Demut vor den Fans

Obwohl sich der Begriff geradezu aufdrängt, mögen The Flying Eyes die Einordnung als Stoner-Rock-Band nicht sonderlich. Ihre Musik sei offener, melodischer, findet Frontmann William Kelly, zudem: „Außerhalb der Musikszene hat das Wort ‚Stoner’ einen negativen Beigeschmack, man denkt an Drogen und all diese Dinge. Wir haben damit nichts am Hut, insofern gefällt mir die Definition einer Psychedelic-Rock-Gruppe weitaus besser.“
Kelly, damals 18 Jahre alt, hat die Band im Frühjahr 2007 gegründet, er gibt ihr mit seiner kräftigen Stimme die entscheidende Richtung. Heute hat er sechs Lebensjahre mehr auf dem Buckel und blickt stolz auf die Veröffentlichung des dritten Studioalbums LOWLANDS. Das begeistert mit knochentrockenen Gitarrenriffs, stoisch marschierenden Rhythmen und einer Reihe bunter Instrumente wie Pedal Steel, Akustikgitarren oder auch Mellotron. Die Einflüsse auf LOWLANDS reichen bis tief in die 60er zurück, reiben sich aber auch an Versatzstücken von Prog und Grunge.

Die Vitalität der neuen Songs hat ihren Ursprung in zahllosen Konzerten. Die vielen Shows in kleinen schmuddeligen Clubs, mit miesen Gagen und noch mieserer Bewirtung, haben Kelly Demut gelehrt. „Man sollte nichts für selbstverständlich nehmen“, sagt er, „jede noch so kleine Show ist ein Geschenk. Selbst wenn nur 20 Zuschauer da sind, haben sie es verdient, dass man als Band alles gibt. Wenn man am Ende der Show nur fünf Zuschauer für sich gewinnen konnte, ist das immer noch besser, als wenn man sofort wieder vergessen ist. Außerdem, man weiß ja nie, wer sich gerade im Publikum befindet.“

Überzeugen können The Flying Eyes auch mit LOWLANDS, das nach dem Debüt und dessen 2009er-Nachfolger DONE SO WRONG spürbar härter, dunkler und aggressiver ausfällt. „Vor allem die größeren und besseren Fuzz-Pedale sind unüberhörbar“, erläutert Gitarrist Adam Bufano, dem man seine gerade mal 25 Lenze nicht anhört. Der Mann spielt eine souveräne, sehr vielseitige Axt und achtet genau darauf, dass Abwechslung auf LOWLANDS großgeschrieben wird. „Bei uns waren die Alben noch nie eindimensional“, resümiert er, „nach einem krachenden Track wie ›Smile‹ folgt beispielsweise sofort das sanfte, mit Akustikgitarre intonierte ›Alive In Time‹. Vor allem als Songschreiber haben wir uns kräftig weiterentwickelt, seitdem wir vor drei Jahren in Baltimore zusammengezogen sind. Seither proben wir mindestens drei Mal pro Woche, weshalb die Band von Monat zu Monat besser und reifer wird. Und genau das kann man auf LOWLANDS hören.“

Text: Matthias Mineur

Als im November 1974 die Düsseldorfer Elektronik-Band Kraftwerk ihr Meisterwerk AUTOBAHN veröffentlichte, glich dies einem Erdrutsch. Für die internationale Presse kam das Album aus völlig heiterem Himmel, in England und Amerika überschlug man sich vor Begeisterung über „the krauts“ und attestierte den Beteiligten, die perfekte Melange aus zeitgenössischer und futuristischer Popmusik gefunden zu haben. Entstanden war die Gruppe 1968 an der Remscheider Akademie, ein Jahr später gaben Ralf Hütter und Florian Schneider (noch unter dem alten Namen Hütter/Schneider-Organisation) in Berlin ein Testkonzert, bei dem es aus Protest über den künstlerischen Dilettantismus Gurken und Tomaten hagelte. 1970 veröffentlichte das Duo sein viel gelobtes Debüt KRAFTWERK, gab auf der Bühne (teilweise durch drei Begleitmusiker verstärkt) aber ein weiterhin sonderbares Bild ab: Regungslos standen Kraftwerk an ihren elektronischen Geräten und ließen sich lediglich von einer alten Stehlampe mit drei vergilbten Pergamentschirmen beleuchten. Die Musikszene hatte ihre Anti-Stars: introvertiert, roboterhaft, virtuell. Nach der Veröffentlichung von KRAFTWERK 2 (1971) und RALF & FLORIAN (1973) spielte die Band in Frankreich und entschied im März 1973, vorerst weder Interviews noch weitere Konzerte zu geben. Stattdessen verschanzten sich Hütter und Schneider plus Gastmusiker Klaus Röder und Wolfgang Flür sowie Produzent Conny Plank ins eigene „Kling-Klang“-Studio. Die Initialzündung zu AUTOBAHN (Anzeigentext: „Neu! Kraftwerk zum Mitsingen“) war eine Autobahnfahrt in Hütters Volkswagen, bei dem ein Kassettenrecorder aus dem Fenster gehalten, Verkehrsgeräusche aufgenommen und anschließend im Studio mit einem Moog-Synthesizer nachempfunden wurden. Zur Veröffentlichung lud die Band Journalisten zu einer Autofahrt ein und ließ das Album aus den Lautsprechern dröhnen. Kraftwerk hatten eine Hymne geschaffen auf das Statussymbol einer florierenden Industrie-Nation und ihren Exportschlager, das Auto!

