap als Produzenten ins Boot – ein geschickter Schachzug, was der Songqualität anzumerken ist, wobei der Druck für Werk Nummer zwei nach der Reformierung enorm hoch war: „BLOOD OF THE NATIONS hat die Messlatte für uns sehr hoch gelegt, die es jetzt zu übertreffen gilt. Eine Pause zwischen der Tournee und der nächsten Scheibe kam für uns nicht in Frage. Wir wollten schnell neues, aber qualitativ ebenso hochwertiges Material zügig hinterherschicken. Wir wollten und wollen mit diesem Werk in die gleiche Kerbe schlagen und diese sogar noch vertiefen. Dazu haben wir uns auch auf keine Experimente hinsichtlich des Komponierens eingelassen: Die Stücke stammen wieder komplett aus Peters Baltes’ und meiner Feder, wo-hingegen Mark alleine die textliche Gestaltung übernommen hat.“ Ob dieses Vorhaben gelingt, entscheidet letztendlich der Konsument, festgehalten werden muss jedoch, dass Accept mit STALINGRAD auf dem besten Weg sind, eine weitere Sprosse auf der Karriereleiter emporzuklettern.

Mit den Flying Colors setzt eine weitere Supergroup zum Spring an. Die Akteure: die Rockveteranen Steve Morse, Dave LaRue, Neal Morse, Mike Portnoy sowie Jungspund Casey Mc- Pherson, der den alten Herren etwas Dampf unterm Hintern machen will. Deep Purple-Gitarrist Steve Morse plaudert ein wenig aus dem Nähkästchen.

Black Country Communion, Chickenfoot, Them Crooked Vultures, SuperHeavy – die wirtschaftliche Not der Musikindustrie treibt namhafte Künstler in Allstar-Bands zusammen, die sich früher vermutlich nur argwöhnisch beäugt, niemals jedoch gemeinsame Sache gemacht hätten. Neuestes Konglomerat illustrer Rockstars: die Formation Flying Colors mit Deep Purples Steve Morse, seinem Bass spielenden Dixie Dregs-Kumpel Dave LaRue, Keyboarder Neal Morse (Ex-Spock’s Beard) und dem bei Dream Theater ausgemusterten Schlagzeuger Mike Portnoy. Sie alle zusammen frönen einer Musik, die den Prog Rock-Gedanken der letzten 40 Jahre aufgreift.

Das alles klänge vermutlich kreuztraditionell und relativ vorhersehbar, hätte die Band nicht mit dem vergleichsweise unbekannten Casey McPherson (Alpha Rev) einen Sänger verpflichtet, der verkrustete Strukturen aufbricht und den Songs mit seiner moderaten Stimmlage eine angenehme Frische verleiht. „Mike schlug Casey vor, sagte aber gleich, dass er nicht die logischste Option sei“, erklärt Steve Morse, der die knapp bemessene Deep Purple-freie Zeit nutzte, um mit Neal Morse an Songs zu arbeiten. „Beim ersten Mal hatten wir nur eineinhalb Tage Zeit, aber das Resultat dieser Session war so ermutigend und erfolgreich, dass wir gleich ein zweites Treffen arrangierten, um die Sache zu komplettieren. Manche Songs entstanden in verblüffend kurzer Zeit, ständig flogen irgendwelche Ideen und Änderungsvorschläge im Raum herum. Wir hätten sicherlich drei Alben auf einmal schreiben können.“

Doch die beiden hatten die Rechnung zunächst ohne McPherson gemacht. Denn auch der entpuppte sich als patenter Songschreiber mit klaren Vorstellungen. „Casey spricht mit seiner Stimme eher jüngere Zuhörer an, was wir alle natürlich toll finden“, gesteht Steve, „andererseits macht er uns alten Säcken ganz schön Dampf unterm Hintern. Sein häufigster Einwand: ,Mag ja ganz toll klingen, aber findet ihr das nicht ein bisschen zu altmodisch?‘“
Für den Deep Purple-Gitarristen ist dieses – nennen wir es mal demokratische – Procedere ziemlich ungewohnt. Andererseits: „Für mich sind Flying Colors eine echte Herausforderung, denn wir haben gleich mehrere Songschreiber – und jeder kämpft natürlich um seine Ideen. Daraus ergeben sich zwar viele Diskussionen, aber eben auch unzählige Variationsmöglichkeiten. Jeder ist in alles involviert – was die Sache ungemein spannend, wenn auch ein wenig anstrengend macht.“

