Vom Prog zum Blues: Pain Of Salvation setzen ihre musikalische Metamorphose weiter fort.

Nicht, dass man zwangsläufig mit einem solchen Album rechnen konnte, aber grenzenlos überrascht dürfte die Öffentlichkeit angesichts des neuen Albums von Pain Of Salvation auch nicht sein. Schon vor knapp zehn Jahren begann Macher Daniel Gildenlöw seine Gruppe Schritt für Schritt zu verändern. Zunächst lockerte er die einst künstlerische Begrenzung durch freiere Elemente auf – um seine Band nun mit ROAD SALT ONE endgültig zu einer echten Rockgruppe umzubauen, die mehr mit den Stilmitteln der siebziger Jahre als mit technoidem Prog Metal der Neunziger zu tun hat.

Wer sein audiophiles Glück bislang bei Gruppen wie Dream Theater oder Symphony X suchte, dürfte diesen Schritt bedauern – allen anderen sei gesagt: Gildenlöw und Pain Of Salvation zelebrieren einen von Blues, Rock und Gospel durchzogenen Parforceritt durch die Annalen der Rockgeschichte, bei dem sich jede Etappe zu einhundert Prozent als konsequent und überzeugend erweist. In ihren besten Momenten atmet ROAD SALT ONE eine melancholische Tiefe, die den Zuhörer bis in die innersten Fasern seines Körpers erfasst. Es sind die leisen Töne, die wie Wassertropfen perlenden Pianoklänge, die das Stück ›Sisters‹ zu einem fragilen Wunderwerk machen, und es ist die sakrale Grundstimmung, mit der die Nummer ›Of Dust‹ zur Hymne aller Gefallenen wird. Hier gelingt Gildenlöw, was Bono auf NO LINE ON THE HORIZON ( und ›Moment Of Surrender‹) vergeblich versucht hat: ein Seelenstriptease jenseits jeglicher Peinlichkeit.

Die Entscheidung der Band, aus finanziellen Gründen die Produktion des Albums in den eigenen Proberaum zu verlegen, war für dieses Material genau richtig: So eindringlich, intim, persönlich und geradezu ungeschützt haben Pain Of Salvation noch nie geklungen.

Solo macht es uns der Simple-Minds-Sänger nicht immer leicht.

Jim Kerr hat sich für seinen Alleingang lange Zeit gelassen. Dennoch bleibt auch bei ihm das alte Segen-und-Fluch-Problem von Sänger-Soloalben bestehen: Die Stimme hat jeder bereits in anderem Zusammenhang verinnerlicht, und die Musik ist entweder zu nah am Stamm – oder zu weit davon entfernt.

Kerrs Kurs liegt genau dazwischen. Wie schon auf dem 2002er-Simple Minds-Album CRY flirtet Kerr mit Elektronik-Elementen und Computer-Beats, was für die „U2 des kleinen Mannes” damals schon in die Hose ging. Schlimmer ist jedoch, dass er dabei auf dieselben Effekte wie vor acht Jahren zurückgreift.

Wenn sich Kerr aber auf das Wesentliche konzentriert, beispielsweise bei ›Return Of The King‹, das The Mission, Bono und Bowie vereint, weiß er allerdings zu gefallen. Auch ›Bulletproof Heart‹ und ›Lostboy‹ presst alte Qualitäten geschickt in ein neues Gewand. Ganz übel wird es allerdings, wenn er – wie in ›Soloman Solohead‹ – seine immer noch charakteristische Stimme und seine Songschreiber-Fähigkeiten unter ekligen Gitarren- und Vokal-Verzerrern begräbt.

Das Finale aber entschädtigt dafür: ›The Wait Parts 1+2‹ hat das Zeug zum Kerr-Klassiker; es würde auf den Soundtrack eines möglichen „The Breakfast Club“-Remakes passen. Ein Drittel dieses Albums sollte man aber aufgrund der ätzenden Arrangements sofort vergessen.

Rock für die ganze Familie: mal kitschig, meist aber kraftvoll.

Der Madman rockt wieder, und wir fragen uns bange: Kann er es noch? Bedeutet ein neuer Gitarrist auch den Beginn einer neuen Ära? Die erleichterte Antwort: Ja, er kann noch. Und nein, im Grunde ist alles beim Alten geblieben, obwohl SCREAM das erste Album ohne den langjährigen Gitarristen Zakk Wylde ist. Zwar hört man schon, dass hier Gus G. von Firewind die Axt schwingt, und natürlich sind auch die Black Label Society-Parts aus den Aufnahmen verschwunden – dennoch ist SCREAM kein pures Flitzefinger-Metal-Werk geworden. Die Basis der Songs ist klassischer Hard Rock, nur als Verfeinerung wird mit einer Metal-Legierung gearbeitet.