Im April 1975 gingen Kraftwerk auf US-Tournee, unterstützt durch Karl Bartos und Wolfgang Flür, die fortan zur festen Besetzung gehörten. Das Publikum reagierte zunächst verhalten:

Die Musiker standen im Nostalgie-Look (kurze Haare, Schlips und Anzug) auf der Bühne und provozierten mit einer bewegungsarmen Show, über die der „San Francisco Examiner“ befand, dass „Kraftwerk seine Mitspieler zu Robotern entmenschlicht“. Das sah Ralf Hütter natürlich vollkommen anders: „Man kann sich AUTOBAHN anhören und dann auf der Autobahn losfahren, um festzustellen, dass unser Auto ein Musikinstrument ist.“

Weniger experimentell, dafür aber ähnlich innovativ gingen Kraan zu Werke. Die Band fusionierte Rock mit Jazz, bezeichnete ihren Stil als „Wintrup Musik“, benannt nach ihrem Zuhause, und orientierte sich vor allem rhythmisch gen Übersee: „Die Farbigen sorgen dort für den Rhythmus. In England gibt’s keine einzige Band, die gute Percussions bringt.“ Eine Erbschaft im Mai 1970 war quasi der Startschuss von Kraan: Peter Wolbrandt, Jan Fride, Helmut Hattler und Alto Pappert warfen ihr Geld zusammen und kauften sich eine Anlage nebst Bandbus. Ihr Debütalbum nahmen sie in einer nur zweitägigen Studiosession auf und pflegten auch sonst einen ausgeprägten Hang zur Spontaneität.

Kraan genossen das Leben einer musikalischen Kommune auf einem 1871 erbauten, mittlerweile stillgelegten Bauernhof am Rande des Teutoburger Waldes mit 4000 Quadratmetern Land. Das ehemalige Pferdegestüt hatte Mineralwasserproduzent Graf Metternich der Band zur Verfügung gestellt – kostenlos und ohne Bedingungen. Dort wohnten Kraan mit vier Musikern, ihrem Manager, zwei Roadies, drei Frauen, drei Kindern und etlichen Katzen und Hunden. Hattler charakterisierte die Philosophie des Zusammenlebens: „Es ist hier eine freundliche Anarchie. Wir haben absichtlich keine Pläne gemacht, wer wann wo putzen muss oder Spüldienst hat. Wenn in der Küche alles stimmt, geht auch die Musik in Ordnung.“ Im täglichen Leben mit derlei Banalitäten konfrontiert, entwickelte sich die Band zu eine der angesehensten deutschen Formationen. Nach drei Studiowerken wurde im Oktober 1974 im Berliner „Quartier Latin“ ihr Doppelalbum KRAAN LIVE mitgeschnitten, eines der herausragenden Jazzrock-Alben jener Tage, das von Conny Plank aufgezeichnet und bearbeitet wurde. Nach einem umjubelten Auftritt beim Roskilde Festival in Dänemark im Juni 1975 erweiterten Kraan ihre Besetzung durch den Pianisten und Organisten Ingo Bischoff. Mit dem folgenden, großartigen LET IT OUT, das mit einem mobilen Studio in Wintrup, quasi zwischen Pferdestall und Küchenherd, ebenfalls von Conny Plank produziert wurde, avancierten Kraan im Magazin „Sounds“ zur Gruppe des Jahres. Kraan waren ein typisch deutsches Phänomen, schafften zwar Achtungserfolge im europäischen Ausland, der Sprung nach Übersee blieb ihnen hingegen verwehrt. Hattler: „Ich hätte gerne einen Dreijahresvertrag mit irgendeinem Amerikaner unterschrieben. Unser Schlagzeuger aber war das pure Gegenteil, lieber wollte er gar nichts machen, als nach Amerika zu gehen.“