Aber diese Mühen nimmt der 57-jährige Amerikaner gerne in Kauf, denn Morse ist offen für neue Inspirationen und genießt vor allem auch die Zusammenarbeit mit Drummer Mike Portnoy: „Es macht riesigen Spaß, zumal er sich ziemlich grundlegend von Purples Ian Paice unterscheidet. Ian hat mehr Swing in seinem Spiel, bei ihm mischen sich Jazz-Shuffles mit Rock-Attitüden. Mike dagegen ist ein reiner Rock- und Metal-Schlagzeuger, sehr kraftvoll, sehr aktiv und wirklich erstklassig, wenn’s um komplizierte Passagen geht. Für mich ist es ein wahrer Segen, mit einem weiteren Weltklasse-Drummer spielen zu dürfen.“

Ob diese Band auch auf Tour gehen wird, ist zurzeit noch unklar. Der randvolle Terminkalender aller Beteiligten könnte diesem Vorhaben im Weg stehen, zumal vor allem Steve noch 2012 ein neues Deep Purple-Album in Angriff nehmen wird. Dies widerspricht zwar allen bisherigen Gerüchten, ist jetzt aber offiziell bestätigt: „Ich weiß nicht, wer behauptet hat, dass wir nie wieder ein neues Album produzieren wollen“, wundert sich Morse. „Tatsache ist, dass die Songs bereits geschrieben sind und diesen Sommer aufgenommen werden.“ Das Material gehe back to the roots und soll deutlich simpler klingen als auf den letzten Purple-Scheiben: „Ich will nicht zu viel verraten, aber es geht in Richtung DEEP PURPLE IN ROCK!“ Es bleibt also spannend!

Ende der Achtziger schrieben Michael Kiske und Kai Hansen zusammen bei Helloween Musikgeschichte. Nun machen sie nach mehr als 20 Jahren als Unisonic wieder gemeinsame Sache. Doch die beiden wollen nicht die „guten alten Zeiten“ wieder aufleben lassen, sondern einfach miteinander rocken.

Die geschäftliche Idee ist vielversprechend und clever zugleich: Man nehme die namhaftesten Musiker dreier renommierter Bands und backe daraus eine neue Formation. Bei Unisonic heißen die Protagonisten Michael Kiske und Kai Hansen (beide ehemals Helloween), Dennis Ward und Kosta Zafiriou (beide Pink Cream 69) sowie Mandy Meyer (vormals Krokus und Gotthard). Ähnliche Konstellationen gab es in den zurückliegenden Jahren bereits diverse, vor allem um Bassist und Produzent Dennis Ward fanden sich immer wieder Projekte zusammen, die es zwar selten gemeinsam auf die Bühne schafften, im Studio jedoch eine erstaunliche Homogenität an den Tag legten. Soweit das Tagesgeschäft.

Bei Unisonic liege der Fall anders, schwören alle Beteiligten. Denn mit den beiden Hamburgern Kiske und Hansen treffen sich bei Unisonic zwei Musiker mit einer ganz besonderen gemeinsamen Historie wieder: Beide waren am Helloween-Klassiker KEEPER OF THE SEVEN KEYS beteiligt – jenem Album, das die Speedmetaller Ende der Achtziger über Nacht zu internationalen Superstars machte und heute als Genre-Klassiker gilt. KEEPER OF THE SEVEN KEYS begründete also die Karriere der beiden Norddeutschen, war jedoch nicht nur die erfolgreichste Scheibe in der gesamten Karriere beider Künstler, sondern gleichzeitig auch ihre bis dato letzte Zusammenarbeit. Die Hoffnungen der Öffentlichkeit an die Wiederaufnahme der Geschäftsbeziehungen sind dementsprechend riesig. Doch insbesondere Kai Hansen warnt: „Wenn man sich im Internet mal anschaut, welche Erwartungen an Unisonic teilweise geknüpft werden, weiß man, dass so mancher Fan möglicherweise enttäuscht sein wird. Denn Unisonic ist definitiv mehr Rock als Metal!“