Hier wird deutlich, dass Produzent Kevin Churko den Großteil der Arbeit gemacht hat – und zwar kompositorisch wie klangtechnisch. Er hat es geschafft, Ozzy eine zeitgemäße Platte auf den Leib zu schneidern. Die klingt mal bombastisch (›Soul Sucka‹), nimmt aber in manchen Passagen moderne Queens Of The Stone Age-Grooves mit auf (›Let It Die‹) oder taugt schlicht als Radiohit (›Let Me Hear You Scream‹). Am besten ist Ozzy aber dann, wenn er aus dem Riff-Vollen schöpfen kann: Die Härte von ›Diggin Me Down‹ schlägt sich auch in seinem Gesang nieder – dafür gebührt ihm unser Respekt. Man verzeiht ihm auch den Schmalztiegel, aus dem er sich in ›I Love You All‹ reichlich bedient. Zuschrauben und vergessen.

Insgesamt jedoch ist SCREAM ein gelungenes Werk: typisch Ozzy in Sachen Atmosphäre, und breit genug gefächert, um wirklich alle glücklich zu machen – im Grunde klassischer Familien-Rock.

Die werden ja immer besser: das vierte Album der häufig unterschätzten Britrocker.

Nein, gegen die Smartness von Blur, die Feuerzeugschwenker von Oasis und den damit verbundenen Hype konnten Kula Shaker in den 90er Jahren wenig ausrichten. Dabei war ihr Debütalbum K mit seinen indischen Einflüssen, die massiv an George Harrisons Liebhabereien erinnerten, ein ziemlich großer Wurf: Neo-Psychedelic-Rock mit quengelnden Wah Wahs, dickem Mellotron und klasse Songwriting.

Danach ging’s dann leider bergab, Album Nummer zwei enttäuschte, und die Reunion vor drei Jahren samt brauchbarem Comeback-Album fand nahezu unter Ausschluss der Öffentlichkeit statt. Und jetzt das: PILGRIM’S PROGRESS präsentiert die Band um Crispian Mills so fokussiert wie zu den Tagen von K, die Songs – changierend zwischen Folk, Rock, Psychedelic und von typisch britischer Machart – funktionieren einzeln so gut wie als Gesamtkunstwerk. Natürlich schimmern noch immer die Beatles der Spätphase durch, doch das ist gewiss alles Mögliche – nur ein Nachteil mit Sicherheit nicht.

Drittes Solo-Album des Scorpions-Drummers – als Sänger/Gitarrist.

Eigentlich sollte man meinen, James Kottak wäre gerade beschäftigt genug. Doch der 47-jährige Amerikaner – ganz der clevere Geschäftsmann – nutzt den Medienrummel um den Scorps-Abschied für ein klein bisschen Eigenwerbung.

Was das dritte Album seiner Hobbyband Kottak auch bitter nötig hat. Schließlich glänzt er hier mit Songs der Marke ›Rock ’n’Roll Forever‹, ›Sunset Blvd‹, ›Super Pricks‹ und ›Drunk Uncle Pete‹, die an lyrischen Peinlichkeiten aka billigen Klischees und schlechten Schüttelreimen („Lost my money – killed my honey“, „Stripper shoes – porno news“) kaum zu überbieten sind. Und auch die Musik, die er selbstironisch als „Cheap Trick meets Green Day on a bad day“ verkauft, ist nicht mehr als durchschnittlicher Punk-Pop, wie ihn derzeit Tausende von Blink 182/Sum 41-Klone bieten.

Ein musikalisches Trauerspiel – daran können auch noch so viele Posen, Sturmfrisuren und Tattoos wenig ändern. Einzig das Cover von ›Holiday‹ (1:30 Minuten kürzer als das Original) ist okay. Drummer, bleib’ bei deinen Stöcken!

Der Kampf mit dem schlechten Geschmack geht weiter.

Auch mit ihrem vierten Album bleiben unsere schwedischen Banger den bewährten Werten treu: Stampfender Power Metal wird mit choralen Passagen aufgepeppt, bleibt dabei melodisch-bieder und wird von Sänger Joakim Brodén mit einer derart kantigen, bellenden Intonation vorgetragen, dass das Ganze wie eine Mischung aus schwedischem Rammstein-Englisch und russischen Bahnhofsdurchsagen klingt.