Eine derartige Haltung war Karthago völlig fremd. Im Gegensatz zu Kraan oder Avantgardisten á la Can und Popol Vuh spielten die Berliner schnörkellose, laute Rocksongs. „Mit dieser Musik, die Lahme wieder gehend machen kann, beziehen sie – bei ihrem scheinbar einfachen musikalischen Rezept mag das paradox klingen – in Deutschland eine Außenseiterposition“, schrieb „Sounds“. Gegründet wurde Karthago von Gitarrist und Sänger Joey Albrecht, ihr Debütalbum KARTHAGO (1971) mit offenkundigen Anleihen bei Bands wie Chicago und Argent stellte – glaubt man dem Cover-Text – einen Akt künstlerischer Befreiung dar: Die Musiker hatten „jahrelanges Suchen und Versuchen, viele Gedanken, viele Ups und Downs, immer nur Geld genug für die tägliche Tüte“ hinter sich. Nun aber, so der Hüllentext „entdecken sie das feste Fundament Freundschaft – und von da an fügt sich langsam Stein auf Stein für dieses neue Karthago“. Das zweite Album SECOND STEP kam im Juli 1973 in die Läden, Ende August starteten die Musiker auf eine Tournee durch Deutschland, Schweden, Luxemburg, die Schweiz und Italien und gastierten in deutschen Fernsehsendungen wie „Disco 74“, „Musikreport“ und „Music Today“. Im Oktober 1974 schloss sich Jethro-Tull-Bassist Glenn Cornick der Truppe an, bereits einen Monat später spielten Karthago im Oxforder „Chipping Norton Studio“ ihr drittes Album ROCK’N’ROLL TESTAMENT ein. Das Werk wurde nicht nur aufgrund seiner exzellenten Produktion euphorisch gefeiert. „Sounds“ befand, dass „sich die Platte durchaus an internationalen Standards messen kann“ und jubelte: „Perfekt, Jungs! ROCK’N’ROLL TESTAMENT als das bisher beste Rockalbum einer deutschen Band zu bezeichnen, ist diesmal wirklich keine Übertreibung.“

DISkOGRAfIE

KRAFTWERK

Kraftwerk (1970)
Kraftwerk 2 (1971)
Ralf + Florian (1973)
Autobahn (1974)
Radio-Aktivität (1975)
Trans Europa Express (1977)
Mensch-Maschine (1978)
*(viele weitere Alben ab den 1980ern)

KRAAN

Kraan (1972)
Wintrup (1973)
Andy Nogger (1974)
Live (1975)
Let It Out (1975)
Wiederhören (1977)
Flyday (1980)
*(viele weitere Alben ab den 1980ern)

KARTHAGO

Karthago (1971)
Second Step (1973)
Rock’n’Roll Testament (1974)
Live At The Roxy (1976)
Love Is A Cake (1977)
Best Of (1978)
Zeitzeugen

CONNY PLANK

Als Produzent und Experimentalmusiker gehörte Konrad „Conny“ Plank zu den wichtigsten Katalysatoren der deutschen Rockmusik. In seinem Tonstudio, einem umgebauten Bauernhof im Bergischen Land – der Aufnahmeraum war im ehemaligem Schweinestall, der Regieraum im früheren Pferdestall – herrschte pure Kreativität, wenn er die deutsche Rockelite wie Kraftwerk, Neu!, Cluster, Can, Kraan, später Ideal und DAF mit seinem kreativen Geist zu Höchstleistungen anspornte. „Sein Motto lautete: Too much ist gerade gut genug“, erinnert sich Kraan-Bassist Hellmut Hattler. „Conny hatte klare Vorstellungen von musikalischen Werten und Normen. Zudem schaute er niemals auf die Uhr, sondern ließ die Künstler ohne Zeitdruck arbeiten.“