Für Insider ist diese Erkenntnis keine Überraschung, denn dass Sänger Kiske seine jahrzehntelang offen kundgetane Aversion gegen Heavy Metal plötzlich ablegen würde, war ziemlich unwahrscheinlich. Kiske sieht das perfekte Einsatzgebiet seiner hellen, klaren Stimme deutlich stärker in Mainstream- und moderaten Rocknummern – anstatt als Gegenveranstaltung zu schneidigen Gitarren und polternden Drums. Insofern existieren durchaus neuralgische Punkte zwischen ihm und Gitarrenirrwisch Hansen mit seinen Vorlieben für handfeste Metal-Kompositionen. Drummer Kosta Zafiriou, der die neue Band zeitgleich auch als Manager betreut, gibt jedenfalls unumwunden zu: „Das Interesse der Öffentlichkeit an Unisonic durch die Kombination Kiske/Hansen ist natürlich größer als etwa bei einer Band wie Place Vendome ohne Kai. Aber musikalisch macht es die Sache nicht unbedingt leichter.“

Ob es nun also die Not eines dramatisch schrumpfenden Marktes oder tatsächlich die wiederentdeckte Freude am gemeinsamen Musizieren war (Hansen: „Es macht einfach unheimlich viel Spaß, nach so vielen Jahren wieder mit Michi auf der Bühne zu stehen. Zwischen meinem Gitarrenspiel und seinem Gesang entsteht immer wieder eine ganz einzigartige Chemie“), sei dahingestellt. Fakt ist, dass sich vor allem Hansen des schmalen künstlerischen Grades bewusst ist, auf den sich alle Bandmitglieder in einem Burgfrieden-ähnlichen Abkommen geeinigt haben. Obwohl er als Hauptkomponist des Debütalbums eigentlich federführend sein müsste, ordnet sich der Kreativkopf der Gruppe komplett den Wünschen Kiskes unter. „Michi ist der Chef!“, erklärt Hansen konziliant und fügt hinzu: „Ich nenne das, was wir machen, härteren Hard Rock. Das darf dann entsprechend auch gerne flexibel und variantenreich sein – Hauptsache, alles klingt wie aus einem Guss.“

Beinahe kein Künstler hat den Brit Pop derart geprägt wie Paul Weller. Viele behaupten sogar, er hätte ihn erfunden. Doch obwohl Weller natürlich stolz auf seine vergangenen Erfolge ist, möchte er sich nicht auf diesen ausruhen, sondern mit konstanter Qualität glänzen. Dass er das problemlos schafft, beweist auch sein neuestes Werk SONIK KICKS.

Seinen Spitznamen „Modfather“ hört Paul Weller nicht gern. Das Wort an sich ist es nicht, was ihn stört. Denn Auszeichnungen wie diese füttern ja durchaus seine Eitelkeit. Und die kann – mit Blick auf seine tadellose Garderobe – nicht eben unterentwickelt sein. Nein, es ist der Beigeschmack von Retrospektive, schlimmer noch: von Nostalgie, den er so ungern mit sich in Beziehung stellt. Denn zu einem wirklich eitlen Künstler gehört, dass er jederzeit – sprich: J-E-D-E-R-Z-E-I-T – hohes Ansehen genießt. Also auch und vor allem in der Gegenwart. Das Wort „Modfather“ hingegen stammt noch aus einer früheren Epoche. The Jam, Style Council, erfolgreiche Soloscheiben – Weller hat ab 1977 kräftig mit geschraubt am großen Rad, das sich da Brit Rock nennt und nach The Jam unter anderem so groß-artige Bands wie Oasis an die Oberfläche gespült hat. „Die Gallagher-Brüder sind liebenswürdige Jungs, beide“, behauptet Weller und betont das Wort „both“, also „beide“, mit einer so unmissverständlichen Deutlichkeit, dass eines klar wird: Er, Weller, ist mit Noel und Liam befreundet, egal wie unversöhnlich sich die beiden exzentrischen Ge-schwister wieder mal in den Haaren liegen.