Thematisch wird hier abermals der Streitkraft-Stiefel durchgezogen: Fast alle Songs beschäftigen sich (pseudo-)historisch mit berühmten Schlacht- und anderen Kriegs-Ereignissen der Menschheitsgeschichte. Extrem grenzwertig wird das vor allem bei ›The Final Solution‹ und ›Wehrmacht‹. Den Holocaust oder psychische Soldaten-Studien sollten plakative Power Metal-Bands vielleicht besser nicht lyrisch aufbereiten. Da ist man für den Rausschmeißer ›Metal Ripper‹, ein Zitat-Mashup von AC/DC bis Ozzy, fast schon dankbar. Er macht die Band zwar musikalisch auch nicht besser, verursacht jedoch wenigstens kein beschämtes Kopfschütteln. Tarn-Kutten-Kaspermucke für Metal-Martialisten, die mittelmäßige Musik mit Panzer-, Kriegs- und Stahlhelm-Symbolik für cool und männlich halten.

Skandinaviens Antwort auf Americana bleibt im Herzen verdammt Young.

Wäre dieses Album ein Post-Edward Hopper-Bild, hätte man die Szenerie und den Farbton für die Beschreibung schnell gefunden: eine in grauen Zwischentönen gehaltene, öde Motel-Bar im speckigen Spät-Fünfziger-Interieur an einem längst verloren geglaubten Highway irgendwo im Mittleren Westen. Draußen in der Dämmerung bricht ein weiterer tragisch-leerer Tag an. Während der ehemalige Kleinstadt-Chef-Mixer mit den weißen Schläfen sinnentleert die Gläser poliert, lümmeln Holmes auf der Eck-Couch und klimpern ihre traurigen, aber tief empfundenen Americana- und Folk-Weisen vor sich hin.

Von der blutenden Steel Guitar über die behutsamen Piano-Pflaster bis hin zum wunderbar wimmernden Neil Young-Gesang und frühen Wilco-Gedenkmomenten überzeugen die Schweden auf ihrem zweiten Album mit klischeefreien Country-Adaptionen. HAVE I TOLD YOU LATELY THAT I LOATHE YOU bietet nicht nur erstklassige Songs, sondern auch geradezu traumwandlerische, erlesene Elegien, durch deren luftigen Raum das Tumbleweed weht. Wunderschön verzweifelt und dabei zweifellos wunderschön.

Courtney Loves Rückkehr mit Schunkel- und Balladen-Grunge.

Da haben wir ja alle so unheimlich ungeduldig und total gespannt drauf gewartet: Hole machen die Wiedervereinigung. So mit den Bandmitgliedern der späten Neunziger, aber auf jeden Fall mit Mitgründer/Gitarrist/(Neben-)Songwriter Eric Erlandson und Bassfrau Melissa Auf Der Maur. Und Courtney Love auch, wenn’s denn schon sein muss.

Ganz schön geschnitten haben wir uns da. Von der klassischen Besetzung bleibt nämlich nur die Cobain-Witwe, die sich mit Erlandson im vergangenen Jahr offenbar auch noch um die Namensrechte gestritten hat. Madame Love hat offensichtlich ihren Hitzkopf durchgesetzt.

Am Kompositionsbrett sitzen mit ihr nun drei neue Köpfe. Da wäre zum einen der 23-jährige Brite Micko Larkin, der Erlandson im Bandkontext an der Gitarre ersetzt. Außerdem hatten Pink-Songschreiberin Linda Perry und Smashing Pumpkin Billy Corgan bei einigen Tracks ihre Finger respektive Akkord- und Harmonie-Schemata im Spiel. Dem Comeback-Album hat die Unterstützung der beiden Langzeit-Profis durchaus gut getan. NOBODY’S DAUGHTER hat alles, was ein Hole-Album braucht: Bretter, Midtempo-Schwofer, Abgründiges, Balladen. Lieder wie ›Someone Else’s Bed‹ und ›For Once In Your Life‹ funktionieren bestimmt auch mit Pink als Interpretin.

Courtney Loves Qualität scheint allerdings ausgerechnet bei ›Letter To God‹, dem einzigen allein von Linda Perry verfassten Song, durch: Nichts transportiert Kaputtheit so gut wie Courtney Loves abschmierendes und übersteuertes Gröl-Organ (die 45-Jährige muss nach der Gesangsaufnahme mehrere Tage keine Stimme gehabt haben).

Von dieser Warte aus ist die vierte Hole-Platte durchaus zu begrüßen. Insgesamt ist jedoch zu viel Durchschnittsware aus dem Grunge-Versandhauskatalog dabei. Von daher: Nett, dass Courtney Love mit Hole zurück ist, aber mehr auch nicht.