Plank war ein eiserner Verfechter größtmöglicher Natürlichkeit. Für ihn bestand Musik aus stetem Austausch von Ideen, Tönen, Echos, Reflexionen, aus „natürlichen Phänomenen“, wie er Resonanz und Interferenz nannte. „Ich versuche, Situationen zu schaffen, um gute Musik herstellen zu können“, erklärte er, „auf den Ausdruck kommt es mir an, nicht auf Technik oder hochwertige Studioparameter.“

Hemmungslos experimentierte er mit altertümlichen Echomaschinen oder setzte den Brummkreisel seines Sohnes Stephan ein (zu hören auf Kraans ›Die Maschine‹). Trotz eines Computer-gesteuerten Mischpultes, mit dem Plank in den Achtzigern auch für internationale Bands wie Devo und Ultravox arbeitete, gehörte sein Herz der analogen Technik. „Je älter der Schrott ist, um so erdigere Musik kommt raus“, war seine Arbeitsphilosophie, „das hängt mit dem Umkippen in neue Qualitäten zusammen“. Seine größte Popularität erreichte Plank als Produzent und Toningenieur für Kraftwerk auf ihren ersten vier Alben (inklusive AUTOBAHN). Aber auch Michael Rothers FLAMMENDE HERZEN, CLUSTER 71, oder DAFs ALLES IST GUT gehören zu seinen Meisterwerken.

Gelegentlich wurde Plank auch als Musiker aktiv. Mit Hans Joachim Roedelius veröffentlichte er DURCH DIE WÜSTE, mit Dieter Möbius mehrere Scheiben, er musizierte mit Holger Czukay von Can und war Mitglied der kurzlebigen Formation Lilienthal. Conny Plank starb im Dezember 1987 an Krebs, überlebt hat sein Ruf als wichtiger Pionier und Impulsgeber der deutschen Rockgeschichte.

STEPHAN PLANK, CONNY PLANKS SOHN

Stephan Plank (39) studierte Wirtschaftspolitik, leitete bis 2005 das Plank-Studio, war Manager von Nina Hagen und dreht zurzeit eine Kinodokumentation über das Leben seines Vaters.

Stephan, ab wann war dir bewusst, in einem ganz besonderen Haushalt aufzuwachsen?
Ich bin 1974 geboren und kann mich ab 1978 daran erinnern, dass ständig lustige kreative Menschen bei uns am Küchentisch saßen. Musik war bei uns allgegenwärtig, und auch die damit verbundenen Phänomene. Eine meiner ersten Fragen lautete: „Mama, warum riechen die Leute am Tisch so komisch?“ Meine Mutter erklärte den süßlichen Duft der Joints mit Medizin, was natürlich reichlich geschönt war.

An welche Musiker kannst du dich namentlich erinnern?
Mit Gianna Nannini und den Eurythmics bin ich noch heute befreundet, sie waren in den Achtzigern häufig da. Aber auch Michael Rother hat oft mit mir gespielt, Dieter Möbius war quasi durchgehend anwesend, und auch an Brian Eno erinnere ich mich, obwohl er nie mit mir gespielt hat.

Was passierte nach dem Tod deines Vaters?
Es ging zunächst mit dem Studio weiter, meine Mutter und ich vermieteten es fortan. Die Einstürzenden Neubauten waren da, Die Ärzte, Fanta 4. Ab 2001 wurde es wirtschaftlich schwierig, denn die Branche geriet in die Rezession und damit brachen die Budgets für Studioproduktionen ein. Meine Mutter hielt bis kurz vor ihrem Tod dennoch in Gedenken an meinen Vater am Studio fest. 2005 musste es geschlossen werden, weil es wirtschaftlich nicht mehr tragbar war.

Existieren die Räumlichkeiten noch?
Nein, der alte Bauernhof wurde abgerissen, dort stehen heute Mietwohnungen. Aber es existieren bei vielen Musikern noch unzählige schöne Erinnerungen, und die sind viel wichtiger als das bloße Mauerwerk.