> Unter Freunden

Kein Wunder, denn erst kürzlich kreierte er für Liam und dessen aufstrebende Modemarke Pretty Green eine erste eigene Kollektion. Fortsetzung nicht ausgeschlossen. Und Noel, der gemeinhin als der besonnenere der Gallagher-Brüder gilt, vor allem aber als der bessere Musiker, spielt auf seinem neuen Studioalbum SONIK KICKS. Weller nennt dieses Unterfangen „no big deal“, zumindest wenn es sich auf den organisatorischen Aufwand bezieht: „Ich rief ihn an, fragte, ob er Lust hat, und ein paar Tage später stand er schon bei mir im Studio. So wie das halt unter guten Freunden üblich ist.“ Mehr als nur einmal in ihrer nicht eben kleinlaut geführten Karriere erklärten Oasis, dass Paul Weller eines der größten Vorbilder ihrer Jugend gewesen sei. Nun also sind sie Kollegen, der ältere der beiden Zankhähne und der schnieke Weller. „Ich stellte ihm die gesamten Aufnahmen vor, und er durfte sich die Tracks auswählen, auf denen er spielen wollte.“ Also packte Noel Gitarre und Bass aus und öffnete sein schier endlos sprudelndes Füllhorn an Ideen. „Es war deutlich mehr als wir brauchten, aber so konnten wir aus vielen tollen Ideen auswählen. Ein echter Luxus.“ Als solchen empfindet Weller auch die Beiträge von Graham Coxon, dem Gitarristen und Mitbegründer von Blur. Coxon (übrigens 1969 in Niedersachsen geboren) spielte auf SONIK KICKS Orgel und Gitarre. Wir erinnern uns: Das Gerangel zwischen Blur und Oasis gilt als die Mutter aller Bandfehden. Bis zur Ankunft von Oasis waren Blur die unumstrittenen Pop-Könige in England, doch mit der aggressiven Öffentlichkeitsarbeit der Gallagher-Brüder und einigen wirklich beeindruckenden Singles schrumpfte der Vorsprung schnell zusammen. Auf dem Höhepunkt des Hahnenkampfes veröffentlichten beide Bands ihre aktuellen Singles am gleichen Tag. Punktsieger waren Blur (›Country House‹ landete auf Platz 1, ›Roll With It‹ von Oasis auf Platz 2), doch die anschließenden Albumverkäufe dokumentierten dann die wahren Sieger: Während (WHAT’S THE STORY) MORNING GLO-RY satte 15 Millionen Mal über die Ladentheke ging, schaffte das parallele Blur-Werk THE GREAT ESCAPE gerade mal zehn Prozent dieses Wertes.

Paul Weller beobachtete diese Hahnenkämpfe seinerzeit aus sicherer Distanz, lächelte als edler statesman des Brit Rock milde und beschloss, sich nicht auf eine der beiden Seiten zu schlagen. Deshalb ist er heute mit ihnen allen befreundet, mit Coxon und Damon Albarn ebenso wie mit Liam und Noel Gallagher. Dass untereinander nach wie vor spitze Giftpfeile ausgetauscht werden ist ihm ziemlich egal.