Matthias Mineur

BON JOVI
Köln, Müngersdorfer Stadion

30 Jahre perfektionierter Stadionrock

Was haben Bon Jovi im Classic Rock zu suchen? Diese Frage spaltete die Leserschaft wie lange keine Titel-Story auf den Leserbriefseiten. Hierzu später mehr. Unter den im Anreise-Stau zum Kölner Stadion steckenden Bon-Jovi-Jüngern war die am häufigsten gestellte bange Frage: „Wie werden Bon Jovi ohne Richie Sambora funktionieren?“ Der immer noch reichlich nebulöse Rausschmiss des Gitarristen schlug in der proppevollen Bahn hohe Wellen und sorgte für angeregte Diskussionen. Eine Bombenentschärfung, eine Demo und der Shopping-Samstags-Termin sorgten dafür, dass wir Christina Stürmer und Band als Support-Act verpassten. Die Reaktionen sollen laut Augenzeugen überraschend positiv ausgefallen sein. Wie man ein volles Fussballstadion trotz der herrschenden Skepsis im Sturm erobert, zeigten die New Jersey Boys im Anschluss: ein überdimensionaler Straßenkreuzer als Bühne, unzählige verfahrbare Leinwände und der Einstieg mit einem Status Quo-Medley – Köln hatte direkt Spaß in den Backen. Die Stimmung wurde mühelos gehalten, alte Gassenhauer a la ›You Give Love A Bad Name‹, ›Keep The Faith‹ oder ›Have A Nice Day‹ wurden gekonnt mit Stücken vom aktuellen Album WHAT ABOUT NOW vermischt. Und wo waren die Balladen? Es gab keine! In Köln wurde gerockt, was der Backkatalog hergab – Classic Rock-Kompatibilität garantiert! Erst im Zugabenblock hatten Bon Jovi ein Erbarmen mit den anwesenden Mädels und drosselten mit dem selten gespielten ›This Ain’t A Love Song‹ das Tempo. Und wie schlug sich bei alledem Phil X, der Sambora-Vertreter an der Sechssaitigen? Professionell hielt er sich dezent im Hintergrund und spulte seine Licks und Riffs herunter. Technisch einwandfrei, aber gerade bei den Talkbox-Attacken in ›It’s My Life‹ und ›Livin‘ On A Prayer‹ fehlte das Sambora-Flair. Bei ›Wanted Dead Or Alive‹ wurde dann auch der letzten verklärten Mittfünfzigerin klar, dass Bon Jovi als Band eben doch viel mehr sind, als ein hervorragend bei Stimme befindlicher Jon Bon Jovi. Dieser legte sich voll ins Zeug, wirkte aber ohne seinen Sidekick Sambora doch recht verloren an der Bühenfront. Insgesamt 26 Songs wurden den Anwesenden mit voller Energie dargeboten, viel mehr als auf der „offiziellen“ Setlist auf der Bühne zu erspähen waren. Summa summarum ein absolut gelungener Tag, der einmal mehr bewiesen hat, dass Bon Jovi nach wie vor für Überraschungen im Set (›Wild Is The Wind‹, ›Bad Medicine + Pretty Wo-man‹, kein ›Always‹ oder ›Bed Of Roses‹) gut sind und es nicht jedem Recht machen wollen. Auf der Rückreise murmelten Männer mit pergamentartigen Bon Jovi-Tourshirts von 1988 Sätze wie „mit Sambora wäre es legendär gewesen“ vor sich hin und erklärten der Dame neben sich bei einem warmen Piccolo, warum weniger Herzschmerz beim Fünfer aus New Jersey manchmal einfach mehr ist … because they can!

Alex Stauf

Joe Satriani
Berlin, Columbia Halle

Grandioses Saitenspiel

Originellerweise eröffnete ein Schlagzeugsolo das Konzert des kahlköpfigen Flitzfingers. Dann setzten die übrigen drei Musiker ein, um ein paar Satriani-Klassiker wie ›Cool #9‹ und ›Flying In A Blue Dream‹ zu zelebrieren. Angesichts der Klasse des schmächtigen Saitensurfers aus Kalifornien versteht es sich von selbst, dass seine Band auf ähnlichem Niveau agiert. Keyboarder und Co-Gitarrist Mike Keneally liefert sich gelegentlich hitzige Griffbrettduelle mit Satch. Am Bass vervollständigte Chris Chany den stets dynamischen Vierer. Fehlerlos meisterte dieser alle Kurven, Geraden, Steigungen, Abfahrten und das gelegentliche Kopfsteinpflaster, wenn Satriani sich etwa auf Fusion-Terrain begab. Dann wurde es Zeit, neues Material von UNSTOPPABLE MOMENTUM vorzustellen. Dem griffigen Titelsong folgte das klassisch angehauchte ›The Weight Of The World‹. Spätestens jetzt griffen etliche der Besucher zur Luftgitarre. Illuminiert von fantastischen farbigen Videoprojektionen steuerte der quirlige Saitenheld seine Band zurück zu Klassikern wie ›Satch Boogie‹ und ›Surfing With An Alien‹. Joe Satriani gehört zu den wenigen Gitarristen der Szene, die aus einem reinen Instrumental-Konzert eine höchst unterhaltsame Show machen können. Als die Töne vom Schlusspunkt ›Rubina‹ verklungen waren, wusste wohl jeder, ganz großes Gitarren-Kino erlebt zu haben.

Henning Richter

ZZ TOP
München, Tollwood Musik-Arena

Ritt in den Sonnenuntergang

Knapp 4.000 Fans ließen sich von ZZ Top an diesem Sommerabend aus der Sonne in das riesige Zelt auf dem Tollwood-Gelände locken. Und irgendwie passt das Klima in der Musik-Arena zum Thema, denn die texanisch anmutende Hitze vermittelt ein Wüstengefühl, das um ein Weiteres verstärkt wird, als das Intro startet und auf den Video-Wänden die Protagonisten des Abends Billy F. Gibbons, Dusty Hill und Frank Beard in einem Road Movie-artigen Filmvorspann vorgestellt werden. Die Hauptrolle bei ZZ Top hat aber noch immer ihr unverwechselbar rumpeliger und grober Bluesrock. Mit ›Got Me Under Pressure‹ eröffnen ZZ Top eine etwa 75-minütige Demonstration ihrer „Coolness“ – im wahrsten Sinne des Wortes, denn ihre gesamten Auftritt bestreiten Billy und Dusty in Jacke, Mütze, Hut und natürlich hinter dicker Gesichtswolle, ohne einen Tropfen Schweiß zu verlieren. Nur Frank scheint schwer an seine Grenzen zu kommen. Einige Songs dauert es, bis ihre Bemühungen bei den überhitzten Fans ankommen. Dann aber grooven sich ZZ Top auf einzigartige Weise durch insgesamt 18 Songs inklusive vier Zugaben und verabschieden das Publikum nach ihrer Hitparade mit einer Coverversion von ›Jailhouse Rock‹. Danach dürfen die Münchner wieder in die Sonne, die um 21:15 auch noch nicht untergegangen ist.

Paul Schmitz

SAXON
Aschaffenburg, Colos-Saal

Solider Gig inklusive Gehörschaden

Saxon gehören zu den langlebigsten Metal Bands der Szene und stehen wie Motörhead für einen unverwechselbaren Sound und eine lange Liste Klassiker. Dass der Colos-Saal Club binnen weniger Tage für die Saxon-Show ausverkauft war, ist daher nicht verwunderlich. Die Herren um Frontsirene und markantem Aushängeschild der Briten, Biff Byford, fallen unter die Kategorie Arbeitstiere. Zwischen großen Festivalauftritten absolvierte die NWOBHM-Legende einige Clubshows und lies verbrannte Erde hinter sich. Bevor einem die Ohren durch eine unangenehme Überlautstärke von Saxon abfaulten, heizten AC Angry den Club amtlich auf. Der Mix aus Power Rock, Heavy Metal und AC/DC-lastigen Riffs war simpel aber effizient. Das Gebräu kam gut an, zumal die Herren auch eine bewegungsfreudige Performance im Kontext zu ihren Powerhymnen ablieferten. Saxon waren sich ihres Status bewusst und stiegen erst einmal mit neuem Material vom aktuellen Album SACRIFICE ein um den Spannungsbogen bis zu den gewünschten Klassikern zu erhöhen. Routiniert und vor allem mörderisch laut lieferte man Hit auf Hit. Kollektives ausrasten war dann bei ›Power & The Glory‹, ›Dallas 1 Pm‹, ›Strong Arm Of The Law‹, ›Wheels Of Steel‹ oder ›To Hell An Back Again‹ angesagt, bevor ein Drumsolo aus dem Hause Nigel Glockler die Stimmung etwas abbremste. Byford ist ein perfekter Frontmann, der 62-Jährige weiß, wie man die Fans bei der Stange hält und scheute sich auch nicht, immer mal wieder zu bangen! Man erinnere sich an das Alter! Die abendschließende Triple-Attack in Form von ›Crusader‹, ›Denim & Leather‹ sowie ›Princess Of The Night‹ rundeten einen schweißtreibenden und gehörschädigenden Abend ab. Kritisieren kann man eigentlich nur, dass die Band bei diesem Club-Gig Songs spielte, die nicht dem klassischen Best-of Festival Programm entsprechen.