> Vielsagende Schnappschüsse

SONIK KICKS ist der direkte Nachfolger von WAKE UP THE NATION (2010), ein vergleichsweise wütendes Pamphlet über die gesellschaftlichen Auswüchse im dem seiner Meinung nach hoffnungslos saturierten England. Von einem politisch motivierten Album wollte Weller vor zwei Jahren zwar nicht sprechen („wenn, dann nur mit kleinem ,p‘ geschrieben“), sehr wohl aber von einem Werk voller sozialkritischer Aussagen. Das Antiraucher-Gesetz, Truppenstationierung in Krisengebieten, die immer flacher werdenden Botschaften in der zeitgemäßen Popmusik – England sei auf dem besten Weg, zu einem Volk meinungsloser Lemminge zu verkommen, die jedem Unsinn der Politiker teilnahmslos zunicken. Eigentlich hatte Weller für sich bereits in den Achtzigern das Ende politischer Schelte be-schlossen, doch angesichts der Kriege im Nahen Osten habe er sich einfach nicht mehr zurückhalten können. Für WAKE UP THE NATION wurde er zwar nicht – wie zwei Jahre zuvor bei 22 DREAMS (2008) – mit einem „Brit Award“ ausgezeichnet, aber es war ohne Zweifel dennoch das inhaltlich wichtigere Album.

Wo er dagegen SONIK KICKS einsortieren soll, weiß Weller momentan selbst noch nicht so genau. Wie üblich hatte er sein kleines Notizbüchlein immer eng am Körper ge-tragen, irgendwo an der gefühlten Stelle zwischen Kopf, Herz und Magen, die für einen Musiker wohl wichtigsten Körperteile. In dieses kleine Büchlein trägt er ständig seine Beobachtungen ein. Dinge, die ihm gefallen. Dinge, die ihn ärgern. Dinge, die sich prima als Textfragmente, als Überschriften oder wiederkehrende Allegorien verwenden lassen. Was sich dann im Laufe der Zeit zusammengetragen hat, findet Einzug in seine Lieder. Man könnte also sagen, dass SONIK KICKS das Leben des Paul W. (53) aus Surrey, England in den Jahren 2010 bis 2012 reflektiert? „Ja, könnte man“, so sein lakonischer Kommentar. Und wie ist sein Leben in den zurückliegenden zwei Jahren verlaufen? „Gegenfrage: Wie ist deines verlaufen? Was ich damit sagen will: Das Leben durchzieht ein ständiger Wechsel von Höhen und Tiefen, es hat romantische Momente, aber auch Situationen voller Wut oder Aufregung. Insofern sind einzelne Songs immer nur ein kurzer Schnappschuss von Situationen.“

Doch auch Schnappschüsse können vielsagend sein. Dass die vordergründig anheimelnde Nummer ›When Your Garden’s Overgrown‹ nicht nur vom Rosenzüchten und Unkrautjäten handelt, ist unüberhörbar. Und auch das anklagende ›Sleep Of The Serene‹ jagt mit seinen stechend-spitzen Streicherklängen bewusst Widerhaken in die Ohrmuscheln. Weller nennt SONIK KICKS „moderne psychedelische Musik“ und beschreibt sie als „klangliche Abenteuerreise ohne festes Konzept“. Mal sei es schroff und widerborstig, an anderer Stelle warm und romantisch. So hat er beispielsweise seine Tochter Leah (aus erster Ehe mit der Style Council-Sängerin Dee C. Lee) und Sohn Mac (den er mit seiner aktuellen Lebensgefährtin Hannah Andrews gezeugt hat) dazu animieren können, ihm bei ›Be Happy Children‹, einer anrührenden Ode an seinen verstorbenen Vater, zu helfen. „Es ist ein sehr optimistischer Song“, erläutert Weller, „er dokumentiert die unumstößlichen Gesetze unseres irdischen Daseins, den Kreislauf des Lebens, das ständige Kommen und Gehen.“