Henning Richter

RUSH
Köln, Lanxess Arena

Rausch der Sinne

Die kanadischen Prog-Götter um Sänger und Bassist Geddy Lee, Gitarrenikone Alex Lifeson und dem Ausnahme-Schlagzeuger Neil Peart hatten für den 4. Juni ihre Erscheinung in der Kölner Lanxess-Arena angekündigt und ihre Fans reisten zahlreich aus ganz Europa an. Und Rush bewiesen wieder einmal ihre absolute Meisterklasse. Eingerahmt von einer opulenten Lichtshow mit modernster LED-Technik samt einer gigantischen Leinwand im Hintergrund. Es gibt wohl keine andere Band, die ein so intensives, technisch hoch anspruchsvolles und dabei ungemein unterhaltsames Brett abliefert, wie Rush. Was die drei Musiker hier in den dreieinhalb Stunden Netto-Spielzeit abfeuerten, ist schlichtweg atemberaubend und einzigartig. Das Konzeptalbum CLOCKWORK ANGELS wurde in perfekter Optik in Szene gesetzt. Mit kinotauglichen Einspielsequenzen, überraschenden Flammensäulen und perfekt choreografierten Live-Bildern auf der Leinwand konnte man das nur begeistert genießen. Unterteilt in zwei Akte, spielten Rush im ersten Teil unter anderem Stücke wie ›The Big Money‹, ›Grand Designs‹ und ›Far Cry‹, bevor es nach einer kurzen Verschnaufpause und unterstützt vom kraftvollen Clockwork Angels Streicher-Quartett mit ›Caravan‹, dem Titeltrack ›Clockwork Angels‹ und ›YYZ‹ imposant weiter ging. Mit der Zugabe in Form von ›Tom Sawyer‹ sowie den einzelnen „2112“- Kapiteln ›Overture‹, ›The Temples Of Syrinx‹ und dem ›Grand Finale‹ machten Rush endgültig kurzen Prozess mit ihren Fans. So ein ekstatisches Raunen und Jubeln erlebt man sonst nur bei großen Fußball-Endspielen.

Torsten Wohlgemuth

BETH HART & JOE BONAMASSA
Amsterdam, Theater Carré
High Heels N‘ Blues Licks

Die Luft knistert an der Amstel: Fans jeglicher Couleur, von Mitgliedern der Hell‘s Angels über altgediente Bluesrocker bis hin zur Amsterdamer High Society, warten am Eingang des berühmten Theater Carré auf den Einlass. Einen derart breitgefächerten Mix an Charakteren trifft der geneigte Konzertgänger sonst wahrscheinlich nur bei Mainstream Acts wie etwa Bon Jovi, The Rolling Stones oder Bruce Springsteen. So vielfältig wie das Publikum ist auch die heutige Liveband von Joe und Beth, bei der unter anderem Blondie Chaplin („The 5th Rolling Stone“) an der Rhythmusgitarre und Drummer Anton Fig (die Studiovertretung für Peter „Catman“ Criss auf den KISS Alben UNMASKED und DYNASTY) mit von der Party sind. Bevor es jedoch auf der Bühne los geht, ist erstmal ein ausführlicher Lichttest angesagt, denn die beiden Gastspiele im Carré werden für die erste Hart/Bonamassa Live Blue-Ray festgehalten. Als um kurz nach 20.00 Uhr die inzwischen perfekt abgestimmte Beleuchtung gedimmt wird und Joe plus Backing Band inkl. Blechbläserensemble das Theaterrund betritt, sind die Reaktionen so vielfältig wie die Konzertbesucher – von euphorischen Standing Ovations bis zu höflichem Beifall ist alles zu vernehmen. Joe Bonamassa steht heute in der zweiten Reihe und mimt den Bandleader, der Beth Hart für ihre Performance gut die halbe Bühne überlässt. Nach einem kurzen Instrumental Jam stürmt Beth die Bretter und erinnert dabei an eine Symbiose aus Tina Turner und ein Aufziehmännchen. Harts positive Aura verbreitet sich innerhalb von Sekunden im Saal. Ihre einzigartige Stimme, ihr Blick und ihre Bewegungen strahlen eine derartige Coolness aus, dass man in manchen Momenten ganz vergisst, dass hinter ihr einer der bedeutendsten Gitarristen des neuen Jahrtausends an der Sechssaitigen herrliche Riffs und Licks aus seinen Gibson Les Paul, Fender Tele- sowie Stratocaster-Modellen zaubert. Inspiriert von der ausgelassenen Stimmung im Auditorium, klettert Beth kurzerhand in den schmalen Bühnengraben und rockt von dort aus weiter. Leider zwingt sie eine garstige Rückkopplung zur zwanghaften Rückkehr nach oben. Angesichts der Leistung, die Hart im Carré an den Tag legt, ist es nicht verwunderlich, dass sie zur Halbzeit Bonamassa für ›Someday After A While‹ – einer grandios vorgetragenen Version des Eric Clapton Songs – das Publikum überlässt. Die zweite Hälfte des Sets ist ebenso perfekt und kurzweilig zusammengestellt, dass man, als die immer noch tadellos eingestellten Lichter im Theater wieder voll erstrahlen, noch einen dritten Akt des explosiven Duos sehen möchte.