> Der Kreis schließt sich

Er selbst sieht sich in diesem Kreislauf erst auf halber Strecke angekommen. Höchstens. Die wilden Jahren von The Jam, der geschmeidige Soul Pop mit Style Council, als er mit ›Shout To The Top‹ an eben jener exponierten Stelle landete und sich und seine Songs in den Kontext großer Soul-Vorbilder stellen konnte. Später dann realisierte er mit UNDER THE INFLUENCE einen Sampler seiner bevorzugten Soul-Klassiker, von Little Richard über Charles Mingus bis zu den Blind Boys Of Alaba-ma, um mit LOST & FOUND – REAL R’N’B AND SOUL nachzulegen und darauf mit dem eigenwilligen Soul-DJ Keb Darge zu kooperieren. Der Schotte Darge gilt als einer der wichtigsten Vinyl-Sammler Englands, ein Hobby, dem auch Weller frönt. Allerdings geht Darge geradezu pedantisch vor und begutachtet viele seiner Schätze ausschließlich nach Kriterien von Seltenheit und Sammlerwert, während Weller – eben ein echter Musiker – seine Sammlung vorzugsweise unter geschmacklichen Gesichtspunkten vergrößert. Dass sich darunter auch Scheiben der Beatles befinden ist für Weller natürlich absolute Ehrensache. „Die Beatles sind der wichtigste Einfluss meiner Jugend“, verrät er, „von ihnen konnte man lernen, dass Musik niemals eindimensional sein darf. Bei den Beatles findet man avantgardistische Ansätze, aber auch reine Popmusik und romantische Songs.“ Romantik, so der Brite, sei quasi das Bindeglied zwischen Beatles, The Jam, Style Council und seinem neuesten Album. „Auch The Jam waren nicht ausschließlich ungehobelt und wild, sondern schrieben damals ebenso auch romantische Nummern wie beispielsweise ›English Rose‹.“

Es schließt sich demnach also ein Kreis mit SONIK KICKS – ein Werk, dem Weller auch das Attribut „nostalgisch“ zuordnet, neben allen anderen Umschreibungen, die seine Veröffentlichungen generell auszeichnen. „Es würde mich sehr schnell langweilen, wenn ich immer nur über das gleiche Thema singen müsste“, sagt Weller, „zumal mein natürlicher Impuls auf Vielschichtigkeit geeicht ist. Für meine Kreativität spielt es keine Rolle, ob ich einen Song aus Ärger, aus Sehnsucht, aus Liebe oder Kummer schreibe. Immer werden die gleichen Moleküle in meinem Körper angeregt: Leidenschaft, Hingabe, Kompromisslosigkeit.“

Von eben dieser Ausrichtung möchte er auch nicht abrücken, wenn es demnächst wieder auf Tournee geht. Das komplette Album wolle er spielen, auch wenn die Liste an Klassikern länger ist, als dass man sie an einem Abend allesamt abhandeln könnte. Doch Weller sieht sich anno 2012 auf einer Mission: „Es gibt in England zurzeit so viele Bands, die mit einem reinen Retrokonzept durch die Landen ziehen. Sie spielen ihre kompletten Alben von vor 20 Jahren, vergessen dabei aber, dass die Gegenwart viel wichtiger ist als die Vergangenheit. Ich werde deshalb den Spieß umdrehen: Die erste Hälfte der Show wird ausschließlich aus Nummern von SONIK KICKS bestehen. Man kann die zweite Hälfte dann ja immer noch dazu nutzen, die Songs zu spielen, die man von mir erwartet.“ Wobei: Erwartungen hat man an Weller nur hinsichtlich seiner Authentizität. Und die ist anno 2012 nicht geringer als in den zurückliegenden 35 Jahren.

Was vor vier Jahren als Feierabendprojekt begann, kann 2012 auf prominente Unterstützung zählen. Und für niemand war das überraschender als für Bandkopf Andy Ditchfield selbst.

In einer Musikrichtung, die nicht gerade dafür bekannt ist, sich kurz zu fassen, sollte es nicht verwunderlich sein, dass ein Album auch mal vier Jahre in Anspruch nehmen kann. Dabei war DeeExpus-Kopf Andy Ditchfield sogar überdurchschnittlich motiviert von den wohlwollenden Reaktionen auf sein Debüt HALFWAY HOME von 2008. „Ja, das war eine sehr angenehme Überraschung. Ich hatte die Platte ja nur allein mit einem Haufen Equipment aufgenommen und komplett selbst finanziert. Mit dem Mixen habe ich auch wenig Zeit verbracht, ich wollte es einfach nur rausbringen und sehen, was passiert. Und dann kamen plötzlich lauter gute Kritiken, es wurde sehr gut aufgenommen, gerade bei euch in Deutschland. Das hat mich angespornt, gleich weiterzumachen. Na ja, nun hat es doch vier Jahre gedauert, aber ich wollte unbedingt ein besseres Album als das erste machen.“

Dafür brachte er auch Opfer, vorrangig in Form von Schlaf. „Ich arbeite tagsüber als Verkäufer von Büromöbeln. Ich bin immer so um halb sieben nach Hause gekommen, habe was gegessen, bin vorm Fernseher eingeschlafen, dann gegen Mitternacht wieder aufgewacht und habe dann sechs, sieben Stunden an der Platte gearbeitet und bin wieder in die Arbeit. Das ging fünf, sechs Monate so und war ziemlich anstrengend.“

Gelohnt hat es sich aber, denn KING OF NUMBER 33 wird wieder mit reichlich Lorbeer bedacht werden. Mit einem 26-minütigen Epos im Mittelpunkt erfüllt das Album zwar die übelsten Prog-Klischees, doch das ficht Andy nicht an: „Ich habe kein Problem damit, Prog genannt zu werden. Es gibt eine ungeheure Vielfalt in diesem Genre, und mit die besten Musiker des Planeten. Der Begriff kommt zwar aus den 70ern, als jeder mit 20-minütigen Keyboard-Soli genervt hat, aber im Prinzip gibt er dir jegliche Freiheit, zu machen, was du willst. Und genau das tue ich.“ Es sei an dieser Stelle erwähnt, dass man KING OF NUMBER 33 auch genießen kann, wenn man sich nichts aus Tangerine Dream oder Spock’s Beard macht, denn ab-gesehen von einigen klassischen Klangmerkmalen hört man hier vor allem eines: intelligente, komplexe, aber stets zugängliche, gar eingängige Rockmusik der nur leicht psychedelisch angehauchten Art. „Ich war noch nie so drauf, dass ich die Melodie einer Klanglandschaft opfern würde.“

Faszinierend auch die Mitstreiter, denn sowohl Marillion-Keyboarder Mark Kelly als auch der einstige 80s-Popstar Nik Kershaw sind hier zu hören. Wie es dazu kam? Aus reinem Jux! „Ich habe einen Freund in den USA, der eine Radioshow und ein prall gefülltes Adressbuch hat. Er fragte mich mal aus heiterem Himmel, mit wem ich gerne zusammenarbeiten würde. Zum Spaß sagte ich Mark Kelly, denn ich bin schon lange ein Riesen-Marillion-Fan, und dann noch Nik Kershaw. Und ein paar Wochen später hatten sie beide zugesagt! Ich kann es bis heute nicht fassen. Und Mark machte mir ein wunderschönes Kompliment: Er fragte doch glatt, was genau er tun solle, wo ich doch schon alles perfekt selber eingespielt hätte. Mittlerweile sind wir ziemlich gut befreundet…“

Während Kelly absolut in seinem Metier ist und dem ausladenden Klangkosmos die entsprechende Gravitas verleiht, hätte niemand vermutet, dass Nik Kershaw, der mit ›Wouldn’t It Be Good‹ einst die Charts stürmte und dann als Songwriter und Produzent Popsternchen wie Boyzone, Chesney Hawkes oder Let Loose seine Brötchen verdiente, Interesse an einem solchen Projekt haben könnte. Doch „Memo“, Abschluss des Albums und als einziges mit seinen Vocals versehen, ist doch tatsächlich der Höhepunkt der Platte.