Chris Franzkowiak

Queens Of The Stone Age & Masters Of Reality
Berlin, Zitadelle

Neuland für den Rock

Auf dem Weg zur Zitadelle fallen einem parkende Autos aus allen Ecken der Republik auf. Von überall her sind Fans zusammen geströmt, um den einzigen QOTSA-Auftritt außerhalb von Festivals zu erleben. Die äußeren Bedingungen sind ideal, die Sonne strahlt am blauen Himmel, die altertümliche Festung bietet eine malerische Kulisse, die gekühlten Getränke rinnen süffig die Kehle herunter. Chris Goss, Kopf der Masters Of Reality, und QOTSA-Chef Josh Homme haben immer wieder eng zusammen gearbeitet. Wer also die eine Band mag, wird mit hoher Wahrscheinlichkeit auch die andere mögen. „It’s a rock show“, stellt Goss gleich zu Anfang klar, seine MOR ziehen alle Register: Sie intonieren Rock’n’Roll alter Schule, stampfende Kracher mit wuchtigem Groove und fein gewobenen Psychedelic. Goss, der Vater des Desert Rock, also von Bands wie Kyuss und QOTSA, hat illustre Musiker versammelt wie seinen Langzeittrommler John Leamy, den bärtigen Dave Catching an der Gitarre, den Berliner Mathias Schneeberger an den Tasten und Paul Powell am Bass. Neun Alben haben MOR veröffentlicht, besonders die rockigen Nummern werden präsentiert, sogar vom Debüt BLUE DARDEN (1988) spielen sie Material. Die Stimmung in der Zitadelle, mit mehreren tausend Besuchern nahezu ausverkauft, ist blendend. Die Leute rocken definitiv auf der gleichen Wellenlänge wie Chris Goss und seine formidable Band.

Kurz nach Erscheinen von … LIKE CLOCKWORK, ihrem ersten Studioalbum seit sechs Jahren, brachen Queens Of The Stone Age zu ihrer Europa-Tournee auf. Mit den neuen Songs versucht der ambitionierte Josh Homme einmal mehr, die Grenzen des Genres Rock zu erweitern, ein Versuch, der bei Kritikern gelegentlich ein zwiespältiges Echo findet. ›Keep Your Eyes Peeled‹ startet den Reigen von kantigen Krachern, deren Beats Kraft und Klang von Gewitterdonner besitzen. Natürlich werden die alten Hits vom Überalbum SONGS FOR THE DEAF (2002) mit gigantischem Jubel begrüßt, darunter der Titelsong sowie ›First It Giveth‹ und ›No One Knows‹. Dann probieren sich Homme & seine Musiker, viele davon neu in der Band, an schrägen Songs, die bohren, feilen und sägen. Es geht dem großen Rotblonden um nichts Geringeres als Neuland für den Rock, während es dem Publikum in der Hauptsache um Party geht. Das passt nicht immer zusammen, hin und wieder sackt die Stimmung ab. Doch dann folgt die Rettung in Form eines Fußstampfers wie etwa ›Little Sister‹ von 2005 und alle stehen Kopf. Inzwischen ist der Mond aufgegangen, das Ende kündigt sich an. Mit ›A Song For The Dead‹ (2002) setzen QOTSA den Schlusspunkt eines furiosen Konzerts, in dem Josh Homme das Publikum forderte, aber zum Glück nicht überforderte.

Henning Richter